Ele, Ela e o Cinema

NOVA MUDANÇA

2008-08-15T12:46:00.004-03:00

ESTOU AQUI:
http://WWW.ELESELAEOCINEMA.WORDPRESS.COM/

AMOR,
IRINHA

FOMOS ALÍ

2007-10-17T12:05:00.000-03:00

http://WWW.CINEMACANCERIANO.BLOGSPOT.COM/

http://WWW.BEBABSINTO.BLOGSPOT.COM/

:*

Cineasta sueco Ingmar Bergman morre aos 89 anos

2007-07-30T16:18:00.000-03:00

Fica o respeito por este profílico diretor, que termina uma vida grandiosa, tendo criado não só filmes, mas um verdadeiro gênero próprio, único e inimitável. Seus filmes têm lugar de destaque em minha vida. Quando entrei na faculdade, passei uns dois anos só assistindo Bergman, Woody Allen e Hitchcock. Tenho por ele um carinho imenso, e um grande sentimento de gratidão, pois foi um dos que me ensinou não só a ver, entender e fazer cinema, como também a pensar filosoficamente a vida, a morte e as relações humanas. A Bergman eu deixo meu obrigado por Gritos e Sussurros, Persona, Fanny & Alexander, Sorrisos de Uma Noite de Verão, Morangos Silvestres e o Sétimo Selo! Eu não seria eu mesmo sem estes filmes.

Davi.

Je T'Aime

2007-07-04T10:26:00.000-03:00

Paris, Eu te amo ( Paris, Je T'Aime). França . 2006

Lembro-me que a frase era mais ou menos assim: " E de tanto me comportar como um apaixonado, acabei me apaixonando novamente".

20:15, pré-estréia do filme coletivo "Paris, Eu te amo" na Sala de Arte do Museu. Fila grande e o público ouriçado composto em sua maioria por casais de meia idade e senhoras distintas (distintamente "empiriguetadas"). Um grupo atrás de mim comentava: " Nossa, mas porque tanta gente assim? Tudo bem que é pré-estréia e estamos em época de férias mas hoje está realmente cheio". Uma mais sarcástica dizia : "Isso tudo é saudade de Paris? Será que esse povo todo veio ver Paris? Que carência não? Foi aí que minha ficha caiu e percebi que meu solitário programa de sábado à noite poderia virar uma grande tragédia com direito a quase duas horas do mais mais puro e completo blasé nonsense que eu bem já conhecia por conta de " Um filme falado" do Oliveira.

A fila avançou, entrei e cacei um lugar distante dos casais, das senhoras e dos futuros "Uh la las" . A poltrona da turma do gargarejo, estrategicamente localizada embaixo do ar condicionado me aguardava. A luz se apagou e o filme começou. Plano geral de Paris, imagens de um amanhecer (ou seria entardecer? não me lembro). O rapaz desconhecido que sentava ao me lado suspirou: "Parissssss!" E eu pensei: "Me ferrei!"

A trilha era "modernosa" e os primeiros momentos do filme apresentavam um mosaico com imagens das personagens. Me ajeitei na cadeira e percebi como fui precipitada em julgá-lo. Mas é claro que um filme coletivo, rodado em 2006, por 23 diretores e com um time de atores respeitáveis me surpreenderia. Pelo menos uns 3 curtas valeriam a pena, na verdade foram 22, juntos, um atrás do outro, compondo um agradável e emocionante painel de sensações intercalados pelas imagens de uma Paris naturalista, ora fabulosa, ora fantástica, ora bem humorada. No entanto, apesar dos risos soltos, os curtas pareciam estar envolvidos por uma atmosfera de melancolia e tristeza incrivelmente sintetizada no último curta. Um dos melhores do coletivo, trazia a história de uma mulher solitária que passa férias na cidade dos amantes e, como uma Macabéia de Lispector, descobria uma espécie de amor próprio e o sentido da vida.

Ricos diálogos e inusitadas situações aliados à graciosos efeitos especiais, mal entendidos, terror, nouvelle vague, um festival de tipos e uma Paris de fundo não apenas como um bonito cenário mas, um palco maravilhoso para todos aqueles momentos intensos. O desenrolar dos acontecimentos nos mantém quase todo o tempo interessados nas situações por conta do timming certeiro do formato curta metragem. Pequenas explosões seguidas de outras mais fortes e mais fracas acionadas pelo fantástico time de atores conhecidos e um elenco de jovens rostos apaixonantes.

"Paris, Eu te amo" apresenta uma espécie de painel retrospectivo do estilo de filmes europeus produzidos nos últimos 5 anos mas, com o diferencial de tratar do tema do amor a partir de uma visão muito mais melancólica ( e minha volta solitária para casa colaborou bastante para essa sensação).

Zodíaco, The Death Note e o prazer das tramas inteligentes.

2007-06-15T11:55:00.000-03:00

O que é um bom roteiro? Quais as características marcantes de uma boa história?Como conduzir uma narrativa de maneira dinâmica e eficiente ? Como fazer com que o leitor (espectador) se mantenha conectado à obra de maneira intensa, a ponto de transformar tempo em espaço único de apreciação? Como ganhar? Como seduzir?

Mesmo os criadores menos preocupados (a priori) com a resposta do público, fazem perguntas desse tipo durante as etapas de um roteiro, e mais precisamente em sua parte final - momento decisivo para os "encontros da compreensão". Coisa do tipo: "Eu estou aqui falando com você há horas, gastando o meu latim, minhas mais preciosas piadas espirituosas, minha elegância e meu senso de humor. Gostaria de compartilhar isso com você. Me escute, me acompanhe, reaja, complete meu raciocínio, façamos um agradável jogo, tenhamos uma proveitosa conversa". É mais ou menos assim que compreendo esse universo das histórias de suspense e intriga. Apesar de não ser meu gênero preferido, é impossível ficar indiferente a uma boa jogada.

É complicado definir em que estágio de popularidade se encontra o anime The Death Note. Tomei conhecimento da obra no meio de 2007. O mercado de animes e mangás é alucinante, a cada minuto novas e excelentes obras são lançadas, por grandes ou pequenas editoras, e é difícil de acompanhar a $novidade$. Pois bem, The Death Note foi e ainda é sensação - dois longas adaptados, mais de 30 episódios do anime e o lançamento no Brasil do mangá original pela editora JBC.

A história é macabra, estranha e polêmica. Ao contrário do que as pessoas que não conhecem o universo de mangás e animes pensam - desenhos de bichinhos engraçadinhos sobre universo infantil e adolescente - The Death Note é um dos bons exemplos de uma obra direcionada à um público mais adulto. Um anime que agrega arte e bom argumento.

A obra de Tsugumi Ooba (roteiro) e Takeshi Obata (arte) se embrenha pelo espinhoso caminho dos temas da pena de morte, do julgamento, do fanatismo, do terrorismo e da intolerância. Aliados aos elementos do fantástico e do mágico - que na verdade se comportam claramente como elementos simbólicos - A história nos apresenta monstros e demônios mais complexos que a simples representação do mal.

Sinopse retirada do site www.deathnote.com.br (onde você também encontra o anime para download) :

Raito Yagami é um jovem estudante prodígio, que leva uma vida que ele considera entediante. Isso muda em um dia de 2003, quando ele encontra, no colégio, um estranho caderno, com o título de "Death Note". No ínicio, ele imagina ser apenas uma brincadeira de mal gosto, mas, após testá-lo, começa a aplicar um "castigo divino" aos criminosos. Não demora para descobrir que o caderno pertence a um shinigami (demônio da morte) chamado Ryuuku.

Sem muita demora, a polícia suspeita que alguém é responsável pelas mortes misteriosas de criminosos. A força policial começa a trabalhar em conjunto com L, conhecido como o melhor detetive do mundo. Raito, agora intitulado de Kira por seus admiradores e pela imprensa, continua perseguindo seu objetivo de limpar o mundo, assassinando criminosos Japão afora. Começa então um jogo de gato e rato entre eles, para ver quem terá sua identidade exposta primeiro.

E é justamente esse jogo de "gato e rato" entre as interessantes personagens o que garante o sucesso da trama. Kira é jovem, loiro, bonito e inteligente. Um rapaz que não apresenta nenhum tipo de suspeita, mas que no entanto, já nos primeiros episódios, revela uma personalidade doentia de psicopata calculista. L é um tipo bizarro, uma espécie de herói-nerd-sombrio, com problemas de comunicação, quase um autista. Mais do que "estilo", as personagens apresentam uma dissimulação muito humana, que é pontualmente acompanhada e apreciada pelos "shinigamis".

É claro que a semelhança com filmes sobre assassinos em série é inevitável. As tramas apresentam quase os mesmos elementos: terror, investigação, falsos suspeitos, falsos motivos, pistas e mais pitas que transformam a história num angustiante quebra cabeça. Mas nesse caso, ao montar todas as peças, ao descobrir o enigma (já já falo de Zodiaco), estamos mais que saciando algum tipo de obsessão, estamos lutando contra o mal, colocando o mal-feitor na cadeia e vencendo, junto com o "mocinho", a guerra psicológica

Kira tinha um motivo para matar pessoas, Zodiaco não necessariamente. O que une essas histórias então? O vai e vem da trama, a inteligência dos assassinos, dos envolvidos, dos detetives e dos autores.

David Fincher é um grande diretor, e que, mesmo com um roteiro não muito bem amarrado (até mesmo como próprio The Death Note em seus primeiros episódios), consegue realizar um filme intenso, que traz em seu elenco atores consagrados como Robert Downey Jr., além do estranho (e competente) Jake Gyllenhaal.

O roteiro de James Vanderbilt, baseado no livro de Robert Graysmith, conta a história real do serial killer Zodíaco que aterrorizou nas décadas de 60 e 70 cidade de São Francisco. A impressão que temos é que, por querer ser muito fiel à história real, o filme se torna um tanto cansativo, longo, com excessos de plot points - como num formato de série. No entanto, nem esse exagero de tempo e informações consegue nos cansar do cinema de David Fincher, que a cada seqüência nos presenteia com grandes momentos cinematográficos, movimentos de câmera fabulosos e momentos de tensão aterradores, "naturalmente" cruéis, em conjunto com o timming perfeito do terror estilizado. Zodíaco mata de noite, de dia, na beira da lagoa. Zodíaco faz terrorismo através da mídia (com cenas incrivelmente parecidas com as de The Death Note).

Com simplicidade e sutileza, o diretor constrói o medo de forma despretensiosa. O crime, tão natural e corriqueiro, assusta ainda mais, pois nos lembra que poderíamos estar (e, de fato, estamos) ali dentro, junto com os personagens, na mão de um assassino estranho chamado Zodíaco. É essa estratégia de câmera que fica evidente logo no começo, quando um casal adolescente é morto dentro de um carro, em uma pequena cidade norte-americana. A imagem é sempre captada de dentro do carro, impedindo o olhar externo. Ficamos no carro e morremos com eles.

O protagonista, o cartunista vivido por Jake Gyllenhaal, sai um pouco de cana depois da introdução do filme, dando lugar ao trabalho da polícia. O inspetor David Toschi (Mark Rufalo) é um personagem muito interessante, como todos do filme, aliás (outra semelhança com Death Note). Pequeno, gordinho, com trejeitos curtos, voz suave e feminina, o personagem é uma versão muito própria do clichê do policial durão. Mesmo com todos esses atributos originais, o personagem não perde sua força e virilidade policial. A atuação de Downey Jr., memorável como de costume, é um deleite à parte. Neste filme, ele encarna um jornalista alcóolatra e canastrão, daquele tipo que, quanto mais miséria faz, mais carismático fica.

O esquema de investigação lembra tanto filmes policiais clássicos (a descrição minima e elegante dos irritantes passos da ivestigação lembra a peregrinação de Jack Nicholson em Chinatown), quanto novos (a construção dos policiais burros e de certos tipos americanos, além do humor, lembra o trabalho dos irmãos Coen). No território do jornal, a referência obrigatória (óbvia até), é a Todos os Homens do Presidente. Zodíaco, porém, parece ir além na reconstrução do ambiente da redação, que ganha um aspecto mais humano e realista, em contraposição à atmosfera pesada de Todos os Homens... (também não era pra menos: o filme fala de Watergate e tem Robert Redford no elenco).

A trilha sonora e o climão 60-70 são, para mim, as melhores coisas do filme. Fincher e Shire ganham meu coração ao misturarem Three Dog Night, Santana, Eric Burdon and The Animals, Gaye, Coltrane e Davis numa mesma película.

2007-06-15T01:36:00.000-03:00

"A partir deste mês O CRONISTA passa a circular em Salvador, com o objetivo de fazer um jornalismo alternativo, analítico, leve e, na medida do possível, bem humorado.
(...)

"O jornal O CRONISTA é distribuído gratuitamente nas unidades da UFBA, cinemas da Sala de Arte, teatros, institutos culturais, locadoras de DVD, lojas de CD, cafés e restaurantes."

Tá, e qual é meu interesse divulgando isso?, vocês podem perguntar.

Eu respondo: é que eu estou escrevendo sobre os lançamentos de DVD nesse mesmo jornal. Tem site também: http://www.ocronista.net/

É isso!

Davi

2007-05-15T13:13:00.000-03:00

Ó Paí, Ó

(Monique Gardenberg, 2007, Brasil)

por Ele

Dentre os efeitos que um filme produz, um dos mais importantes é o do reconhecimento. Mas ele não é o único. A identificação com os personagens é o que nos comove a cada revés negativo ou positivo que ele passa. Se ele perde, perdemos também. Se vence, vencemos com ele. O estabelecimento do protagonista é conseqüência lógica do fato de que cada espectador só pode assumir uma única instância do olhar. Ó Pai, Ó, embora falhe na identificação, funciona às mil maravilhas no reconhecimento. É um fenômeno. Uma amiga me contou: viu o filme no tabuleiro de uma baiana. A identificação com o público de Salvador é digna de nota. De fato, a esculhambação sadia e muito baiana que se vê ali não havia ainda encontrado representação fidedigna em nosso cinema recente. Estão lá o vocabulário, o sotaque e, especialmente, o jeito nonsense de ser que conhecemos das ruas, do carnaval, do teatro.

O humor segue o padrão dos esquetes, apoiado no elenco competente, e em situações construídas com escracho incomum no cinema brasileiro atual. O excesso de personagens é evidente. A progressão dramática é falha ou inexiste, e no final tudo se resolve com belas imagens de carnaval. Predomina a estética publicitária, apoiada na construção estereotipada do roteiro (mas que, de tão exagerada, entra no território da fantasia, evitando também a condenação fácil). Há pouco para se falar dos planos, pois o filme tem montagem televisiva, descartável e irrelevante.

No final, quando o fato trágico se acompanha da música que surge de sopetão, com jeito brega e apelativo, fica clara a influência teatral, não só na atuação, mas também em termos de construção de clímax. Aquela música que toma de assalto e dá o tom do melodrama tem muito de teatro baiano mesmo, e não necessariamente do que ele tem de melhor: o drama social soa, por isso, ultrapassado, carecendo de verdade (mesmo que seja o fato uma realidade, ele não a encontra dentro do filme).

O efeito final tem sido positivo, ao menos na capital baiana. O público de Salvador, embalado por uma nostalgia irresistível, sai das salas de cinema satisfeito. Sinal não tanto da competência do filme, mas de uma carência geral de representatividade. Por isso, duvido que a reação tenha se reproduzido em outros estados brasileiro.

Ao elenco do Bando de Teatro Olodum, no entanto, fica o mérito de recriar com eficiência os arquétipos da vida baiana, dando-lhes forma e representação para futura referência. Me pergunto o que poderia acontecer se o filme tivesse também uma boa história. O texto original, de peça do Bando de Teatro Olodum, fazia um questionamento pungente à política de restauração do Pelourinho, quando famílias foram coagidas a abandonar seus lares por indenizações irrisórias. Uma oportunidade, entre tantas que se perdem no roteiro de Monique Gardenberg.

ps: para apresentar um contraponto, deixo com vocês o link do comentário emocionado (e a meu ver exagerado...) de Arnaldo Jabor sobre o filme. Ouça aqui.

ps2: o comentário de André Setaro merece também ser lido. Como sempre, uma lição de crítica e conhecimento cinematográfico. Leia clicando aqui.

Carta ao Leitor

2007-05-12T18:38:00.000-03:00

por Ele

Os manuais de blogagem dizem que é bom estabelecer o texto como um diálogo com o leitor. O Ele, Ela surgiu como uma oportunidade de agrupar interesses e abordagens em torno do cinema. Nos preocupamos em oferecer uma visão que reflita a informações que adquirimos nos filmes que vimos, textos que lemos e trabalhos que realizamos (na aba esquerda do blog estão listados os nossos vídeos disponíveis na rede).

Que temos poucos leitores é um fato incontestável, como o é para a maioria dos blogs. Hoje em dia, a internet é uma babel de conteúdo de mídia. Músicas, vídeos curtos, filmes, animações e textos disputam a nossa atenção de forma desigual. Sobra pouco tempo para leituras mais longas (e este é um paradoxo do qual eu faço parte), como tem sido a praxe desse espaço. Até tentamos diminuir nossos textos, mas esbarramos quase sempre no impulso crônico de abrir frentes de batalha com calhamaços revoltosos. Por esse motivo, talvez, recebemos um número relativamente grande de respostas contrárias (o que é bom), azedas (o que não chega a incomodar) e pessoalmente ofensivas (que realmente incomodam).

Não tenho o costume de eufemizar meus pensamentos. Parto do pressuposto de que, antes das mesuras, deve existir um entendimento prévio de que toda opinião é tão válida quanto contestável. Pelo simples fato de que todo ser humano erra, eu evito fazer textos que contenham pedidos de desculpa ou admoestações veladas. O que eu tenho para dizer, procuro simplesmente dizer, sem meias verdades que tornem minhas opiniões mais simpáticas. Admiro a dedução curta, que se presta à oposição franca e elimina de seu escopo todo embelezamento desnecessário. É justamente por entender que tudo é questionável que eu não sinto necessidade de enfatizar a natureza efêmera de toda e qualquer opinião que eu expresso.

Não advogo que a crítica deva ser sempre construtiva, no sentido que se usa atualmente. A crítica, muitas vezes, deve ter sim o propósito de destruir, no sentido de demolir concepções recalcadas, posturas equivocadas ou falta de informação. Eu, certamente, tenho minha quota de cada um desses defeitos.

Não tenho nenhum problema em receber (ou fazer) críticas a este tipo de conteúdo. Mesmo que incomode, esse é um incômodo necessário e saudável, que nos incita a auto-crítica. O que incomoda mesmo é quando o comentário vem junto à tentativa de ofender ou desestabilizar o interlocutor. Esse tipo de comentário revela mais sobre o comentarista que sobre o texto comentado. Com muita facilidade, tentam nos enquadrar em parâmetros de comportamento dos quais não compartilhamos. Como diria aquele personagem do Zorra Total: “não esperou eu molhar o bico!”.

Sentimos que há uma percepção de que nós representamos alguma corrente ou grupo de opinião, como se fizéssemos parte da mídia jornalística profissional. Não se trata disso. Existem muitos temas sobre os quais não escrevemos porquê não queremos, por um lado, ou porquê não temos bagagem suficiente, por outro. Só isso já impossibilitaria uma abordagem jornalística, cuja função é antes de tudo informar, a despeito de nossas preferências. Blogs são espaços pessoais, e não ganhamos um centavo para escrever neles. Escrevemos apenas sobre o que conhecemos, e não somente sobre o que gostamos. Não temos bola de cristal, e nem representamos uma escola de pensamento qualquer. Somos apenas dois amantes do cinema que vêem filmes, fazem filmes e escrevem sobre filmes. Porquê nos dá prazer. Ofensas pessoais não fazem parte do escopo cinematográfico. Dito isso, fica o convite para que você, que está lendo, comente, discorde ou critique nossos textos. Não tenho nenhum problema em admitir que estou errado quando me apresentam argumentos para tanto. Mas não esperem que eu peça desculpas por minhas opiniões.

É isso!

2007-04-26T12:39:00.000-03:00

Scoop (Scoop, o Grande Furo. Woody Allen, Inglaterra, 2006)

Sondra Pransky (Scarlett Johansson) vai ao show de mágica de Sidney Waterman (Woody Allen), que a chama ao palco. Sondra entra em uma caixa mas, enquanto o truque acontece, surge para ela o espírito do repórter Joe Strombel (Ian McShane), que lhe oferece um grande furo.
(sinopse adaptada do Adorocinema):

Gostamos de Woody Allen. É desconfortável ver o mestre do timming metido nessa comédia xoxa. De mulherengo, Woody passou a pai, avô. Uma figura doce, mas não muito engraçada. A ironia fina se perde, seja no texto mal trabalhado (algo impensável para um filme dele), seja na história, cujo tom farsesco não convence.

Tanto carinho temos pelo diretor, que é quase como se falássemos de alguém da família. Woody é aquele tio solteirão que traz balas de coco e conta piadas de judeus no almoço de domingo. Se viesse aqui em casa, pelo bem dele eu diria: "Tio, esse negócio de cinema não dá mais. Compra uma casa no litoral, vai ensinar... ou então, tio, porquê você não pede praquele cara, aquele que já te imitou tanto, escrever umas linhas pra você? É, ele mesmo... aquele tal de Jerry Seinfeld!"

Talvez o problema seja a falta de Nova York. Difícil dizer. O bem sucedido Match Point foi uma exceção à regra: era uma história fechada (Crime e Castigo revisitado). Bem ou mal, Scoop documenta melhor o momento do diretor.

ps: Scarlett Johansson se estabelece, neste filme, como a nova musa de Woody. Está linda, e de uma forma muito particular: uma beleza humana, natural, sem traço de pompa Hollywoodiana. Bem no estilo dele (vide a descontração graciosa de Diane Keaton, sua ex-mulher e atriz principal em Annie Hall e outros).

2007-04-24T14:21:00.000-03:00

Mr. Bean's Holiday, Steve Bendelack, Reino Unido, 2007.

Numa tarde chuvosa na Inglaterra, Mr. Bean (Rowan Atkinson) ganha o 1º prêmio em uma rifa local: uma filmadora nova, 200 euros e uma semana de férias no sul da França. O período de sua viagem coincide com a realização do Festival de Cannes, um dos mais famosos festivais de cinema do mundo
(sinopse adaptada do Adorocinema)

Mr. Bean - Eu ri.

por Ela e Ele

Está difícil rir no cinema. Digo rir aquela risada solta, espontânea, de uma piada inteligente ou uma gag bem feita. Em meio a desastres ecológicos e filmes sobre relações humanas complexas, efeitos especiais, bichinhos estranhos e adaptações de HQ, buscamos um pouco de lirismo e não encontramos. Ultimamente, o velho Wood anda meio Hitchcockiano, nem vale a pena apelar. Apostamos nossas fichas em Mr. Bean, aquele mesmo que de vez em quando nos arranca uma gargalhada no sábado à tarde, nessas infinitas reprises da Bandeirantes.

Se uma ou outra piada funciona, o ritmo de esquete de Mr. Bean não se adapta facilmente a uma história de duas horas. A narrativa, e suas necessidades, tensiona o jeitão livre e desprendido das historietas do personagem. Além do mais, Mr. Bean já é um personagem um tanto desgastado, e as mesmas piadas não podem ser usadas indefinidamente. A cena do restaurante, por exemplo, é quase idêntica (e muito menos eficiente), a um quadro já exibido (e reprisado) na TV, que tem o mesmo cenário e esquema. O próprio Rowan Atkinson parece cansado, e consciente da posição perigosa em que está – prestes a virar uma nada engraçada paródia de si mesmo.

O esforço, no entanto, é genuíno, e alguns momentos conseguem, sim, provocar o riso (como quando Mr. Bean, disfarçado de freira, dubla ópera numa feira pra ganhar alguns trocados). Mas, neste como em outros momentos, o balão desinfla e o ritmo cai bruscamente. O adjetivo irregular, por mais clichê que seja, se encaixa ao filme como uma luva.

Gracias! Gracias!

Agora, por incrível que pareça, o filme tem alguns achados memoráveis, que passaram (e certamente continuarão) despercebidos pela crítica, que muito naturalmente fechou suas abordagens no sucesso ou não do personagem principal em sua segunda aventura na tela grande. É que, paralelamente à comédia de erros do nosso querido Bean, e se distanciando mesmo de grande parte da história, existe ali uma discussão e uma crítica do cinema, muito aguda e inteligente. É o que se vê no personagem de Willem Dafoe: um famoso diretor que vai a Cannes exibir o seu novo "filme cabeção". Pois o tal filme cabeção, por si só, é uma antologia memorável de tiques e exibicionismos pseudo-cults usados por muitos "autores" do cinema, em especial o uso do voz-off-cabeção e a fotografia carregada. As imagens da platéia pegando no sono são impagáveis, têm gosto de desforra.

O final, de tão sensacional, quase apaga a história mamão-com-açúcar e as trapalhadas pouco engraçados de um Mr. Bean em fim de carreira. Rowan Atkinson já avisou que este é seu último trabalho com o personagem. O cara é inteligente. Agora, nos cabe acompanhar a carreira promissora do diretor Steve Bendelack, o mais novo ilustre desconhecido do cinema, que em seus momentos de brilhantismo lembra o potencial crítico de um A Doce Vida, e, em outros, a verve humorística de um Jacques Tati. Palmas para ele.

Cartola, Lírio Ferreira e Hilton Lacerda, Brasil, 2007.

Cartola, Rio de Janeiro e o amor.

Por Ela

Alguns amigos me perguntam se gostei do documentário e eu digo que sim. Os poucos que conhecem meu gosto cinematográfico desconfiam que ele caiu nas minhas graças facilmente. Uma obra sobre uma figura nacional, cheia de música e momentos poéticos ─ forma e conteúdo indissociáveis, como as obras de Angenor. Me rendi. Preciso admitir não ser tão entendedora da obra de Cartola (um sucesso aqui, um cd na casa da sogra alí, uma interpretação mais emocionada de Nei e Cazuza acolá), ao contrário do público de músicos e estudiosos que me fizeram desagradável companhia na sessão das 16h no Cinema do Museu (sim, eles cantaram e falaram durante toda exibição). A falta de um contato profundo com a história e a filmografia de Cartola não me permitem afirmar que o filme dá conta de toda sua importância para a música brasileira, muito embora saibamos que todo filme é um recorte, um olhar sobre um tema. Lírio Ferreira e Hilton Lacerda foram felizes em suas escolhas. Selecionaram depoimentos e interpretações fabulosas. As imagens de arquivo são preciosíssimas, bem como os inserts ficcionais da figura muito bonita de um garoto, que representa a infância de Cartola no Rio de Janeiro de décadas passadas.

Cartola, sujeito principal do filme, se mistura com a história da Mangueira, do Rio de Janeiro e do samba no Brasil. Se confundem por conta do excesso de característica semelhantes: a sofisticação, a elegância, a beleza, a força e a originalidade. A semelhança também está nos pontos negativos: momentos de decadência, o desastre do descaso e do desconhecimento.

Os depoimentos sobre Cartola ajudam a resgatar a bela história do Rio de Janeiro em sua época mais gloriosa ─ um tempo de boemia e efervescência cultural. Do auge das Escolas de Samba e, por que não, da própria Música Popular Brasileira (questão de gosto pessoal). Além da homenagem ao mestre, o documentário também eterniza o passado glorioso do próprio Rio de Janeiro, ativando de forma fulminante a identificação e o orgulho para com nossos compositores.

O filme revela muito sobre a história de Cartola. Estão lá a infância, a adolescência conturbada, o caso com a Mangueira, os momentos de altos e baixos artísticos e sua inspiradora história de amor com Dona Zica. O que parece continuar desconhecido, no entanto, são as informações com relação a sua real história de amor com a música, com o samba. Uma excursão pelo seu denso e poderoso universo criativo. Por vezes misteriosa, a figura de Cartola aparecia em tela grande. Ele cantava, falava, mas seu olhar melancólico parecia carregar um segredo que foi com ele para o outro mundo. Um segredo que pode ser percebido em suas músicas, que emocionam e comovem. Uma comoção dolorosa, que nos mantém em contato com um lado do amor e do amar nem um pouco saudáveis. Não tem explicação.

2007-04-20T11:56:00.000-03:00

Na cidade de Ipiaú, sul da Bahia, a rezadeira Valdelice Silva dos Santos, mais conhecida como Dona Nena, realiza anualmente no dia 04 de dezembro um caruru em homenagem à Santa Bárbara. Um evento típico do Candomblé, o que caracteriza o sincretismo religioso entre a religião anterior e a Católica. Sejam bem-vindos ao Caruru da Dona Nena.

DIA 24/04/2007 TERÇA-FEIRA, NO RESTAURANTE EXTUDO, RIO VERMELHO, A PARTIR DAS 20:00 H

Realização: Vai Caí Produções
Direção: Edson Bastos
Produção: Edson Bastos
Ass. Produção: Selma Oliveira
Edição: Edson Bastos
Finalização: Íris de Oliveira
Gênero: Documentário
Cor: Colorido Duração: 24’
Apoio: CCOL - Comércio de Cacau Oliveira Ltda

2007-04-13T10:36:00.000-03:00

182ª edição do programa TV FTC - VIDEOTECA FTC - PEGADAS
Neste Programa, a TV FTC mostra os vídeos PEGADAS e UM MILHÃO DE PEQUENOS RAIOS.

PEGADAS, vídeo curta-metragem de ficção. Fala de um homem que, isolado em seu apartamento e envolvido em sua criação, se vê em contato forçado com as lembranças de seu passado com o pai. Trabalho de Conclusão de Curso de Davi Ramos e Luana Mellado.

Vai ao ar: 15.04.07(domingo) às 18h
Horários alternativos: quarta-feira (18.04) às 19h e sábado (21.04) às 22h40
TV Salvador - canal 28 UHF / 36 NET

ESPECIAL - FESTIVAL INTERNACIONAL DE DOCUMENTÁRIOS - É TUDO VERDADE / 2007

2007-04-06T18:28:00.000-03:00

As vezes sinto que, muito mais que a ficção, filmes documentários mexem comigo. É como se um punhado de mundo fosse lançado em doses generosas dentro de minha cabeça, dentro de meu corpo. A sensação é de “gravidez do mundo”. Um mundo intenso, que serve de tema para os filmes, trabalhando em três tempos: passado (quando resgata a memória de lugares e pessoas), presente (quando acompanha, em tempo real, como em um jornalismo sofisticado, o desenvolvimento do cotidiano), e futuro (quando nos alerta sobre o que virá através da denúncia dos nossos erros e acertos).

Percebo também outras duas categorias, que classifico simplesmente como “a do geral” e a “do particular”, sendo esta última muito presente no citado Festival, revelando tendência e formato. As lentes das câmeras se voltam para os micros universos, para umbigos não menos interessantes (e algumas vezes até mais) que o universo das massas, da generalização, dos grandes fatos históricos. Aquela velha idéia de falar do pão para chegar na padaria. E então eu assisto filmes sobre dramas pessoais, poesia do cotidiano de comunidades, histórias de heróis anônimos. Tudo tão fascinante quanto a poderosa ficção. Boa parte dos documentários assistidos traziam mensagens complexas, necessárias e “necessariamente complexas”. Como fábulas, desempenharam seus papéis, deixando-nos sorumbáticos, pensativos e catatônicos até a próxima sessão. mais voltar

Ela

Comentários sobre os filmes assistidos
Por Ele

Capistrano no quilo (premiado na categoria melhor documentário curta-metragem nacional)
Firmino Holanda/ Brasil - CE / Brazil – CE / 21', cor, 35mm, 2006

Não é novidade que muitos festivais brasileiros privilegiam a intenção em detrimento da realização. Roteiro, enquadramento e som são meros detalhes, na opinião de muitos jurados. Conta mais o envoltório cultural, que instantaneamente reveste ou não o produto de validade, independente de sua competência. Apenas sob esse contexto se justifica a premiação deste vídeo, de um amadorismo gritante. A montagem tosca, o texto televisivo, o uso colegial de artimanhas teatrais que se perdem no discurso: tudo isso passa despercebido para os jurados. A premiação denota uma condescendência que não serve para ninguém. O realizador regionalista Firmino Holanda recebe um estímulo precoce e indevido, com o título de obra máxima sendo conferido a um trabalho que, muito embora louváveis prerrogativas, produz efeitos questionáveis. Pior: para o público do festival, a decisão do júri deixa a impressão de que a obra máxima do documentário nordestino está no nível primitivo de um Capistrano no quilo, algo muito longe da verdade.mais voltar

O Homem da Árvore (prêmio Canal Brasil, de documentário curta-metragem nacional)
Paula Mercedes /Brasil - SP /19', cor, Mini-DV, 2006

O prêmio é conferido pelo Canal Brasil, um dos patrocinadores do festival. O curta apresenta um bom trabalho de câmera e montagem. No entanto, quando se fala de documentário, questões éticas ganham relevo natural. O aproveitamento, para efeito de humor ou crítica, da atitude de pessoas claramente desviadas do bom senso, se tornou um clichê fácil. A crítica se esvazia diante da situação cômica, e ao final temos um trabalho consistente, porém questionável. É difícil definir o limite entre o próximo que revela o todo e o simples voyeurismo, que provoca riso e empatia ao modo das pegadinhas.

Elevado 3.5 (premiado como melhor documentário longa nacional)
João Sodré, Maíra Bühler, Paulo Pastorelo / Brasil – SP / 75', cor, Beta digital, 2006

A comparação com Edifício Master é óbvia. O filme de Coutinho captura as pessoas em uma abordagem padronizada, mecânica, fria, insensível. Sem muitas preocupações, o diretor carioca deixa o tragicômico correr solto, tratando os personagens como objetos inconscientes, para alcançar o seu fim estético. Já Elevado 3.5 trata as pessoas com conveniente circunspecção e respeito, selecionando seus momentos de força, buscando finalizar os depoimentos em tom positivo. Não existem os momentos da produção, para criar a falsa sensação de realismo, como faz Coutinho. Neste filme, a câmera bem trabalhada captura uma urbanidade belíssima, em alguns momentos, e convencional, em outros. Acima do cinema-direto está a narrativa. Os fios de meada são conduzidos com sensibilidade, sem, no entanto, abordar o tema proposto. Óbvio que é impossível fazer um filme sobre o Minhocão em si – um filme é sempre sobre pessoas. Neste sentido, o mote, assim como em Edifício Master, é passível de crítica. A relação entre os personagens e o tema que os une (o Elevado) é meramente geográfica, e não temática ou conceitual. Apenas o acaso parece uni-los em torno daquele lugar. Sem pontos comuns que relacionem aquelas pessoas em um contexto social, a própria idéia do filme parece mais um pretexto para unir alguns depoimentos interessantes e engraçados. A coesão trabalho se articula fragilmente em uma liberdade poética e metafórica. O filme agrada à primeira vista, mas não se sustenta diante de uma olhar mais atento. Ainda que bonitinho, seu maior pecado é a irrelevância.mais voltar

Comentários sobre os filmes assistidos
Por Ela

O Homem da Árvore
Paula Mercedes /Brasil - SP /19', cor, Mini-DV, 2006

Mais que a exposição da curiosa vida do homem que mora numa árvore em frente ao palácio da república, em Brasília, o curta de Paula Mercedes constrói uma metáfora da situação do povo brasileiro ignorado, perplexo e desencantado com a política nacional. A ironia da situação se torna, por vezes, engraçada. Mas o riso se desfaz quando percebemos que é real, que faz sentido. Montagem e trilha tornam o material ainda mais especial.

Caroneiros
Martina Rupp / 52'/ BRA

Triste surpresa logo no primeiro dia de festival. Além de ser só mais um filme de viagem, os realizadores quiseram justamente evidenciar isso de todas as formas, abusando da metalinguagem, virando a câmera pra si (não que essa atitude fosse o maior problema, meu questionamento é sobre a forma como se fez isso, a estranheza sobre o propósito, que a meu ver se esvazia e deixa para traz o grande mote do projeto: dar voz a uma américa latina catada pelo meio da estrada. O resultado é um discurso batido, repetitivo e volumoso, evidenciando o desconhecimento dos povos latinos, não só sobre seu continente e o mundo. Um blá-blá-blá sobre os efeitos da globalização, tão denso quanto aula de geografia crítica em resumão de vestibular.mais voltar

Porto Alegre de Quintana
Fabiano de Souza e Gilson Vargas / 26min/ BRA

Interessante versão do documentário poético, Porto Alegre de Quintana é a Porto Alegre de Fábio de Souza e de Gilson Vages (diretores do filme), que, corajosamente, se embrenham na poesia para apresentar não só a cidade, mas um contato com a obras de Mário. Missão bem sucedida, ótimas opções estéticas.

Um Bom Negócio
Eduardo Duwe / 5min / BRA

Rápido e caceteiro. Parece um trecho de Globo Repórter (na época em que aquilo era bom).

Hibakusha/ Herdeiros atômicos no Brasil
Mauricio Kinoshita / 16min/ BRA

Sempre complicado falar sobre esse tema. A abordagem fechada nos sobreviventes cria um elo inevitável com o espectador (ainda mais quando os sobreviventes estão sentados na cadeira ao seu lado). Trabalho interessante, mas um tanto convencional.

Logo Existo
Graça Castanheira / 60min/ Portugal

Uma boa surpresa vinda de Portugal. Apesar de longo e prolixo, o filme constrói um intrigante painel sobre o entendimento da mente humana e questões existenciais derivadas. Explorando com inteligência e bons depoimentos os conceitos envolta da famosa máxima de Descartes, o documentário nos oferece um precioso e instigante caminho pela complexidade humana. Histórias de vida e reconquista, persistência e transformação. Ciência e milagre dialogando em harmonia.mais voltar

O Engenho de Zé Lins
Vladimir Carvalho/ 80min / BRA

Um dos melhores documentários brasileiros que já assisti. Um filme fabuloso, sobre um escritor fabuloso, O Engenho... revela a figura complexa e intensa do escritor José Lins do Rego. Vladimir Carvalho ilumina o cenário do documentário nacional, proporcionando o encontro do espectador com o que há de mais fino na literatura brasileira. Uma experiência que nos impulsiona a (re)ler os clássicos esquecidos na prateleira. O depoimento de Suassuna é impagável.

Para Sempre (Forever)
Heddy Honigmann/95min/ Holanda

Um belo ensaio sobre morte e eternidade. Gostaria muito que tivesse sido premiado.

O Desafio de Zezão
Patricia Cornils / 13min / BRA

A seqüência do passeio pelo esgoto de São Paulo é extremamente cansativa. O mérito do projeto é o efeito surpresa, que implica em reflexão sobre a arte.

Manufacturing Dissent - Uncovering Michael Moore
(Fabricando Polêmica - Desmascarando Michael Moore)
Debbie Melnyk, Rick Caine /77 min/ CANADÁ

Um documentário sobre Michael Moore, contra Michael Moore, e que poderia ter sido dirigido pelo próprio.

Lutzenberger: For Ever Gaia
Frank Coe, Otto Guerra / 52 min/ BRA

A interessante figura do estudioso e ambientalista se perde na salada (indigesta) do diretor, que mistura linguagens em um projeto didático e televisivo.mais voltar

Esquecido Retrato Interior
Vakhtang Kuntsev-Gabashvili / 20 min / Geórgia

Questiono-me a cada instante acerca de filmes sobre pessoas com distúrbios mentais.

Nova Babilônia de Constant
Victor Nieuwenhuijs, Maartje Seyferth / Holanda

Cansativo, sem graça, experimental demais pro meu gosto.

Noite Mágica
Jouni Hiltunen (Finlândia / Finland, 2006)

Disputa o prêmio “sono eterno” com Nova Babilônia.

Neve Avermelhada
Tamara Taddeo (Canadá / Canada, 2006)

Um lindo sonho filmado. Tamara nos oferece suas lembranças como um precioso presente. Um dos mais lindos curtas do festival.

Meus Olhos (My Eyes)
Erlend E. Mo (Dinamarca / Denmark, 2006)

Mais um da série delicado-poético-ao-som-de-música-clássica. É interessante perceber como o poder transformador das obras de Bach e Haendel se manifestam mesmo em trabalhos menos inspirados.

Acampamento de Jesus (Jesus Camp)
Heidi Ewing, Rachel Grady (EUA / USA, 2006)

Integrante da mostra especial Hors Concours , um dos filmes mais polêmicos e interessantes do festival. Se encaixa no gênero “descontruindo os EUA”, o que pra mim é muito bom!mais voltar

Fotografias (Photographs)
Andrés Di Tella/ 2007 / Argentina

Tenho grande simpatia por filmes argentinos. Sempre me agradam com belas surpresas. O documentário de Andrés Di Tella poderia estar entre os premiados. Sua jornada, e os personagens que encontramos, são cativantes. O filme apresenta pontos de ataque e questionamento, o que para mim caracteriza um bom documentário. Sensação que a história se perde nas mãos do próprio realizador, transformando o processo em algo inusitado e espontâneo. voltar tudo

2007-03-20T13:33:00.000-03:00

Tempo sem postar...

Por Ela

Pois é pessoal, como podem perceber, o blog anda meio abandonado e nós, claro, não estamos muito felizes com isso. Depois que ano começou em Salvador (obviamente depois do Carnaval), as coisas parecem que entraram nos eixos pra gente também. A palavra é trabalho! E o tempo fica curto, o cansaço bate e as horas no computador são aproveitadas para ler uns recadinhos no orkut e responder e-mails. Escrever que é bom NADA. Ficamos lendo as resenhas e textos dos nossos amigos blogueiros e logo em seguida soltamos aquele suspiro acompanhado de frases auto-penitentes: "Huuuumpf! Precisamos ver mais filmes, os filmes que estão em cartaz!" ou "Me sinto um ET conversando com meus amigos sobre cinema", "Precisamos terminar a filmografia de não sei quem", "Não, não, não, ainda não vimos". O ó do borogodó pra quem se diz amante de cinema.

Uganda!!! O Oscar é meu!!

Nunca pensei que diria isso, mas é fato que, com o fim da faculdade, demos uma relaxada nos estudos e sentimos saudades das boas e velhas resenhas obrigatórias de cada semana, das análises fílmicas, das pesquisas infindáveis. É fato que estamos suprindo essa "carência do olhar" baixando filmes na internet (essa mesma que me distrai por bons momentos, mantendo-me longe da escrita. Estamos usando a maldita à nosso favor). E foi assim que assistimos ao cruel e divertido (sim, essas qualidades estão juntas) Borat , o abestalhado mas bonito (essa é uma opinião minha) Dália Negra , três temporadas de House (é preciso prestar mais atenção ao universo dos seriados americanos), e, por último, O Último Rei da Escócia, um filme interessante que não me agradou completamente por conta do longo tempo dedicado à trama do jovem escocês. O filme é muito "Ele" e, como "Ele", ficamos distantes dos verdadeiros fatos, perto de um Idi Amin quase "Hitleriano". Não à toa, me lembrou muito "A Queda". Depois do filme, fiz uma pesquisa sobre o cara real, uma figura extremamente complexa e sequelada. O Whitaker dá um show de atuação, fico pensando o que ele faria com mais tempo na trama.

The Love dogs e The Puppini Sisters

O tempo longe do cinema de alguma forma também no aproxima de outras coisas. Música por exemplo! Mas não tem pra onde correr. Os últimos CDs ouvidos soam como trilhas sonoras para nossos "filmes devaneios". A fonte, claro, vem do incrível site Big Bad Music, linkado em nossos favoritos no canto do blog.

A postos!

Bem, Davi entrou em "processo de set" e certamente não terá vida social esta semana. Está trabalhando como continuísta do filme de nosso colega César (do blog O espelho), contemplado com o edital do Braskem desse ano. A produção da TV Unifacs (meu trabáio) também já começou e eu estou envolvida no Projeto "A postos", uma empreitada ousada que consiste numa mini-série de ficção sobre mulheres que trabalham num posto de gasolina. Uma produção local, de baixo custo mas com uma galera da pesada ( amigos, claro!).

Semana passada tivemos a satisfação de assistir a pré-estréia do Documentário "Os Negativos" de Ángel Díez, que ganhou o edital do Doc Tv. O filme é uma longo depoimento da fotógrafa e editora Arlete Soares sobre as suas vivências com o etnólogo e fotógrafo Pierre Verger, morto em 1996, aos 93 anos. Apesar do interesse pelo tema e figura de Veger, tenho que dizer que o filme não me conquistou. O depoimento de Arlete em algumas horas envolvente e curioso, desenvolvido no decorrer do doc, revelava fatos interessantes sobre a figura de Verger através do discurso de uma pessoa muito ligada a ele. Esse discurso, do meio para o final, deu lugar às histórias um tanto inconvenientes sobre suas relações de trabalho com Verger.

Malas e Cuias prontas.

Já que estamos falando de documentário, vamos conferir o Festival Internacional de Documentários "É tudo Verdade", com a missão de fazer uma min-cobertura dos filmes assistidos e, claro, trocar figurinhas com o povo de lá.

Abraços e Beijos para todos!

Ela & Ele.

2007-02-23T14:36:00.000-03:00

Paraíso

"Platéia de débeis mentais", texto do mestre Setaro publicado em seu blog, acerta na mosca ao falar do processo de deseducação das platéias de cinema. A galhofa da qual ele reclama não é simples reflexo da entrada dos multiplexes nos shoppings e do fim dos cinemas de bairro, mas sinal de deseducação mental. Não sei como é no resto Brasil, mas, ao menos em Salvador, as pessoas parecem ter desaprendido a ver, entender e curtir cinema. Estão mais ansiosos por impressionar suas contrapartes e colegas de farofada. Nada contra o galanteio em uma de suas mais clássicas versões. É até pensando no sucesso das investidas que não vejo sentido na conversaria, que joga para escanteio o encanto das carícias ocultas pelo escurinho do cinema.

O buraco é mais embaixo, porém. O que falar das pessoas que riem nos momentos mais escabrosos, quando o personagem se ferra de mil formas? Ou então daqueles que, entediados mesmo diante das narrativas mais elucubrantes, conversam como se estivessem na sala de suas casas? Mais que falta de educação, o que impressiona é a ausência de sensibilidade diante de uma obra de arte. Assim como há quem perde a audição ou o paladar, há pessoas que têm um sentido de apreciação amortecido. Vão ao cinema sem alma. Numa situação normal, que atrativo poderia ter qualquer conversa diante da imagem em si, em sua beleza imanente, materialização de imaginários visuais que nos movimenta e nos faz mais humanos? O alimento pode ser consumido a qualquer momento. Os amigos terão outras chances de nos ouvir, bem como haverá melhores oportunidades para impressionar a paquera. Mas aquele filme nunca se repetirá para nós impunemente. A imagem perderá seu frescor, terá o peso da coisa reprisada.

A TV é a cultura audiovisual do brasileiro. Recentemente, o DVD teve um estouro. Mas basta observar um pouco para perceber que, em sua maioria, os aparelhos instalados se prestam mesmo à exibição de DVDs musicais (quase sempre piratas) de artistas de axé music e afins. Quando muito, se assiste a novelas. Séries de TV, na melhor das hipóteses. Filme é um negócio demodê, lento, ultrapassado. Mesmo assim, eles tentam. Se vêem uma comédia, as risadas devem ser instantâneas. A construção lenta e poderosa, cujo ápice é impresso aos poucos na mente do espectador, perdeu seu valor – o cinema deve ser fast-food. O erotismo foi engolido pelo pornô — a onda agora é a seleção de cenas, para ir direto ao ponto. Os filmes de ação têm cada vez mais ação do começo ao fim, para não cansar. É uma geração hiperativa. A busca pelo clímax a todo instante leva, a longo prazo, à ausência de todo e qualquer prazer. Sofrem de anestesia estética. Por isso as conversas, a distração, a galhofa. É o desespero.

Histórias do Carnaval

2007-02-17T19:55:00.000-03:00

Por Ela

Eu gosto de Carnaval, não vou mentir. Não desse carnaval axé bá bá abestalhado, violento, caro, separatista. Nem das bundas turbinadas e “tretas” globais nos desfiles das escolas de samba, nem do excesso de pó de pirlim pim pim embalado pelas marchinhas recifenses. Eu gosto é da folia feliz, da vagabundagem, das letras dos sambas, do ritmo das baterias, das malícia das marchinhas, das fantasias, da maluquice.

No ano de 88 cheguei à Bahia. Guria, não entendia muita coisa. Deixei no Rio o Carnaval dos pierrôs, dos martelinhos, do lança perfume, do spray de espuma, dos gigantescos monstros coloridos (os carros alegóricos), para curtir o simpático Carnaval de bairro de Itapuã, com direito a fantasia de baiana, lantejoulas, estrelinhas e, claro, muitos passos de lambada e dança afro. Para mim e minhas amiguinhas, Carnaval era o máximo. Para nossos pais, uma tragédia. De tão preocupados, era impossível tomar suas cervejas em paz.. As famílias “desciam” em bandos. Na praça de Itapuã, na frente da Igreja, armava-se (até hoje se arma) um descarado parque de diversões e um palco para as “atrações” da noite. Nós (eu mais um grupo de 5 a 6 pivetas) sabíamos de cor todos os hits e coreografias. Era uma agunia de menino cantando aê aê.

No carnaval de 97, 98 , não lembro direito, aconteceu algo que mudaria para sempre minha concepção de Carnaval, meu gosto musical e futuros hábitos noturnos. Eu e minha comparsa Patrícia resolvemos caminhar um pouco além da pracinha de Itapuã e seguir um grupo de meninos engraçados, com camisas pretas de Nirvana e Raul Seixas. Eram xexelentos mas até bonitinhos. Na época, eu e Paty éramos doentes por Legião Urbana, e contávamos 14 pra 15 anos. Já não nos vestíamos de baiana, nem gostávamos tanto de Banda Mel.

O percurso nos levou até o coqueiral de Piatã. No local, um palco modesto, meio armengado. Em cima dele, uma mulher cantava (berrava), acompanhada por uma banda não menos esquisita. Eles tocavam um troço chamado “HC”. 99,9 % das pessoas vestiam preto. Parecia um grande velório, onde aqueles jovens enterravam o Carnaval do a lá lá ô. Fumaça de cigarro, ligantes, capetas, muitos skates, pessoas tatuadas, maquiadas, transtornadas, hippies, punks, góticos. Era a visão do inferno. Eu e Paty nos apaixonamos por tudo aquilo à primeira vista. O ambiente era meio “carregado”, mas se rendia à beleza do clima praieiro. Alguns shows começavam no pôr do sol. Jovens de todos os bairros de Salvador se encontravam naquele local. Meninos e meninas saiam de suas casas para curtir talvez o único show de rock que teriam durante o ano. O espaço era aberto e gratuito. Alguns até acampavam.

Durante uns três Carnavais eu e Paty enganávamos nossas mães. Num momento de vacilo, saíamos correndo de Itapuã até Piatã num tempo de 3 minutos e 48 segundos (cronometrado), só para ver o tal do “CarnaRock”. Depois, voltávamos esbaforidas, com as maiores caras de santa puta, dizendo que a fila do caldo de cana estava quilométrica.

Com o passar do tempo, e depois de muito sofrimento, convencemos nossas mães a nos deixar ir ao tal do evento. Na época, seu “Valera” tratou de fazer uma matéria esculhambado o palco do rock − realmente, uma “galera do mal” ia lá só pra arrumar confusão. “Valera” exibia pedaços de pau e spikes usados por um black metal abestalhado (nada contra black metal), que desceu a madeira em meio mundo de gente. Enquanto a matéria passava no jornal do meio-dia, tentávamos (eu e Paty) distrair nossas mães para que elas desviassem os olhos da TV. O local tinha uma péssima fama, e nem os policiais encarregados de fazer a segurança do local trabalhavam com muita “alegria”. Nossas mães não entendiam que porra nós fazíamos lá.

Era um momento de liberdade e descoberta − todas essas divertidíssimas babaquices da adolescência. Conhecemos uma pá de gente legal, e agora descíamos em bando! Nós, a nossa galera, com litros de vinho São Jorge, ligantes, capetas, Pirassunungas e algumas moedas para o hot-dog (na verdade, não bebíamos nem um terço da cachaça que levávamos: ou morríamos logo na areia, ou ficávamos curtindo as bandas). Nós, meninas malucas, com nossos toppers (nunca gostei muito de all star) e calças rasgadas, éramos escoltadas pelos nossos “brothers”, que nos protegiam das confusões e abriam a roda pra gente “ponguear” em paz. Era o auge de Raimundos, Planet Hemp, Stone Temple Pilots, Guns, Pearl Jam, Metallica, Sepultura, Pantera, Raul (vivo em nossos corações), Rage Against The Machine... Pitty ainda tocava na Inkoma e Ronei comandava a Saci Tric. Retro era Dead e Casca era Dr, se não me engano. Tinha ainda uma pá de banda que eu lembro o nome, mas não vou citar aqui pra não cometer a injustiça de deixar alguém de fora. Tudo muito tosco, muito complicado e, ao mesmo tempo, muito de fudê.

Os anos se passaram. O evento continuou, parou, eu e Paty paramos, continuamos, o palco mudou de local, foi pra cima do trio, desceu... a galera da ACCR sempre correndo pra parada sair. O tempo passou mais um bucadinho, eu comecei a ouvir umas tosqueiras indies (nada contra indies), e a freqüentar festas de rock durante todo ano, sem muita paciência para esperar o Carnaval, Raimundos e Planet acabaram, Paty casou.

Hoje, passando de buzu pelo local, vejo o palco armado. Estrutura melhor, mais organizado. Bateu a nostalgia, aquela sensação massa que tínhamos toda vez que chegava o carnaval. Como era legal ouvir (mesmo que tosquinho) Smells like, Alive e gritar Killing in The Name Of!!

Aquela Dança

2007-02-15T11:04:00.000-03:00

Imagens do show de Ronei Jorge e os Ladrões de Bicicleta.

Bom Carnaval pra todos!!!

ATUALIZANDO

2007-02-11T12:58:00.001-03:00

Bem pessoal, Carnaval tá chegando e junto com ele a possibilidade de ganharmos mais uns três graus de miopia, alguns quilos, dores de coluna e, claro, nos atualizarmos com o que há de mais novo no mundo cinematográfico (vamos ver um monte de coisa véia também). Ainda atolados com trabalhos e sem tempo pra escrever com freqüência no blog, postaremos dois comentários sobre ótimos filmes que conseguimos bafar pela internet e assistir na paz de nosso lar, sem a zuada típica dos filmes “oscarianos”. Postaremos também um videozim feito por Ela em um de seus momentos etílicos .

Abraços e Beijos.

Ele e Ela

Por Ele

Perfume, a história de um assassino

Dotando cada plano de caráter único, indisfarçavelmente construído sob a moldura e a inspiração do texto original, em Perfume, a história de um assassino, Tom Tykwer amplia o entendimento de montagem, buscando na obra original não uma desculpa para filme de época, mas uma decupagem de sentidos em forma literária que norteia todo seu projeto estético.

O filme é uma adaptação do clássico livro de Patrick Suskind. Não se trata de uma típica adaptação de storyline, como comumente é feito, quando a obra original serve apenas de base para uma narrativa que irá reduzir os personagens e seus dramas a estereótipos e gêneros maniqueístas. Cada fotograma corresponde não a uma palavra, não a um parágrafo, mas a um sentimento cuidadosamente captado nas descrições precisas do livro original.

Nota:
Ele - 8,5
Ela - 9,9

Little Miss Sunshine

Richard é um palestrante motivacional fracassado, que enfrenta o descrédito da esposa e a repulsa do filho Dwayne (Paul Dano), que nunca fala com ele. O avô (Alan Arkin) cativa com sua falta de pudor, quebrando a monotonia em um ambiente em que não existe comunicação. A pequena Olive, a Miss do título, é uma garota encantadora, que tem um sonho: ganhar o prêmio de Miss Raio de Sol, uma despropositada competição infantil no interior da Califórnia. O tio de Olive, Frank (Steve Carell é mais uma grande atuação), é um homossexual que acabou de tentar o suicídio. Quando ele chega à casa, se torna automaticamente um membro

Com este filme, a dupla de direção Jonathan Dayton e Valerie Faris estréia em longa-metragem, repetindo uma parceria que se iniciou em 1983, com o programa da MTV americana The Cutting Edge, que apresentava clipes do que viria a ser chamado o new wave e o alternative. Mais recentemente, já haviam dirigido juntos clipes de bandas conhecidas, como Offspring (“She’s Got Issues”) e Weezer (“Say It Ain't So"). A música tem grande importância neste filme, que poderia ser facilmente chamado de indie, seja por conta da trilha sonora, seja pela imagem clean, com paisagens bucólicas que encantam com melancolia. Ao final, temos um retrato irônico de uma américa cada vez mais estranha, até mesmo para os americanos.

Nota:
Ele - 8,0
Ela - 8,5

Por Ela

CINEMA ABSINTO ou “Quando você descobre a videoarte e começa a filmar um monte de maluquice (e acha massa)”

Trabalho de Faculdade realizado no começo de 2004. Um vídeo delírio resultado de saídas noturnas e algumas doses a mais de Absinto. O vídeo trata do tortuoso caminho do processo criativo. Equipe: Iris de Oliveira, Edson Bastos, Susana Ramalho e Valnei Nunes.

ESPAÇO PARA CURTAS

2007-01-30T14:51:00.000-03:00

O curta consegue unir o talento dos bons atores de teatro da Bahia à uma direção consistente e inventiva.

Inspirado livremente no conto "A Carteira", de Machado de Assis, o curta-metragem foca na breve saga de George, um homem simples , que vê sua moral abalada quando acha uma carteira cheia de dinheiro diante das dificuldades finaceiras que vão se acumulando.

Com a direção de Ian Fraser, conta no elenco com os atores Alexandre Luis Casali, Fernanda Beling e Daniel Oliva.

O QUE O DINHEIRO NÃO COMPRA

De um lado, um jovem diretor que se aventura em sua primeira direção, apresenta influências do cinema clássico norte-americano. Em especial, o modo como ele trata a personagem feminina é de uma beleza digna do star system. Uma pegada pessoal, o diferencia: o modo como lida com o lado prosaico da vida, a partir de uma sensibilidade corajosa que dá a importância às pequenas coisas. Muito embora seja possível vislumbrar problemas aqui e ali, o que conta neste Trabalho de Conclusão de Curso é, além do esforço bem sucedido de produção, o rigor estético que o guia, denotando um raro comprometimento com a matéria cinematográfica, alijando-se de preocupações temáticas extra-filme.

De outro o ator, temos o ator Alexandre Casali, que, junto com Lucio Tranchesi, se apresenta na premiada peçaa O sapato de meu tio, ganhadora de 6 premios na 13a edição do prêmio Braskem, no ano passado. O casamento deu certo. Casali cativa desde o primeiro instante, entra na história e na personagem, enquanto Fraser segue uma direçao moderada e extrai uma atuação contida e eficiente, que se presta muito bem ao drama interno que move a história.

A voz off, que poderia se tornar cansativa, nos conduz com precisão ao drama interno da personagem. A montagem, sintonizada com a fotografia, tem bons momentos de criatividade visual, o que denota um cuidado especial com todos os planos. Esta maturidade caminha lado a lado com o profissionalismo tão desejado no universo do audiovisual baiano. *O que o dinheiro não compra *é inspirado no conto "A Carteira", de Machado de Assis. Esta á uma produçao baiana praticamente independente, e que, mesmo tratando de temas universais como traição e valores morais, carrega um regionalismo espontâneo não só no sotaque dos diálogos (muito bem escritos), mas em uma energia muito própria de produção local. Esperamos que o curta tenha boa carreira nos festivais de 2007, servindo de incentivo para que os jovens diretores da Bahia continuem ousando, sim, mas com profissionalismo.

TRAILER

2007-01-23T19:05:00.000-03:00

Mais Estranho Que a Ficção (Stranger Than Fiction, Marc Foster, 2006)

por Ele

Sinopse: A tediosa vida do auditor fiscal Harold Crik é desnorteada por um evento dos mais estranhos: do nada, surge clara em sua mente a voz de uma escritora narrando cara detalhe de sua vida à medida em que ela vai acontecendo, e ele descobre que é de fato um dos personagens de seu novo livro, que ainda não terminou de ser escrito. Tudo o que acontece no livro, acontece com ele, e Harold Crik precisa tomar as rédeas de sua vida.

De todas as abordagens que se pode fazer de Mais Estranho Que a Ficção, a mais preguiçosa e menos interessante seria a de enquadra-lo no universo da comédia romântica, gênero ao qual o filme, ao contrário da propaganda, não pertence. Quando evita o artificialismo de explicar o inexplicável, a história se localiza com mérito no universo do realismo fantástico, mostrando afinidade com autores como Hermmann Melville (Bartleby, o Escriturário ), Gogol (O Nariz ), e Kafka (O Processo ) ─ este universo da criação que influenciou aquele que é hoje um dos roteiristas mais influentes de Hollywood: Charlie Kaufman (Quero Ser John Malkvovich, Adaptação, Brilho Eterno de Uma Mente Sem Lembranças).

A típica empresa americana onde trabalha o infeliz Harold Crick já havia sido bem representada em Clube da Luta, com suas baias infinitas, ambiente asséptico e claustrofóbico. Agora, dá-se o encontro entre Dilbert e O Processo ─ nunca um escritório foi tão hermeticamente entediante. A limpeza da fotografia no ambiente de trabalho é manchada por um sutil tom amarelado, quando adentramos na vida pessoal de Harold. Já no apartamento de seu par romântico (por mais que pareça, este filme não é uma comédia...), o vermelho domina, enquanto o ambiente do professor de literatura Jules Hilbert (Dustin Hoffman) ganha um respeitável magenta. O jogo de cores funciona sem se dar a notar, definindo tonalidades dramáticas com precisão.

Também os efeitos gráficos mostram um domínio único. Cúmulo do paradoxo, os grafismos que acompanham os atos do personagem, como etiquetas fixas que contam desde a quantidade de escovadas nos dentes até o número de passos que dá ao atravessar a rua, servem para um invulgar ar retrô, extremamente elegante. Quando Harold sai correndo, em um momento, os gráficos claramente virtuais se desfazem e caem no chão como pedaços de acrílico. São os anos noventa revisitados.

O roteiro inova ao ir até a essência (a simplicidade, aliás, é um poço que não parece jamais se esgotar), materializando impressões cotidianas, humanas e universais. Quando encontra sua paquera no ônibus, por exemplo, Harold salta 27 quadras antes, por achar que faltará assunto no caminho todo. Para essa impressão completa de seus sentimentos, o filme se vale da ótima narração em off de Emma Thompson, cuja inegável qualidade literária, plenamente justificada pela premissa fantástica, se harmoniza à imagem com elegância e humor. A notável atuação da atriz compõe uma escritora atormentada pela própria obra, que parece criar vontade própria, ao ponto de seu protagonista literalmente bater à sua porta. Já Will Ferrel (Crick) trabalha com singeleza a apatia de seu personagem, aprofundando a cada cena um laço sincero com o espectador, através de uma tocante construção do homem comum, digno mesmo em sua irrelevância. Ao personagem é revelada sua condição como tal, tem negada a diegese quimérica de seu simulacro. A partir desse conhecimento “proibido”, revolta-se e tenta perverter o sistema narrativo em que se encontra encerrado através do conhecimento de suas regras, o que o leva buscar apoio no professor de literatura vivido por Dustin Hoffman, impagável e cativante num papel bonachão e meio amalucado.

Não por acaso, a relação entre os dois passa a servir como uma espécie de terapia, dando ensejo a que se construam as ligações naturais entre a própria estrutura dramática das histórias e a vivência real dos seres humanos, esta também, ao que parece, dividida em três atos permeados reviravoltas e pontos de virada. A idéia de ordenamento e fatalidade leva Harold Crick à loucura. Ele precisa se libertar do determinismo narrativo a que se encontra fadado. Parece confuso, mas o filme é isso mesmo: se ingerido rapidamente, agrada e preenche, mas, se observado com atenção, encontra-se um modelo do mundo em muitas dimensões.

Um impulso poderoso guia esta obra, ao ponto de, com uma simplicidade que naturaliza o seu entendimento, agrupar questionamentos em torno da narratologia estruturada em parâmetros lógicos, e sua problemática relação com a dinâmica criativa (no exemplo vivo da escritora encarnada por Emma Thompson). Ao mesmo tempo, brinca de A Última Gargalhada (Murnau) e, com o frescor de um Frank Capra, a história mostra a sua verdadeira face fantástica. Pensando bem, não é tão fora do comum que um homem tenha sua vida narrada por uma escritora que o criou enquanto batia à máquina entre um cigarro e outro. Estranha mesmo é a beleza prosaica de um filme que, no ano de 2007, sai do lugar-comum ao nos lembrar de uma verdade que, para contrariar um ditado famoso, de tão repetida parecia ser mentira: ser honesto faz bem, o amor é lindo, e os grandes atos redimem o homem.

2007-01-18T13:12:00.000-03:00

A escola de artes cênicas Sitorne promove até o dia 11 de fevereiro o Panorama Sitorne, com 30 espetáculos, oficinas, exposição, shows e atividades para todos os gostos e bolsos - desde ingressos que podem ser trocados por alimentos não perecíveis até as oficinas pagas.

As aulas serão nesta quarta e sexta-feira, das 14 às 18h, e na próxima quarta e sexta, no mesmo horário, totalizando a carga horária de 16 horas.

O programa inclui linguagem do audiovisual, escala de planos, movimentos de câmera, fotografia, montagem, noções de roteiro e discussões sobre linguagens específicas, como a do videoclipe, do video experimental e do documentário.

Alguns dos filmes e videos que serão usados para fins didáticos são "O Homem Com Uma Câmera" (Dziga Vertov), "Festim Diabólico" e "Janela Indiscreta" (Hitchcock), "Elephant" (Gus Van Saint), "Olympia" (Leni Riefenstahl), "F For Fake" (Welles), "Brilho Eterno de Uma Mente Sem Lembranças" (Gondry), "Amores Brutos" (Alejandro González Iñárritu), além de parte da produção de videoclipes de Spike Jonze, Gondry, Chris Cunningham, Mark Romanek, Jonathan Glazer, Anton Corbijn, Stéphane Sednaoui.

O melhor de tudo: a oficina custa R$ 60,00, mas são só 20 vagas. Informações: 9162-0717, ou 3347-7089 (Sitorne).

* Nas duas próximas quintas-feiras, dias 18 e 25/01, o Panorama vai apresentar mostras de audiovisual, com a participação de vários realizadores baianos, como Daniel Lisboa, Alexandre Guena, Marcelo Rabelo e Iris de Oliveira. As mostras começam sempre às 18h lá mesmo na Sitorne

AVISO AOS NAVEGANTES

Certa vez conversei com Davi sobre coisas que me deixavam triste. Chegamos à conclusão de que a solidão intelectual era uma delas. Não falo de um intelectualismo blasé, esnobe e "separatista", mas da capacidade de criarmos "deliciosas" teses juntos, de exercitar o raciocínio numa agradável conversa de bar regada a cerveja ou a um bom vinho. Essas
conversas que entram pela madrugada a dentro, que nos fazem capotar no chão da sala e que, quando nos levam a colocar mão na massa, geram projetos e aventuras inesquecíveis. É muito difícil conversar hoje em dia. Nossos amigos estão enfurnados em seus projetos pessoais, e quando no encontramos a situação alcóolica de um show dançante não nos permite
conversar. Todos estão com pressa.

Acho muito interessante esse negócio de internet, blogs, flogs, videologs. De repente me volta a sensação de inconsciente coletivo, de mundo pequeno, de tempo ilimitado. O que eu lamento na verdade, é que nós tentamos (eu e Davi) criar essa cultura de conhecimento cibernético, de amigos virtuais e pensamentos cosmopolitas sem exercitar (o quanto deveríamos) nossas relações humanas "carnais" e, quando nos deparamos com algumas manifestações agressivas na internet, nosso pensamento converge para as seguintes questões: Quem é essa pessoa? Porque tanto estardalhaço?, ou mesmo: Seria tão bacana se essa conversa fosse ao vivo, semanalmente, em nossos finais de semana, não é? Mas infelizmente não é isso o que acontece. Não sabemos quem são vocês, nem onde estão (realmente). Só sabemos que de alguma forma nosso textos e idéias chegaram até vocês, incomodaram ou agradaram. Gostaríamos de ter mais tempo pra escrever, bem como para conversar com nossos amigos que estão aqui pertinho.

De uma coisa estamos certos: não queremos cultivar inimigos virtuais, nem ofender ninguém, nem perder tempo com isso. O espaço pra discussão é democrático mas precisa ser usado de forma inteligente, legal mesmo. A polêmica faz parte, bá, bá, bá caixa de fósforos, desde de sempre. Poderia citar aqui infinitos quebra-paus ideológicos desde os primórdios do cinema. O resultado foi magnífico: teorias, escolas, gêneros...só que com algumas diferenças: as pessoas se viam em festivais, ou mesmo no cinema da esquina. Criavam escolas, e alguns, é claro, faziam filmes. O exercício da crítica é um troço poderoso e eu louvo quem consegue escrever bem. Quem sabe um dia eu consiga produzir textos geniais e que sejam (como eu costumo falar com Davi) extensões da obra. Por enquanto o esforço maior é para escrever com sinceridade, sem pretensões jornalísticas, cooperativistas, estéticas ou "enjoadísticas".

Continuem nos visitando, criticando, avaliando. Vamos aproveitar o processo e celebrar nosso querido cinema!

Com paz* e amor Irinha

* essa paz é relativa, o sistema GPS permite localizar
qualquer ser em qualquer parte do planeta.

2006-12-19T16:45:00.000-03:00

O Labirinto do Fauno (Guillermo del Toro, México, 2006)

por Ele & Ela

A crítica de cinema no Brasil, com o suporte maciço da internet, tem sido invadida por um grande número de opinadores. Alçados à posição de críticos, conquistam grande número de visitantes com figuras e layouts atraentes. Os textos, no entanto, revelam quase sempre a limitação cultural ou, o que é mais comum e mais grave, o desleixo analítico dos autores. Ao mesmo tempo, a crítica estabelecida nos meios impressos parece cada vez mais influenciada não só pelo marketing cultural, como também por uma tendência generalizada à infantilização dos conteúdos, que se acentuou depois do sucesso estrondoso da trilogia O Senhor dos Anéis.

Em muitas ocasiões, filmes com muitos pontos fracos e alguns poucos méritos dignos de nota conquistaram as platéias por conta do timming preciso de seus lançamentos. Esta explicação é fundamental para analisarmos a recepção positiva que um filme como O Labirinto do Fauno tem tido por grande parte da crítica. Não seria espantoso, não fosse o filme tão obviamente ruim em todos os seus aspectos. O diretor Guillermo del Toro já tinha feito o fraquinho A Espinha do Diabo, quando juntou à típica trama de fantasmas o subtexto político da guerra civil espanhola. O filme apresenta o mesmo defeito deste, porém em menor gravidade: o núcleo sobrenatural não se relaciona ao político, criando dois filmes paralelos. Esse gênero político-sobrenatural que o diretor inventa tinha tudo para dar errado, e é o que vem acontecendo. Quando isso pareceu uma boa idéia?

Uma das experiências mais decepcionantes do cinema este ano, O Labirinto do Fauno perde a chance de se tornar um filme único dentro da cinematografia latina, no momento em que fracassa enquanto metáfora, filme de terror, horror ou denúncia. O resultado é um projeto desequilibrado, com um roteiro frouxo e inverossímil (tanto em relação aos fatos históricos como ao próprio gênero da fantasia). Personagens sem densidade dramática comprometem o andamento da história, suscitando o riso involuntariamente. A fotografia amadora, com contrastes exagerados, segue a cartilha dos filmes de terror C, e o "suspense" é enfiado a fórceps por imagens desgraçadamente tenebrosas. Diante da tamanha aceitação de público e crítica, só podemos apontar uma causa possível: o filme é tão ruim, mas tão ruim, que as pessoas entram numa espécie de loucura coletiva. É algo assim: "não é possível que algo possa ser tão ruim, meu cérebro não é capaz de computar tanta ruindade. Logo, o filme é obviamente bom!".

Falível em todos os aspectos, O Labirinto... é um abuso que destrói (e não desconstrói) o universo da fábula e da magia, tão bem representado em filmes como A Lenda, História Sem Fim e na própria trilogia do anel - este blockbuster que, mesmo um tanto abestalhado, consegue passar com eficiência alguns valores extra "mundo-3D".

Diante do quadro dantesco, no entanto, destaca-se a linda atriz infantil Ivana Baquero, que interpreta a protagonista Ofelia. Com uma atuação sólida, a atriz compõe uma personagem doce e cativante, com direito a um momento dramático (quando ela fala com o irmão, na barriga da mãe) que de tão bom parece deslocado. Fica a nossa aposta de que a menina prodígio deverá fazer carreira estrelada em Holywood, sendo este provavelmente o único motivo pelo qual alguém se lembrará de O Labirinto do Fauno no futuro.

Nota: zero.

ps (por Ele): esta crítica deveria ter sido muito mais longa. Eu perderia meu tempo escrevendo duas páginas que ninguém leria, apontando duzentos mil problemas de direção que os leitores pulariam apressadamente. Em vez disso, proponho o seguinte: dê uma rápida pesquisa no google e tente encontrar UM comentário elogioso sobre o enquadramento. Não vai encontrar... sabe porquê? Simples: a camêra do filme é horrível, se movimenta o tempo todo do nada a lugar algum. Quer falar de montagem? Tola e infantil, utilizando de forma exagerada recursos fáceis de transição de câmera (quando um plano termina com um travelling fechado em uma parede escura, por exemplo, e o seguinte começa com um travelling na mesma direção, saindo de uma árvore... o esquema é repetido ao infinito, beirando o ridículo). Observem o plano em que a "cozinheira heróica" encontra o seu amado guerrilheiro (um verdadeiro modelo de corpo e manequim, tão bem cuidado que chegamos a duvidar que ele esteja no meio de uma batalha). Pois bem, neste plano, enquanto a câmera se posiciona acima da ação, e os guerrilheiros todos correm apressados e assustados, o ilustre casal está abraçado no canto esquerdo de quadro, em movimentos de um romantismo maquinal, criando um efeito de ridículo involuntário que depõe contra o tom romântico que o diretor pretende empreender. Este exemplo pode ser aplicado a muitos outros pontos, basta ter um pouco de atenção. Esta observação nos dá a certeza de que muitos estão assistindo ao Labirinto do Fauno, e se fascinando não pelo filme em si, mas pela aura externa que se fantasia que está ali, mas não está. Me arrisco a listar os motivos principais para a ocorrência deste fenômeno:

1) O fato de que é um filme de fantasia falado em espanhol - inusitado;

2) A pretensa validade política;

3) A pretensa profundidade filosófica;

4) Principalmente o final oportunista, que se vale de recurso torpe para provocar comoção gratuita, suscitando o esquecimento (e não a superação real) de todas as tragédias que se sucedem durante a narrativa. O enganoso final feliz coopta de forma manipulatória, tão facista quanto o vilão do filme, não deixando ao espectador qualquer espaço para o contraponto crítico.

Pegadas

2006-12-15T21:03:00.000-03:00

O curta-metragem de ficção Pegadas (Davi Lopes Ramos, 19min, 2006) fala de um homem que, isolado em seu apartamento e envolvido nos liames da criação, se vê em contato forçado com as lembranças de seu passado com o pai.

Este vídeo foi realizado como Trabalho de Conclusão do Curso de Cinema e Vídeo, na FTC - Salvador, obtendo a nota máxima para os alunos avaliados - Davi Ramos (o Ele, do Ele e Ela) e Luana Mellado.

para assistir ao vídeo, clique aqui

2006-11-13T12:15:00.001-03:00

O Ano em que Meus Pais Saíram de Férias (2006, em cartaz)

crítica por Davi (Ele).

Sinopse: 1970. Mauro (Michel Joelsas) é um garoto mineiro de 12 anos, que adora futebol e jogo de botão. Um dia sua vida muda completamente, já que seus pais saem de férias de forma inesperada e sem motivo aparente para ele. Na verdade os pais de Mauro foram obrigados a fugir por serem perseguidos pela ditadura, e Mauro acaba ficando com um velho judeu solitário. Enquanto aguarda um telefonema dos pais, Mauro precisa lidar com sua nova realidade. (do Adorocinema)

Os leitores devem ter percebido a nossa ausência nos textos. Não abandonamos nem o blog, nem o cinema, mas os nossos trabalhos de conclusão de curso têm esgotado nossas cotas de estresse e questões existenciais.

Agora ao assunto. O filme é O Ano em Que Meus Pais Saíram de Férias, de Cao Hamburger, a mente por trás da cultuada série infantil Castelo Rá-Tim-Bum, exibida na década de 90, na TV Cultura, e que teve versão cinematográfica (fraquinha) dirigida pelo mesmo. O diretor havia conquistado a nossa simpatia com o belo curta O Menino, a favela e as tampas de Panela, de 1995. Diretor experiente, história promissora, atores desconhecidos - o pacote completo para nos fazer sair de casa e ir ao cinema numa bela noite de sábado. Mas eis que a coisa, mais uma vez, se perde nos detalhes, nos descuidos e, sobretudo, como é tão comum no cinema brasileiro recente, este cinema quase todo feito por teatrólogos, diretores de TV e pessoas que conhecem as pessoas certas, o filme se esvazia na falta (desconhecimento) de referências cinematográficas.

Parecia natural que a estréia de Cao na direção de longa (se considerarmos o filme de Castelo Rá-Tim-Bum uma extensão da série de TV) fosse com um filme de formação. O pacote é completo para agradar aos que viveram a época,. O imaginário da década é composto sob o pano de fundo da ditadura e da copa de 70. O roteiro, embora aparentemente bem amarrado, tem furos flagrantes, desde a introdução. Coisas simples, que teriam sido resolvidas com uma leitura mais apurada, como os pais deixarem o filho sozinho na frente do prédio do avô (completamente inverossímil, pois eles não estavam sendo sequer perseguidos), apenas para justificar o que iria acontecer a seguir. O excesso de falas incomoda, colocando nos personagens textos desnecessários e redundantes. Em alguns momentos, as crianças parecem deslocadas de seu universo infantil, e, se era este o propósito, não foi operado o efeito irrealístico de humor que isso poderia gerar. No geral, a atuação não encontra o tom correto nas falas, chegando às vezes perto, mas nunca no ponto ideal. A começar pelo garoto, que não dispõe de grandes recursos expressivos. A comunidade judaica, embora renda alguns momentos engraçados, se perde na caricatura. O ator Germano Haiut é Schlomo, o velhinho judeu que acaba ficando com o menino. Para desespero do público, o personagem não cativa.

Se tem algo que se deve louvar em O Ano... são alguns momentos do núcleo infantil do longa. Toda a patota que o menino Mauro (Michel Joelsas) conhece em São Paulo é muito interessante. Mesmo com a evidente chupação de Os Batutinhas e similares, o jeito paulistano de ser das crianças é autêntico e cativante. O ciúme da menininha pelo protagonista, a relação do garoto com o ativista político (Caio Blat), e ainda a típica situação infantil da busca pelo proibido, pelo escondido e pelo sexual, são núcleos tratados com delicadeza e consciência pelo diretor. Em especial, a cena em que eles dançam ao som de Roberto Carlos demonstra competência nesse aspecto, dotando de timming preciso uma cena de difícil execução. Pena que este núcleo ocupem pouco tempo de filme, servindo mais como escape cômico. Infelizmente, o êxito do núcleo infantil não é o suficiente para sustentar o conjunto da obra.

Aparentemente, a moda no cinema brasileiro é a câmera trêmula e a montagem cheia de cortes “espertos” e “modernos”. Se em filmes como Cidade de Deus o recurso é utilizado com maestria para filmar o ambiente caótico da favela, um drama de época talvez não se acomode tão confortavelmente no enquadramento claudicante, que aqui se transforma em mero e gratuito incômodo visual, denotando uma direção indecisa ou, pior, fascinada pelo recurso. A hipótese se reforça quando vemos o uso exagerado de desfoques e enfoques “artísticos”, utilizados para pontuar objetos sem importância alguma ou, ainda pior, objeto algum. Os tiques de direção a todo momento esvaziam o potencial das cenas. Objetos em primeiro plano enquadram a ação, de forma quase sempre gratuita. Justamente por que todos os planos possuem uma pontuação pretensamente dramática, a pontuação deixa de existir.

Paradoxalmente, a fotografia desproporcionada em seus exageros virtuosísticos esconde uma deficiência no narrar visualmente. Se a imagem nos conta a história, não é ela que nos emociona. Com o uso de imagens da copa de 70, Cao Hamburguer entra em território íntimo da nostalgia de milhões de brasileiros. As cenas do garoto assistindo ao jogos com Scholomo são frias e convencionais, bem como os cortes para grupos diferentes que estão assistindo à copa pela TV (os judeus, os comunistas, o pessoal no bar). A coisa só cresce mesmo quando a gente vê Pelé e Tostão arrepiando nas imagens de arquivo. Mas aí também é covardia - a seleção de 70 tinha uma equipe genial e bem entrosada, que nos deixava de boca aberta diante de uma beleza plástica impressionante e objetiva, que se expressava no gol. Muito diferente de Cao Hamburger, que, ao exibir fartamente as imagens da copa em tela de cinema, flerta com o oportunismo. Desvio de atenção, puro e simples.

O envolvimento da criança com os personagens do núcleo adulto não se aprofunda, e mesmo a espera pelos pais não comovente. Se o roteiro permite esses momentos (ainda que de forma mais informativa), falta interpretação e sensibilidade da direção para permitir o adensamento emocional, pelos motivos já expostos (fotografia e montagem). O ponto principal do roteiro é o drama do menino longe dos pais. É a incompetência em problematizar essa questão que dá tanto relevo ao pitoresco ciúme da menina do prédio e ao universo infantil que ele encontra, que são muito interessantes, mas que não são o mote do filme.

Mesmo realizando um filme problemático, tudo leva a crer que Cao Hamburger está na categoria de um diretor em formação. Os desvios estéticos denotam uma fascinação de marinheiro de primeira viagem. Ainda o roteiro sofre de excessos, ignorando o potencial da imagem em comunicar e sujando com palavras demais a poesia evidente de muitas cenas.

Os bons momentos do filme acontecem quando só há crianças atuando, ou então quando a ação é direcionada pelos seus interesses. Todo o resto parece deslocado do universo do diretor. Ficam bem claros os caminhos que ele poderá seguir depois de O Ano em Que Meus Pais Saíram de Férias. Caso os elogios que vem recebendo o convençam que produziu uma obra prima, o que o filme está muito distante de ser, a tendência é que repita futuramente os mesmos tiques, acentuando-os inclusive. Caso enverede pela autocrítica, pode aprender a focar seus roteiros naquilo que sabe fazer de melhor, se consolidando como um diretor da sutileza e do humor no universo infantil. No Brasil, dentro do panorama de desolação a que se encontra entregue, com honrosas exceções, a arte de dirigir filmes, isso já é muito. É esperar pra ver.

Crítica da Crítica

Em entrevista ao Revista do Cinema Brasileiro (TVE), o diretor é enfático em dizer que o seu filme prima por um equilíbrio, não exagerando nas doses do sentimentalismo etc. A crítica, ao que parece, comprou o discurso, e o sub-clichê do drama com o pano de fundo histórico mostra que ainda tem força. Se por um lado o tratamento panfletário da história incomoda por motivos óbvios, por outro a simples recusa ao viés politizado, em prol de um foco no drama íntimo dos personagens, não garante por si só o sucesso de um filme. A meu ver, a crítica precisa se desvencilhar de certos preconceitos positivos. No caso de O Ano em Que Meus Pais Saíram de Férias, o ar pomposo da direção de arte e da fotografia enganam como fogos de artifício. Tons escuros e emadeirados não significam, necessariamente, beleza. É preciso observar com atenção os enquadramentos, movimentos de câmera, enfoques / desfoques, distorções, nivelação do tripé, bem como o ritmo da montagem, a música e a atuação... parece óbvio, não é verdade? Isso é cinema. Às vezes, parece que os críticos deixam os olhos em casa - O Ano... tem problemas primários de direção, em especial na atuação e na fotografia (para não falar do roteiro). Este filme, como muitas outras "obras de arte" foram em suas épocas, é o sucesso do momento. Palmas para o cinema brasileiro, que cresce a olhos vistos diante da crítica complacente.

Em tempo: crítica do filme na Contracampo

Premiação

O filme ganhou o prêmio de Melhor Longa de Ficção no último Festival do Rio, pelo voto popular. Não cabe, aqui, analisar a reação do público, sempre imprevisível e pessoal. Cabe à crítica oferecer contraponto reflexivo e embasado ao público, e não somente a aprovação vazia. É saudável observar a aceitação das obras, evitando com isso o encastelamento crítico. No entanto, a posição do crítico é diferente daquela do público, pois a ele não é dado o direito de somente manifestar a sua opinião. Deve embasá-la com os lógicos porquês, apontando no filme, e/ou no bojo referencial em que o filme se localiza, os momentos que corroboram a sua opinião.

Vamos?!

2006-11-03T11:24:00.000-03:00

2006-10-20T18:31:00.000-03:00

Internet – Vida Inteligente

Ói como a gente conversava antes do msn existir...

Uns anos atrás, fazia sentido dizer que a internet era coisa de adolescentes desocupados. No fundo, era verdade. As duas coisas mais interessantes na internet discada eram o IRC e o ICQ. Para quem não conhece, IRC é abreviação de Internet Really Chat, um programa extremamente simples de bate-papo, todo baseado em texto. Em tempos de conexão a 56k, largura de banda era matéria escassa, e um programa que fosse direto ao ponto, sem firulas como imagens e ambiente web, vinha bem a calhar. O IRC era (e no fundo ainda é) o modo mais rápido de bater papo na internet. Mas IRC é tema que daria um outro texto. O ICQ era um programa muito similar ao MSN de hoje, que copiou tudo e mais um pouco do programa pioneiro da Mirabilis.

Os sites da época, em geral produzidos por jovens com conhecimento de HTML e muito tempo livre, eram pobres em conteúdo, cheios de gifs animados piscando, navegação por frames e recursos os mais inúteis, como webchats que ninguém usava, murais onde ninguém escrevia e contadores de visitas com valores aleatórios. Era difícil encontrar conteúdo de qualidade. Blogs ainda não existiam, e a produção de texto não era o forte da rede. Na verdade, a maioria dos sites pessoais parecia desprovida de propósito. Tirando os sites de fans, sobre séries, filmes, bandas etc, que eram interessantes, mas não apresentavam conteúdo próprio (em geral fotos, discografias e, depois, músicas), a maioria deles eram claramente exercícios de aprendizado do HTML, em que a editoração da página e os recursos de Java que apresentavam era o propósito verdadeiro. Eu mesmo, nessa época, me aventurei a criar algumas páginas que infelizmente não deslancharam.

No meu entender, foram os blogs que começaram a mudar esse panorama. Pessoas normais, e não somente aficionadas por informática, começaram a publicar em sites os seus pensamentos, histórias do dia-a-dia, crônicas, contos, poesias etc. Claro que isso já existia antes, mas em uma escala muito menor. Num primeiro momento, como é natural, veio a fascinação pelo novo. Todo mundo publicava um blog, até (e principalmente) quem não sabia escrever direito. Se multiplicavam os blogs descerebrados, cujos textos deixavam claro que o autor publicava sem o menor cuidado com as idéias e formas que buscava comunicar. Com a internet banda larga, publicar um blog se tornou mais fácil ainda. Além disso, os serviços dos sites hospedeiros ficam cada vez mais amigáveis, e hoje para publicar um blog não é preciso saber uma linha de HTML.

A grande vantagem disso é que sobra tempo para pensar no que você está escrevendo, pois diminuiu consideravelmente o tempo que passamos editorando a página resolvendo problemas de código.

Hoje, temos blogs de cinema como esse, de literatura, crítica dos meios de comunicação, além de excelentes blogs de humor. Se há algum tempo todo blogueiro sonhava em ter seu próprio domínio, a vantagem disso se relativizou diante da quantidade de serviços gratuitos já disponíveis na web. Simplesmente não vale a pena pagar, se você pode ter um site com um aspecto legal, imagens, músicas, vídeo, comentários dinâmicos e outros recursos a custo zero.

Existem blogs com número de visitas de site grande, e que aos poucos se tornam referência em suas áreas. Basta olhar os exemplos bem sucedidos de blogs como o Kibeloco (humor), o Blog do Noblat (jornalismo), o do Carlos Reichenbach e mais uma infinidade de blogs sobre o mais variados assuntos. Isso sem falar nos sites.

Eu desafio, por exemplo, alguém a me apontar uma crítica de cinema, em jornal ou revista de grande circulação, no nível de uma Contracampo, ou textos sobre a sétima arte com a profundidade e conhecimento de causa como os que encontro no Setaro’s Blog, ou ainda uma seleção de textos com temas variados, de qualidade igual ou superior à do no mínimo.

Se eu for falar duma área mais técnica, o nível de profundidade e atualização na área de informática que encontro no fórum de sites como o Clube do Hardware e o Babooforum – para falar apenas dos que estão em português – supera o de qualquer publicação do gênero.

Deve ser por isso que tem um bom tempo que eu não compro Veja, Istoé, SET, Bravo, Info Exame... etc etc etc.

Viva a internet!

Atualizando...

2006-10-18T10:07:00.000-03:00

Enquanto festivais de cinema e vídeo surgem e se consolidam em todo o país, as coisas na província da Bahia continuam estagnadas. Com a troca de governo, a cidade parece estar se preparando para uma grande mudança onde os cargos de confiança = a cabeça que rola. Projetos parados, reformulações. Quem perde é o povo - eu e você - e o insuficiente cenário cultural da cidade. Do site do Dimas:

COMUNICADO
Festival Nacional de Vídeo - Imagem em 5 Minutos
O Festival Nacional de Vídeo – Imagem em 5 minutos, realizado nos anos de 1994 a 2000 e de 2003 a 2005, encontra-se incluído na programação da Fundação Cultural do Estado da Bahia para 2007, através de proposta a ser oportunamente encaminhada ao Fundo de Cultura do Estado da Bahia. Sua edição de 2006 foi suspensa, por conta de estudos em desenvolvimento com vistas a sua reformulação e por conta de revisão da programação orçamentária da Fundação, que deu prioridade nesse exercício à necessária e urgente aquisição de equipamentos para o parque audiovisual da DIMAS e à readaptação dos espaços culturais administrados pela Fundação Cultural, em todo o estado, para abrigarem ações da área de audiovisual.

Enquanto isso...

Os alunos da Facom – Faculdade de Comunicação da Ufba, realizam este ano a primeira edição do Festival Integrado, com o intuito de fomentar, incentivar e divulgar as produções audiovisuais dos universitários, que é sempre rica em criatividade e inventividade. O Festival ocorrerá nos dias 8, 9 e 10 de novembro tem suas inscrições abertas até 30 de Outubro.
Mais informações no blog do evento www.festivalintegrado.blogspot.com

Valeu por esperar

Imagem do vídeo-assiste do curta metragem Bartolomeu
Chegou o telecine offline!!! A exibição do material para a equipe do filme está marcada para a quinta-feira da próxima semana (dia 26), às 20h, no estúdio A da FTC.

Para Davi - Da cena de hoje pela manhã

"Como todas las cosas están llenas de mi alma
emerges de las cosas, llena del alma mía.
Mariposa de sueño, te pareces a mi alma,
y te pareces a la palabra melancolía."

2006-10-12T21:52:00.000-03:00

Redondo

O vídeo feito no terceiro semestre, agora com toda a qualidade DVD-RIP, AVI (XVID) - arquivo de 40mb. Para quem gosta do vídeo baixar e assistir em tela cheia, com ótima quaildade. Esse é pra guardar. Espero que gostem.

Link (para baixar, clique no botão download, na parte de baixo da janela. Às vezes o botão aparece após uma rápida contagem - é só esperar. Não recomendo dar o play no botão que aparece ao lado, pois costuma travar, além de você não ficar com o arquivo salvo para ver depois)

2006-10-11T10:40:00.000-03:00

VERSUS

A GRANDE FAMÍLIA

Impressiona o blogueiro a longevidade da série global, que eu só posso reputar à total falta de competição no terreno da comédia de situações. Os valores ultrapassados que vêem no bojo chegam ao extremo do requentamento de estereótipos. O pai de família classe média, figura de abjetas perspectivas sociais, a mulher plenamente realizada nos afazeres do lar, cujo maior vôo imaginativo é ir morar em Governador Valadares, verdadeira Amélia perdida no séc. XXI, o filho inútil a esquentar com a bunda o sofá da sala dia após dia, além do genro encostado, protótipo de malandro carioca que deve andar raro até no Rio, e da filha descerebrada e gostosa, cujas pretensões profissionais não vão além de uma sociedade no salão de beleza.

Arquitetura social suburbana que grita de tanto anacronismo, no bairro clean construído dentro do Projac a pobreza é organizada como uma cozinha da Barbie. Cores quentes deixam tudo mais aconchegante, e o sambinha pra cima exalta a doce algazarra da vida em família. A vizinhança de Lineu é uma espécie de upgrade na pobreza. A assepsia empregada cria uma identificação perigosa com uma utopia brasileira – no bairro popular carioca não existem negros.

Ainda há outro problema: as histórias não são engraçadas. Se uma ou outra sacada às vezes surpreende, o desenrolar é sempre conduzido de forma preguiçosa. Com poucos minutos, o espectador prevê todo o desenrolar. Parece que colocaram os roteiros no piloto automático. Se ainda existe algum humor, este se deve somente ao excelente elenco, em especial Pedro Cardoso. Mesmo com tudo isso, no limbo criativo que é a TV brasileira, A Grande Família ainda tem um diferencial: é uma série de humor. Existe alguma outra? Não sei o que esse povo tem na cabeça (na verdade sei, mas não vou falar em respeito aos leitores) para encher a TV de receitas culinárias e programas de auditório, enquanto a teledramaturgia brasileira está aí vazia, pedindo para ser ocupada com conteúdo – e nem precisa ser tão bom assim. Se você disser que é comédia, as pessoas já começam a rir. Se disser que é drama, se acabam de chorar. E ai de quem fale mal! É o vazio.

2006-10-06T11:21:00.000-03:00

Estamira (2004, documentário de Marcos Prado, Brasil)

por Ela

Eu gostaria muito de escrever uma crítica sobre Estamira, mesmo que para isso eu tivesse que quebrar o trato que fiz comigo mesma de só escrever sobre filmes que me tocassem e me encantassem. Sim, Estamira não foi uma experiência positiva pra mim mas é impossível ficar indiferente a ela. Como a própiria personagem diz: "Todos precisam de Estamira" - "esta mira", "esta mirada".

É preciso lançar um olhar para a natureza bruta. Também é tarefa do cinema se embrenhar por essas realidades descontroladas, difíceis de encarar. No entanto, quando falamos sobre "a tarefa do cinema" parecemos esquecer que o cinema não é uma entidade independente, um mecanismo autônomo que sai por aí registrando e projetando imagens. A mão do homem aperta o rec, a voz do homem conduz a entrevista, o olhar enquadra. Temos responsabilidade sobre a "imagem da imagem" que parimos no mundo. Há um tempo atrás, no começo de meus estudos sobre cinema, assisti a um documentário chamadoTiticut Follies (1967), do americano Frederick Wiseman, que revela as tristes condições do Manicômio Judiciário de Bridgewater, Massachusettes. É um trabalho pertubador, mas extremamente necessário enquanto denúncia das atrocidades cometidas contra pessoas com problemas mentais colocadas a margem da sociedade, numa visão geral da instituição.

No caso de Estamira, somos colocados dentro do universo de um ser em particular, "visivelmente" atormentada pelas tragédias do seu passado, desilusões amorosas, violência, etc. Estamira herdou a loucura da mãe, que herdou a loucura do mundo. É certo que em alguns momentos percebemos os "insights" da entrevistada, que com fúria e certeza afirma verdades sobre o mundo. O excesso dessa exposição é o que prejudica e esgota a imagem de Estamira. Ora sentimos pena, ora um grande desconforto, que no meu caso não foi por conta dos closes da miséria em seu extremo naturalismo (não mesmo, meus caros! sei um pouco sobre o mundo em que vivo e suas mazelas - ao contrário das jovens patrícias serelepes que estavam sentadas na fila do lado e se calaram num silêncio mais que mortal durante a exibição), e sim por conta da questão ética que ficou martelando em minha cabeça do começo ao quase fim do documentário (precisei sair 7 minutos antes do final).

Ficou claro que o diretor estabeleceu um contato muito estreito com sua personagem, com seu sujeito do filme, criou intimidade e conseguiu, ao libertar o olhar e a mente, captar imagens incríveis de uma realidade miserável. Mais uma vez somos pegos pela beleza da imagem do que é miserável, caótico, estranho. Não me sinto mal por ter apreciado a bela montagem de Marcos Prado, e o que ele fez do filme simplesmente pelo fato de não ter apreciado mesmo. Beleza é verdade e verdade é beleza mas, no caso do documentário (que eu acredito e que me toca) ética é beleza, ética é verdade.

Gostei de muitas coisas em Estamira. O considero um trabalho corajoso, com bons momentos de poesia. No entanto, percebo também o difícil percurso que o documentário teve de percorrer – o caminho tortuoso da natureza humana, tarefa complicada e que, quando mal sucedida, parece provocar um retrocesso no processo de compreensão do indivíduo e da sociedade.

ENQUANTO ISSO, NA ILHA DE EDIÇÃO...

...PEGADAS

Cinema sem fronteiras

2006-09-27T14:54:00.000-03:00

Lampião, rei do Cangaço

Eu sou nordestino nascido em Salvador - Bahia. Por incrível que pareça, mesmo sendo um estudante universitário, eu nunca visitei, nem em turismo, uma cidade do Sul. Meu pai e minha mãe são nascidos aqui, e sem nenhuma descendência estrangeira próxima. Sou um soteropolitano 100% autóctone. No entanto, que os orixás (que eu respeito muito, por sinal) me perdoem, eu nunca visitei um terreiro de candomblé e nunca realmente conheci o sertão - lacuna que devo preencher em breve. Também não aprofundei meus estudos de cordel e, apesar de negro, nunca saí no Ilê-aiyê, não sou fã de carnaval e não freqüento a Terça da Benção (com todo o respeito às modalidades culturais supracitadas).

Com todo o respeito mesmo (sei que estou me repetindo, mas é para enfatizar o conceito e evitar discussões fora do tema pretendido aqui), quero apenas citar o seguinte trecho do edital do Programa BNB (Banco do Nordeste) de Cultura, que selecionará até o dia 29 de Setembro projetos audiovisuais de até 15 minutos:

"Serão priorizados projetos com temáticas da cultura popular nordestina, que não têm encontrado espaço comercial ou que não estão inseridos nas diversas formas de distribuição e comercialização."

Reiterando a admiração às supracitadas manifestações culturais, gostaria de deixar claro aqui que meus devaneios cinematográficos, embora não lidem com candomblé, negritude e outras temáticas do que se convenciona chamar "cultura popular nordestina", são inteiramente baianos. Tenho testemunhas que podem atestar que eu lí Oscar Wildetomando água de coco em uma rede no Rio Vermelho, e a primeira vez que eu li O Corvo, do americano Edgar Allan Poe, foi em Barra Grande de Camamu, enquanto comia uma gorda boca de caranguejo. Muitas de minhas tardes em Itapuã foram embaladas pelo jazz de Coltrane e Miles Davis, e devo dizer que assistir A Noite Americana, de Truffaut, com os galhos das árvores balançando na janela de meu quarto enquanto amanhecia foi verdadeiramente inspirador.

Mas, falando sério, devo dizer em minha defesa: eu não desprezo as manifestações culturais de minha região, as quais eu sempre acolho com sinceridade, quando em suas representações legítimas. No entanto, sempre fui e agi como um espírito livre, e sempre busquei onde quer que estivessem as referências que melhor expressavam aquilo que ia em meu coração. Assim descobri a literatura universal, além dos brasileiros e magníficos escritos de Érico Veríssimo e seu filho (um tal de Luís Fernando...), Machado de Assis, Stanislaw Ponte Preta (a fina flor do humor brasileiro!) e Nelson Rodrigues, para citar alguns. Nunca gostei muito de Jorge Amado, por achá-lo um tanto prolixo e inverossímil. Desde criança, fugi do Tropicalismo como o diabo da cruz (no fundo ainda fujo...), mas escuto Mutantes, o trabalho solo de Arnaldo Baptista, Walter Franco e outros loucos. Gosto mais de Beatles que de Rolling Stones, e na verdade escuto mais música em inglês que em português. Não é preconceito - é uma questão de formação. Ouço rock'n roll desde guri, isso pra mim não é uma coisa externa, não é uma busca pelo outro - mas um reconhecimento de mim mesmo. Talvez isso acabe soando como algo assim: "Agora não tem jeito, já me estraguei!". Não é o caso, mas bem que podia ser.

É triste imaginar quantas poéticas interessantes e válidas são deixadas de lado a cada edital que contém termos como "cultura popular", "função social", "contrapartida" etc. E é por respeitar imensamente as manifestações culturais históricas de meu povo que eu não posso e não vou jamais engendrar a farsa de que as conheço e, o mais importante, que as vivencio. Que os portadores desta cultura a representem - se eu buscasse retratá-la, como desejam implicitamente 90% dos editais, seria apenas mais um farsante.

Não quero fazer filmes norte-americanos, nem comédias cariocas, ou urbanidades paulistas, nem filmes europeus cabeçudos, e nem filmes nordestinos - ao menos não dentro da convenção asfixiante escondida nos termos "cultura popular nordestina". Quero fazer filmes - eis tudo! Que os orixás me protejam!

Davi Lopes Ramos, estudante de cinema e vídeo, último semestre da FTC.

2006-09-24T22:40:00.000-03:00

Como alguém se torna diretor de cinema? - Parte 2

se você não leu a parte um, recomendo descer um pouquinho e começar de lá

à esquerda Ernesto (segundo assistente de direção), à direita Eu (Davi - segundo assistente de câmera)

Antes disso, durante as férias, eu passei pela importante experiência de trabalhar como segundo assistente de câmera em dois curtas 35mm – Piruetas e Noite de Marionetes (filmes ganhadores de edital do Minc, atualmente em fase de montagem). Filmados um após ou outro pela mesma equipe e diretor-fotógrafo (Haroldo Borges), tivemos um total de dez dias de trabalho intensivo.

Ver uma equipe de verdade trabalhando reforçou minhas convicções de que o cinema deve ser encarado como um trabalho profissional e muito sério, e não como uma brincadeira com a câmera sambando na mão como muita gente faz. Mais que isso: pude observar os modos de organização do trabalho que permitem esse profissionalismo, agregando à minha prática um grande número de procedimentos que a faculdade não proporciona. Antes, eu me achava um diretor chato, que cobrava demais. Depois percebi que, pelo contrário, eu estava cobrando muito menos do que devia, especialmente de mim mesmo.

Nestes filmes, meu colega de sala Ernesto Molinero estava trabalhando como segundo assistente de direção (mais envolvido com os atores), enquanto eu ficava o tempo todo auxiliando o primeiro assistente de câmera (isto é: carregava coisas de câmera, a própria câmera, pegava coisas e basicamente não desgrudava hora nenhuma da câmera). Não tivemos muito contato durante o filme, mas ter essa experiência em comum foi importante para confiarmos em realizar um trabalho em parceria depois. Sou grato pela oportunidade que ele me proporcionou, por ter sugerido a Paula Gomes (produtora) minha participação no filme, dando um verdadeiro voto de confiança a um estudante que, em matéria de assistente de câmera, só tinha carregado alguns chassis.

Carregar um chassis, pra quem não sabe, não é colocar ele no ombro e sair andando. O chassis é a parte da câmera de cinema onde vai o negativo. Para carregar, é preciso colocá-lo dentro de uma espécie de camisa preta de tecido grosso - que impede a entrada de luz - junto com a lata do negativo. O negativo é colocado sem que a pessoa veja o que está fazendo, e qualquer erro pode resultar em um rolo estragado, prejudicando irremediavelmente uma produção. Em geral, duas coisas podem acontecer com quem estraga um rolo de 35mm no Brasil: morte sumária ou morte sumária. Dá o maior cagaço. Felizmente, já foi tudo revelado sem nenhum problema.

Trabalhei muito e dormi pouco num quarto cheio de equipamentos de câmera, comi o que vi pela frente, carreguei maletas e equipamentos para muitos lugares diferentes, levei bronca e briguei com meu chefe na frente de todo mundo, depois ele sofreu um pequeno acidente no circo e eu fiquei preocupado com ele, morri de saudade de Íris e liguei para ela todos os dias, bati no quarto do gaffer (Paulão, gente fina pra caralho!) no meio da noite para ele me ajudar a carregar um chassis (fiquei com medo de fazer sozinho), fiz algumas amizades, encontrei pessoas bacanas e recebi um “parabéns” pelo meu trabalho de uma pessoa que eu admiro pra caramba (tenho que falar: Nicholas Hallet). Por dez dias fui transportado para um universo em que tudo existia em prol de alguns metros de película, e fazia todo o sentido que cinco horas de trabalho exaustivo se transformassem em vinte segundos de belas imagens, como se todos estivessem contaminados por uma loucura coletiva chamada cinema.

à esquerda Ajurimar Salles (diretor de fotografia), à direita Ernesto Molinero (diretor), Eu ao fundo (diretor). Todos olhando o video-assist.

Então chegou o sétimo semestre. O filme, com roteiro baseado no conto Bartleby, o Escriturário, surgiu de uma sugestão de Ronei Jorge em adaptá-lo. O roteiro de Bartolomeu (sétimo semestre, 2006) foi produzido em cerca de dois dias, pois estávamos em cima da apresentação dos projetos. Escolhido em uma votação acirrada, depois me candidatei à direção do mesmo. Resolvi entrar com uma parceria, eu e Ernesto novamente. Apresentamos juntos o projeto, com propostas estéticas e modo de trabalho detalhados.

Depois de aprovados, passamos à seleção do elenco, ensaios e planificação. Foi um processo longo, exaustivo. A turma construiu um belíssimo cenário de escritório para nós, que deixou todos impressionados. Filmamos todos os 63 planos, incluindo alguns complicados, usando grua e até atuação de insetos.

Neste filme aplicamos nossas idéias mais rígidas sobre o cinema, buscando uma estrutura firme e sem desvios – optamos por usar somente planos fixos, numa tentativa de reforçar o ambiente asfixiante, monótono e repetitivo de um escritório. O tom de comédia não foi efetivamente buscado, mas surgiu de forma natural a partir da história. Tivemos a chance de trabalhar com excelentes atores, como Fernando Neves (prêmio de melhor ator coadjuvante no Festival de Brasília, por Eu Me Lembro, de Edgard Navarro), além de Gésner Braga, Márcio Liolly e Dody Só. Foi muito bom criar uma relação com o elenco nos ensaios.

As filmagens, estressantes por conta da quantidade de planos, equipe grande e inexperiente (adjetivo do qual eu não me excluo, pois nunca havia dirigido um projeto de tal magnitude), foram ao mesmo tempo satisfatórias, pois todos os planos foram realizados a contento. Desafio vencido, o filme está agora no Labocine e nós aqui, aguardando para vê-lo e montá-lo.

Pegadas teve uma equipe de valor! Da esquerda para a direita: Jerônimo Soffer (fotografia), Luana Mellado (produção e direção de arte), Fernando Néves (ator), Lucas Laborda (ator), Eduardo (som). Embaixo: Eu (diretor) e Dedeco Macedo (assistente de produção, direção e faz tudo!). Muito obrigado a todos!

O meu atual TCC, Pegadas (oitavo semestre, 2006), é uma exceção à regra por vários motivos. Para começar, toda a equipe do filme é de semestres anteriores, excetuando-se o roteirista e diretor (eu próprio) e a produtora e diretora de arte (Luana Mellado). Essa junção se mostrou positiva, pois a equipe nos trata na condição de veteranos, excluindo-se a possibilidade de cairmos em território por demais amigável e contraproducente – o que não quer dizer que estes não sejam nossos amigos, muito pelo contrário. Mas é fato que a proximidade cria vícios, e é difícil tratar como diretor e produtora seus colegas do dia a dia na sala de aula. Também o roteiro, por tratar de temas e um universo muito próximo da minha própria experiência, em alguns aspectos até autobiográfico, foi finalizado com mais entraves, em comparação com os outros. Se trata da história de um escritor que, isolado em seu apartamento, tenta escrever, sendo constantemente convocado por memórias de sua infância com o pai. Acabei optando pelo drama, com um final fantástico.

Com relação às referências empregadas, fico num misto de receio e respeito em citá-las, especialmente porquê não estou certo se elas estarão tão evidentes no trabalho quanto estão em minhas idéias para ele. Não procurei reproduzir o estilo de nenhum diretor, mas me identifico com aqueles que tratam de temas semelhantes, com uma sensibilidade semelhante. Desde que eu tenho ouvido falar dos filmes de Andrei Tarkovski, os comentários que envolvem a sua pessoa têm me impressionado bastante. No entanto, eu me mantive distante dele durante todo este tempo, talvez por sentir que entrar em contato com este universo seria um momento de grandes mudanças em minha visão de mundo e de cinema.

A intuição mostrou-se acertada. Nesse semestre, resolvi encarar a leitura de seu Esculpir o Tempo. Me encontrei diante de considerações que me pareciam a um só tempo curiosas, inovadoras e familiares. Encontrei um referencial poderoso, alguém que se expressava com meu vocabulário e sobre assuntos que me são caros. Estavam ali noções de espiritualidade, harmonizadas a uma discussão profunda do cinema e da arte. Melhor dizer que para Tarkovski arte e espírito são duas coisas indiferenciadas. Seu pensamento sobre o cinema é eminentemente cristão e esotérico, ao mesmo tempo que concreto, realizado em todas as suas acepções, em filmes sintagmas que tocam em veias profundas daqueles que assim permitem – uma estrutura de oração, semelhante a que ele retrata no artista Andrei Rublev, em filme homônimo. Com Tarkovski, o movimento de câmera e o plano-sequência dignificaram-se a meus olhos, como possibilidade criativa de dilatação do tempo e de aprofundamento emocional – uma afirmação da mística do plano, em contrapartida à mística da montagem. O Rolo Compressor O Violinista (1960), seu filme de graduação, impressiona pela beleza dos planos, pela sensibilidade em captar o universo infantil sem destituí-lo de sua tristeza e angústia. O Espelho (1975) me serve mais diretamente como referência, por tratar das memórias de um homem. Como eu coloquei em outro texto, neste filme “entramos em contato com a memória em si. A liberdade poética se coloca acima da estrutura narrativa de atos, não por fetiche metodológico, mas por uma necessidade intrínseca de cumprir sua finalidade.”

Filmamos em um feriadão e no final de semana subseqüente. Ao contrário do começo, agora tenho um câmera, fotógrafo, assistente, produtora, operador de áudio. Uma equipe de verdade, com pessoas competentes e atenciosas. Aprendi muita coisa nesse meio tempo. Se em Bartolomeu eu fui ao exagero da organização, agora eu já me permito certa liberdade durante as filmagens. O que não quer dizer que eu não faça um roteiro técnico detalhado, com o tipo de plano, a ação, o som contido no plano, cronometragem e numeração.

Nesse filme, como em outros, dirigi e fiz parte do trabalho de assistente. Organizei o roteiro técnico em suas muitas versões. Fiz também a ordem do dia. Pela primeira vez em um set de filmagem, vi um plano terminar de ser filmado na hora marcada. Nós brincamos, conversamos, trocamos idéias, mas sem perder a objetividade em nossos papéis como equipe. Atendemos quando chamamos a nossa atenção mutuamente, trabalhamos às vezes mais rápido, às vezes mais devagar, compreendemos o ritmo uns dos outros. A equipe é uma extensão de meus braços e pernas, vai até onde eu não posso chegar no momento, produz com boa vontade as imagens e sons que elaborei em meus momentos solitários. Da mesma forma, os membros da equipe retornam com impressões in loco de seus trabalhos, trazendo informações importantes, que aprimoram minhas idéias e mantêm minha intuição no eixo – algo importante para um diretor, pois é impossível analisar racionalmente todos os dados que chegam.

Depois de muito tempo, encontrei prazer em dirigir filmes. Melhorei meu relacionamento com os membros da equipe. Eu não gosto da palavra “meio-termo”, por que ela inclui a idéia de que ele deve ser alcançado tirando um pouco de peso dos dois lados de uma balança. Por exemplo, chamar meu comportamento no set de meio termo entre rigor e bom humor seria como dizer que eu não posso nem ser totalmente rigoroso, nem totalmente brincalhão. Mas rigor e humor são coisas que, se não são completas, perdem a sua natureza e se tornam outras coisas. Por isso, prefiro usar uma metáfora paradoxal, mas que represente o equilíbrio que busco de forma mais fiel, isso é: todo o rigor, e ao mesmo tempo todo bom humor. Como a quadratura do círculo.

Nesses quatro anos, estudei de perto a caixa preta do cinema (aquela mesma do Pequeno Príncipe). Medi sua largura e profundidade, calculei seu volume, tateei suas bordas e rachaduras. Ultimamente, tenho visto menos filmes. Diz Schopenhauer que quem lê muito não escreve. Talvez seja o mesmo com cinema. Já acumulei coisas demais, agora é hora de botar para fora. Olhei pelo buraco da caixa, e o que vi me deixou confuso- uma criança me olhava de volta. Ela tinha uma câmera de brinquedo na mão, que fazia um barulho engraçado quando girava a manivela. Estava feliz. Foi então que me perguntei: como alguém se torna diretor de cinema?

2006-09-20T12:04:00.000-03:00

01. Essa menina é premiada! O vídeo é fruto do bem sucedido último trabalho interdiscplinar dELA e de sua equipe.

PRÊMIO QUANTA
R$ 4.000,00 - em serviços para a melhor produção baiana
O CORDEL ESQUECIDO NUM PAÍS SEM MEMÓRIA
Direção: Marcelo Rabelo / Edição: Iris de Oliveira
15' – BA/Brasil – 2005
Documentário

02. I Mostra de vídeos dos alunos do Curso de Cinema e Vídeo da FTC
(Vídeos Premiados)

Local: Cinema do Museu (SaladeArte, corredor da Vitória)
Data: 21 de setembro (quinta-feira), às 20:00h.
Entrada franca.

Programa:

1 - "Solidão a Dois" de Caco Monteiro
Melhor Ficção da Mostra FORCINE do Arraial Cine Fest, 2006. - Ficção (7')

2 - “Onde está Lynch?” de Fábio Espírito Santo, Ana Vitória Araújo, Daniela Haerter.
Melhor Edição no I Santa Maria Cinema e Vídeo RS-2002;
Melhor Vídeo Experimental no VI Festival Universitário de Vídeo do Rio de Janeiro, 2002, RJ; - Ficção (5')

3 - “Maniçoba” de Paulo Hermida
Expressão Cultural no 10° Festival Brasileiro de Cinema Universitário 2005, Rio de Janeiro;
Melhor vídeo eleito pela comissão julgadora no III Cine Capão-2005, Bahia; Melhor vídeo eleito pelo júri popular no III Cine Capão-2005, Bahia;
Premio Ensaio Etnográfico no Primeiro festival de fotografias e filmes etnográficos de Alagoas 2005. - Documentário (9')

4 - “A Sentinela” de Michelle de Paula
Prêmio Oficinando na Mostra do Filme Livre 2006, Rio de Janeiro;
Destaque em Retrato da Realidade Nacional na 11ª edição do Festival Brasileiro de Cinema Universitário, 2006, RJ;
Destaque Escolha de Público no 1o Festival de Cinema Digital de Cajamar, 2006, SP. - Documentário (21')

5 - “Bitola Cabeça Super-8” de Ana Vitória Araújo e Gabriela Barreto
Melhor Documentário 12o Vitória Cine Vídeo – 2005;
Melhor Grito Cine EsquemaNovo, Rs, 2006;
Destaque em Expressão Cultural na 11ª edição do Festival Brasileiro de Cinema Universitário, 2006, RJ. - Documentário (20')

6 - “Cidade da Bahia” de Tatiana Reuter Ferreira
Prêmio Coleção Cidades do mundo – Primeiro Olhar - Visions/Paris 2005. - Documentário (26')

7 - “Subtitled (legenda)” de Alexandre Guena
Contribuição Artística no 9o Festival Brasileiro de Cinema Universitário 2004, Rio de Janeiro. - Experimental (5')

8 - “O fim do homem cordial” de Daniel Lisboa
Melhor Vídeo do 8o Festival Nacional A Imagem em 5 minutos, 2004, Bahia;
Melhor Vídeo do Vídeo Brasil, 2005, São Paulo;
2o lugar no I Festival MEC de Filmes e Vídeos Universitários, 2006, Brasília; Prêmio Especial de Melhor Vídeo Digital Nordestino (Juri Oficial) no 10°Cine PE - Festival do Audiovisual, Recife, 2006. - Experimental (3')

9 - "Sete Sete" de Alexandre Guena
Galgo de Ouro no XIV Gramado Cine Vídeo 2006 (Categoria Universitário Brasileiro - Gênero Videoclipe). - (5')

10 - “Ficou legal... cinema” de João Caçapava
Menção Honrosa pela Edição no 9o Festival Brasileiro de Cinema Universitário 2004, Rio de Janeiro. - Experimental (3')

Duração aproximada: 1 hora e 43 minutos.

2006-09-15T16:20:00.000-03:00

Como alguém se torna diretor de cinema? - Parte 1

Quando ingressei no curso de cinema e vídeo, há quase quatro anos, minha meta era me tornar diretor. Para mim, era como se os filmes viessem de um espaço mítico e inalcançável. Ao mesmo tempo que reforçava minha vontade em alcançar o cinema, esse sentimento me causava (e no fundo ainda causa) um certo sofrimento. Se assistir aos filmes me proporcionava momentos de prazer, ao mesmo tempo eu me ressentia com a certeza de que nunca seria capaz (ou teria os meios) de produzir obras como as que eu admirava, com toda a excelência técnica e capacidade de comoção dos grandes clássicos. Para mim, o cinema era uma caixa preta. Me lembrei agora do Pequeno Príncipe (provavelmente o de Stanley Donen, 1974), um dos inúmeros filmes que vi na TV na Sessão da Tarde e afins. Dentro da caixinha que ele desenhava no papel, podiam existir muitos universos. Mas não se podia olhar pelo buraco. Como na caixinha do filme, no cinema cabe tudo o que a mente humana pode conceber. Mas a mesma não pode ser aberta, não podemos espiar através do buraco. Na tela de cinema, mundos passam à nossa frente como num grande panorama, mas, se vamos até ela, somos surpreendidos em nossa ilusão – só encontramos luz e sombras sobre o tecido. Da mesma forma, quando nos aproximamos da televisão (e eu fiz isso muitas vezes, quando criança), na tentativa de absorver a essência da imagem, só encontramos pontos de luz desordenados e padrões de cores em mutação.

Então, veio o curso de cinema. Primeiro uma enxurrada de filmes, o beabá. Eu criança, fascinado e surpreendido com minha ignorância, assisti aos filmes dos Lumiére, as variedades que Edison passava em seu kinetoscópio, Buster Keaton e a invenção da comédia no cinema, Um Cão Andaluz (1929), sobre o qual fiz minha primeira tentativa decente de criticar um filme. Dos movimentos inaugurais, me impactaram os filmes do expressionismo alemão, pela carga dramática, temática incomum e magistral uso da montagem para comunicar sem palavras ou texto - a busca pela narrativa visual presente em filmes como O Gabinete do Dr. Caligari (Robert Wiene, 1920) e, de forma mais completa, em A Última Gargalhada (1924, Murnau).

A decepção com o cinema brasileiro em geral é acompanhada por exceções grandiosas, a exemplo da narrativa inteligente de O Bandido da Luz Vermelha (Rogério Sganzerla, 1968). Além disso, havia a genialidade e excelência de diretores como Nelson Pereira dos Santos (Boca de Ouro - 1963, Vidas Secas - 1963, Como Era Gostoso o Meu Francês – 1971, Memórias do Cárcere - 1984...), Humberto Mauro (A Velha a Fiar - 1964), Domingos de Oliveira (Todas as Mulheres do Mundo - 1967) a me mostrar que, salvo os contratempos ideológicos, a narrativa visual no Brasil tinha grandes exemplos criativos. Das aulas de cinema brasileiro, Os Fuzis (1964, Ruy Guerra) me marcou de forma especial, pela sobriedade de sua narrativa, aproveitando ao máximo as possibilidades oferecidas pelos enquadramentos - coesão estética que se potencializa em todas as instâncias, seja na interpretação visceral de atores como Hugo Carvana e Átila Iório, seja no uso da trilha, respeitando a atmosfera sertaneja, seja na fotografia estourada, sertaneja, em que o sol engolia a todos com suas labaredas de luz – poesia criada na realidade dura.

Vieram os outros semestres, e a necessidade de produzir vídeos. O primeiro curta utilizou o espaço da própria faculdade. Chamado Segurança Máxima (segundo semestre, 2003), era sobre um bandido que roubava o cartão de acesso de um aluno no estacionamento da FTC, entrava na faculdade, participava das aulas, lia livros de direito criminal na biblioteca e depois ia embora feliz da vida. Depois disso, veio a tragédia de Paralela: Siga em Frente (segundo semestre, 2003). Além do tema asfixiante proposto pela faculdade (a Avenida Paralela, onde a mesma se situa), a completa inexperiência da equipe (eu incluído), Não existia ordem do dia, planificação, e nem a figura do diretor. Porralouquice com algumas imagens interessantes, hoje perdida em algum buraco da FTC.

Nesse meio tempo, conheci e me apaixonei pelos filmes de Bergman, que devorei em poucos meses, junto com outros clássicos, em idas constantes à GPW na Pituba, e a uma locadora mais barata da Mouraria. Sorrisos de Uma Noite de Verão (1955), comédia que criticava com amor e sensibilidade a sociedade européia, envolvia no bucolismo campestre a tristeza dos personagens dignificando suas fraquezas. Persona (1966) colocava em chegue minha tendência a julgar os filmes sempre pelo viés da narrativa clássica. Já em Gritos e Sussurros (1972), primeiro colorido que vi de Bergman, comecei a construir a imagem que eu iria buscar em meus filmes – uma fotografia com poucas cores, sóbria e discreta. Além disso, havia a curiosidade pelo estranho, pelo tom de fábula existencial presente neste e, de forma mais concentrada, em O Sétimo Selo (1957). Por muito tempo tive em Bergman um modelo de cinema. Mas não me arrisquei a criar nada que dialogasse com ele – para mim aquilo era cinema, enquanto o que eu fazia eram simplesmente vídeos.

Redondo,vídeo estrelado por Ronei Jorge.

O próximo vídeo na faculdade foi Redondo (terceiro semestre, 2004). Dessa vez, uma comédia. Um aficionado por vinis que parou no tempo recebe em sua porta uma caixa cheia de CDs. Surpreendido com aquele objeto estranho, resolve tocar na sua vitrola. Entra a música tema de 2001, Uma Odisséia no Espaço (1968), enquanto o personagem destrói os CDs num acesso de fúria, em paródia à famosíssima cena do filme de Stanley Kubrick. Depois disso, ele aplicava fermento e tinta preta no CD, e o cozinhava no forno. O CD vira um vinil, que ele ouve felicíssimo. Fim. Vídeo bem compreendido em sua primeira apresentação (para professores e alunos da FTC), que causou (e tem causado) forte identificação com quem o assiste. Na sessão inaugural, fomos aplaudidos no meio do vídeo, o que nos deixou muito felizes. O roteiro foi meu e de Ian Fraser, a partir de argumento de Ronei Jorge, com produção de Carine Bomfim e Luana Mellado. Já na direção, por falta de propostas, optamos pela coletiva. O vídeo escapou de ser um desastre por conta da afinidade que tínhamos eu, Ronei e Ian, o que promoveu um movimento criativo com direção comum. No fundo, fomos três diretores.

No semestre seguinte, quando para mim o mais natural seria prosseguir em meu caminho de construir uma linguagem audiovisual no terreno da ficção, vem a bomba: documentário. Vencidos os traumas, bolei um projeto sobre os animais do Zoológico de Salvador. Projeto amplo, que visava captar o sentimento geral da atmosfera do lugar, dos animais e tratadores – o vídeo se chamaria Melhor Bicho que Gente (quarto semestre, 2004), nome tirado de uma fala presente no trabalho. Por ausência de foco, tivemos belas imagens que não contavam uma história. Acabamos optando por um plano seqüência, em que um tratador (Adaílton) brincava com os leões. Muito bom personagem, com tiradas excelentes. E os animais ali, desprovidos do ar agressivo e selvagem, se comportando como verdadeiros animais de estimação, recebendo carinhos do tratador, que fazia considerações a respeito de seu trabalho, soltando, em um certo momento, a frase título – segundo ele, trabalhar com gente é muito ruim, com bicho é muito melhor. Fomos criticados pela qualidade do som e pela câmera tremendo (talvez venha daí minha atual aversão a câmera na mão). É um vídeo do qual me orgulho, por ter uma carga de beleza e sensibilidade que me deixaram satisfeito na ocasião. É leve, singelo.

Luana atuando em Rosas Negras. Ive ao fundo

O próximo trabalho veio a se chamar Rosas Negras (quinto semestre, 2005). Foi minha primeira direção propriamente dita, com o cargo estabelecido e funções na equipe. Eu e Ive Dantas decidimos produzir um filme de terror, baseado em conto de Nelson Rodrigues cujo nome me escapa. As filmagens seriam realizadas na casa de Ernesto (câmera e assistente de direção). Esse vídeo foi um marco para mim e para Ernesto, pois nele pudemos aplicar muitas idéias que aprendemos e compartilhamos - a preferência declarada pelo artesanato da ficção, em especial o resumo feito por David Mamet no livro Sobre direção de cinema. A simplificação do diretor vinha muito a calhar para nós na época. Ele dizia basicamente que um filme deve ser contado através de “imagens não infletidas” (até hoje não sei bem o que vem a ser “infletida”), quer dizer, imagens que dão contam da ação de forma simples, objetiva, sem uso de texto, fala ou clichês. Onde você deve colocar a câmera? Mamet responde: onde você obtiver a imagem que melhor contar sua história. Simples assim. Em Rosas Negras, foi a primeira vez em que planificamos um roteiro. O resultado foi um vídeo que se articulou bem na montagem, criando o efeito do terror de forma eficiente sem cair no trash, e até assustando um pouco – considerando o ambiente ideal uma sala escura e o filme projetado. Os professores ficaram positivamente impressionados, e foi então que ouvimos Geraldo Sarno fazer o primeiro (e provavelmente único) elogio a nossa turma: ele disse que nós dominávamos a linguagem do cinema. Exagero à parte (sou humilde o suficiente para reconhecer a generosidade de um professor), ficamos muito felizes, pois conseguimos elaborar um discurso compreensível, que resultou em uma resposta emocional do público. Já era muito para quem dois anos atrás não sabia nem para onde ia em matéria cinema.

A Ferrovia (sexto semestre, 2005), foi para mim o mais traumático. Isso por que, em outros vídeos que fiz, eu tinha consciência que as deficiências do produto final derivavam de um conjunto de fatores que não me proporcionaram as condições materiais e intelectuais necessárias à realização. Já nesse, o que aconteceu foi um problema sério, que se estendeu a todas as etapas: a falta de uma poética própria e verdadeira, a recusa e o medo em arriscar-se a colocar no trabalho os elementos que compunham o meu próprio universo de referências. Este é um projeto atípico. Por diversos motivos, me vi longe das parcerias que eu havia construído em outros semestres. O resultado foi um roteiro amarrado, difícil. Me perdi na filmagem e deixei de realizar planos importantes. Filmamos rápido demais, uma correria alucinante, um elenco gigantesco. A montagem foi um sofrimento, a exibição uma tortura, e o veredicto, uma execução. O vídeo virou piada. Com o passar do tempo, revi os motivos que pesaram sobre o insucesso do trabalho, e cheguei à seguinte conclusão: eu não deveria ter dirigido nada aquele semestre. Simplesmente não era o momento. Depois disso, além de eu ter me tornado um diretor excessivamente organizado, aprendi que eu só devo dirigir aquilo que conheço. A Ferrovia era um melodrama, algo muito distante de minha experiência como cinéfilo. Depois de assistir a esse trabalho, um professor me perguntou se eu queria mesmo ser diretor, ou se pretendia seguir a carreira acadêmica. Percebi o que ele queria dizer com aquilo. Respondi que pretendia fazer as duas coisas. E segui em frente. Aquela pergunta representava a dúvida de muitas pessoas com relação a mim, e eu precisava fazer algo a respeito. Dali em diante, eu decidi encarar meu trabalho como diretor de uma forma muito mais profissional, agarrando com força todas as oportunidades. No sétimo semestre, eu me candidataria à vaga de diretor do meu próprio roteiro, no trabalho da matéria Oficina de Produção: um curta em película 16mm, com três latas, revelação e telecine fornecidos pela faculdade.

(continua...)

CURTAS...

2006-09-08T19:38:00.000-03:00

1- Em fase de gravação o curta "Pegadas" - Direção e Roteiro - Davi Lopes Ramos e Produção - Luana Mellado. No elenco os atores Gésner Braga , Fernando Neves e Lucas. O projeto é o trabalho de conclusão de Davi (Ele) e tem a orientação do queridíssimo professor Bruno Pataro. Em breve notícías e fotos do vídeo.

Fragmento do roteiro:

TELA PRETA - LONGO SOM DE MAR
FADE IN:

INT. APARTAMENTO DE D. - DIA
Pelo furo no plástico preto, um facho de luz vai até o rosto de D., 30 anos, magro e alto. Acorda, coloca os óculos foscos de cor preta. A janela está toda coberta por plástico preto, mas cheia de furos. D se levanta, sai e reaparece com fita crepe e jornais velhos. Cola jornais por toda a janela, mas ficam ainda alguns buracos, por onde entram fachos firmes de luz. D. os cobre com a fita, e o quarto fica completamente escuro. Som de passos. D. acende a luz do apartamento.

2- Divulgada a lista dos premiados no Braskem 2006. Entre eles, nosso colega blogueiro ( que certamente escreverá bem menos agora) César Fernando de Oliveira do http://oespelho.wordpress.com com o projeto " 10 Centavos". Confira a lista no site http://www.braskem.com.br

3 - Começa hoje a XXXIII Jornada Internacional de Cinema da Bahia. Confira a Programação no site do evento http://www.jornadabahia.com

4 - Impossível não comentar a passagem da banda Móveis Colonias de Acaju por Salvador. Junto com Zackarias Nepomuceno - PB e Ronei Jorge e os Ladrões de Bicicleta - BA os caras fizeram um show dançante, alegre e porque não... cinema!

Mais informações sobre a banda no http://www.myspace.com/moveis

5 - Curta no Extudo exibe premiados em Gramado/2006:
A programação do dia 12 de setembro traz para o seleto público do Curta no Extudo a oportunidade de assistir aos 5 vídeos baianos premiados no XIV Gramado Cine Vídeo. Os clipes “Sete Sete”, do grupo Ronei Jorge e Os Ladrões de Bicicleta, dirigido por Alexnadre Guena e “Non Enhanced Heat CT”, da banda Plane Of Mine, dirigido por Renato C. Gaiarsa e Rodrigo Luna, venceram nas categorias melhor videoclipe universitário brasileiro e melhor videoclipe/musical independente, respectivamente. Os outros três são: “Reversos”, de Daniel Dourado, Gabriel Teixeira e Paula Príncipe (melhor ficção independente); “Ballet du Senegal”, de “Daniel Lisboa, Liana Cunha, Luciano Santana, Rosalvo Neto” (melhor reportagem universitária brasileira) e “Kizomba”, de Dayane Sena, um programa criado em 2005 com o objetivo de fazer um panorama do cenário da música alternativa em Salvador e eventualmente, do restante do país. Além dos trabalhos legitimamente baianos apresentaremos também o curta de Virginia Jorge, “No Princípio Era o Verbo”, diretora capixaba mas que reside em Salvador. Virginia fez bonito e trouxe na bagagem três prêmios do 34º Festival de Gramado, o kikito de melhor roteiro, prêmio especial do júri e prêmio Canal Brasil.
Seleção imperdível. Compareçam. É grátis!

O quê: Projeto Curta no Extudo
Quando: 12.09 (terça-feira) as 20:30h
Onde: Restaurante Extudo – Rua Lídio de Mesquita, 04 Rio Vermelho, Tel: 3334.0671 / 4669
Quanto: Entrada franca
Informações: Fabíola Aquino (71 9143 8641) e Cristiane Pinho (71 8137 6271)

6- Arthur é o cara!

"Quando observamos a quantidade e a variedade dos estabelecimentos de ensino e de aprendizado, assim como o grande número de alunos e professores, é possível acreditar que a espécie humana dá muita importância à instrução e à verdade. Entretanto, nesse caso, as aparências enganam. Os professores ensinam para ganhar dinheiro e não se esforçam pela sabedoria, mas pelo crédito que ganham dando a impressão de possuí-la. E os alunos não aprendem para ganhar conhecimento e se instruir, mas para poder tagarelar e para ganhar ares de importantes. A cada trinta anos, despontam no mundo uma nova geração de pessoas que não sabem nada e agora devoram os resultados do saber humano acumulado durante milênios, de modo sumário e apressado, depois querem ser mais espertas do que todo o passado. É com esse objetivo que tal geração frequenta a universidade e se aferra aos livros, sempre aos mais recentes , os de sua época e próprios para sua idade. Só o que é breve e novo! Assim como é nova a gerção , que logo passa a emitir seus juízos. - Quanto aos estudos feitos simplesmente para ganhar o pão de cada dia, nem os levei em conta."

Arthur Schopenhauer (1788-1860)

Mas é tão atual! Livros são mais do que simples objetos de decoração e Cinema é coisa seríssima ( pelo menos pra mim que vou morrer e viver disso)

P.s.: Sim, depois de A dama na água fiquei pirada ( sempre estive) com cinemão pipoca.
P.s.2.: Sim, Davi está ocupado filmando. Qualquer coisa, mirem para Ela.

Abraço pra quem é de abraço

2006-08-30T14:32:00.001-03:00

O Espelho (Zerkalo, de Andrei Tarkovski - União Soviética, 1975)

Diz Tarkovski em seu Esculpir o Tempo, e o mesmo se verifica neste filme, que O Espelho trata das memórias de um homem. O flashback é uma estratégia que o filme dispensa, para partir num rumo mais corajoso. Se apresentasse o seu mote desde o início, estaríamos diante de uma obra sobre alguém e suas memórias. Da forma como vemos, entramos em contato com a memória em si. A liberdade poética se coloca acima da estrutura narrativa de atos, não por fetiche metodológico, mas por uma necessidade intrínseca de cumprir sua finalidade.

A vida de um homem por ele mesmo, as lembranças carregadas de intensa verdade emocional, o ciclo natural, universal, cósmico contido na história de um ser humano. Difícil escrever sobre filmes que questionam nossas concepções mais profundas de cinema e de vida. Para tratar deles, somos obrigados a agregar a nosso texto um novo vocabulário, que expressará de forma incompleta nossas percepções.

Com isso em mente, me sinto livre para dizer que O Espelho tem uma estrutura de oração, e que é certamente um filme produzido com muita fé, não propriamente em si mesmo, mas em uma concepção de mundo que transpira verdade. Para parafrasear um francês, vinte e quadro vezes por segundo. Este é o quarto filme de Tarkovski, e está claro nesse trabalho o ápice de uma rica etapa de seu amadurecimento artístico. As estruturas formais se submetem a uma poética poderosa, que é uma estrutura em si. Como a poesia escrita, a obra pede uma atenção especial, e só pode ser compreendida se fruída sob a total entrega da parte do espectador. O acordo, se aceito, mostra-se vantajoso – a alta aposta que o diretor faz em seu material é plenamente recompensada por um clímax retumbante, que se realiza pelo relacionamento entre cenas aparentemente desconexas à primeira vista. Efeito a um só tempo sensível e matemático (ou sensível porquê matemático), impressiona de maneira imprevista e conduz ao insight da admiração plena, seja filosófica, imagética, espiritual. Assim como todos precisam de alguma forma se relacionar com suas lembranças, O Espelho precisa ser visto.

2006-08-30T14:27:00.000-03:00

Como nós fizemos semestre passado, agora uma outra turma está se preparando para o desafio película do sétimo semestre de Cinema e Vídeo da FTC. O projeto se chama Bar. Tive oportunidade de ler o roteiro, história boa, simples e bem contada. O curta promete. O blog da galera aqui: http://www.barcurtametragem.blogspot.com/

COISAS DA BAHIA...

2006-08-21T12:15:00.000-03:00

Sai a lista dos premiados no Gramado Cine Vídeo. Entre eles:

Melhor Gênero Ficção:

REVERSOS (Ba), de Daniel Dourado,Gabriel Teixeira e Paula Príncipe .
Duas faces de uma mesma realidade. Através do olhar de um assaltante, opressor e oprimido, o espectador embarca numa montanha russa de violência, onde não existe trégua nem perdão.

Ganhador do Festival dos 5 Minutos em 2005 repete a façanha em Gramado.

Melhor Gênero Videoclipe/Musical:

NON ENHANCED HEAD CT (Ba), de Renato C. Gaiarsa
Clipe da banda Plane of Mine .

Ultra-mega bem feito! Supeita pra falar porque adoro a banda. Fotografia e edição impecáveis

VENCEDOR Categoria TV UNIVERSITÁRIA
Prêmio Destaque do Júri: KIZOMBA (BA), TV UNIFACS
KIZOMBA – XIX FESTIVAL DE MÚSICA INSTRUMENTAL DA BAHIA(Programa de TV) 20’20”.

O programa Kizomba foi criado em 2005 com o objetivo de fazer um panorama do cenário da música alternativa em Salvador , gerando oportunidades para os cantores e compositores que se encontram afastados da mídia dominada pela indústria do “axé music”. O programa em foco para o Gramado Cinevídeo, reuniu diferentes vozes alternativas, através da cobertura parcial da XIX edição do Festival de Música Instrumental da Bahia.

Parabéns para o povo da TV!! Puxando sardinha, a edição foi minha!

VENCEDOR Categoria UNV. BRASILEIRO
Gênero Videoclipe: SETE SETE, de Alexandre Guena (FTC-BA)
Clipe da banda Ronei Jorge e os Ladrões de Bicicleta. Idéia simples. Música boa. Novamente suspeita pra falar. Amamos a banda!

Maluquices da festa Nave (sábado, 12 de agosto)

2006-08-15T19:03:00.000-03:00

1- Ele - Indiana Jones
2- Ela - Dadinho
3- Jero - Willy Wonka
4- O povo junto

1- DJ!
2- Projeção
3- Jimmy del mar
4- Alex

CINEMA TAMBÉM É FOLIA!

2006-08-12T10:51:00.000-03:00

Personagens e Personas

FIM DE FÉRIAS!

2006-08-08T19:48:00.000-03:00

O Rolo Compressor e O Violinista (Katok i skripka, Andrei Tarkovsky, 1960)

Outro dia, lemos, no blog irmão www.canetagens.blogspot.com, um texto sobre a busca da poesia. Em tempos de tão pouca sutileza e imaginação, esse questionamento surge em nossas cabeças (na de todos nós, embrenhados no campo da arte ou não) quase que religiosamente, todas as manhãs, acompanhado de um amargo gole de café que empurra goela a baixo a tal "preocupação desnecessária", introspectiva demais para meu (nosso) gosto. Em nosso caso, nem com mil litros de café (e Davi não bebe café) conseguimos nos desvencilhar da questão.

Por incrível que pareça (ou não...), assistir a novos filmes tem sido para nós uma experiência frustrante. Nos sentimos cada vez mais sozinhos. Observamos um relaxamento perigoso do sento crítico em geral, e filmes claramente problemáticos ganham não só o grande público, mas também o aval de uma crítica de validade duvidosa, influenciada pelas campanhas de marketing.

Obviamente, quando nos deparamos com algo que nos traz alguma luz, alguma resposta, o gozo é total. E assim tem sido a cada "coisa nova" que descobrimos de Tarkovski. O destino nos proporcionou um encontro com a filmografia de Andrei. Como vocês sabem, estamos no momento de finalização de nosso curso de Cinema (Ele fará um curta de Ficção, Ela escreverá sobre Documentário e Poesia). O processo inclui não só ler muitos livros como também assistir muita coisa. Entre as "coisas" assistidas está O Rolo Compressor e o Violinista, primeiro filme de Tarkovski, o TCC do homem! Melhor referência impossível. É claro que não ousamos comparar as condições de trabalho do jovem Tarkovski com seus 28 anos, estudante de uma escola de cinema na URSS de 1959 com a nossa realidade - como disse no início de texto - tão carente de poesia, recursos e tudo mais. Mas é fato que a energia primária, o desejo e a doce coincidência existem.

É claro que o fato de termos assistido a outros filmes do diretor influenciou nossa maneira de receber a obra. De forma condensada, o filme contém todas as intenções poéticas, estéticas e mesmo sociais que o diretor, em seus filmes seguintes, manipulou de maneira mais consciente, criando uma filmografia marcada pela inteligência, simbolismo e poesia.

A história e o "clima" de O Rolo Compressor... lembram o cinema neo-realista Italiano. Sasha é um menino apaixonado por música que toca violino e, hostilizado pelos outros de sua idade, encontra refúgio na amizade de Sergei, um trabalhador que opera o rolo compressor em sua rua. A relação entre estes universos distintos ilustra o encontro e desencontro entre a arte e aspereza, lirismo e a realidade, infância e vida adulta. Os planos, pintados com preciosismo pelo diretor, parecem contemplar os elementos da natureza. Tudo é poema no cinema de Tarkovski. A música tema do curta materializa a própria noção do Belo, invade o filme e faz com que tudo se volte para ela. Como se não bastasse, ainda somos presenteados com um humor leve, sutil e gracioso - maluquices de crianças que nos fazem rir espontaneamente.

Pelos olhos do violinista, percebemos o mundo de outra forma - um mosaico brilhante e iluminado que o faz perder o tempo, e nós junto. Quando ele chega para uma audição, oferece uma maçã à bonita e desconfiada menina que, sentada, também espera, proporcionando um dos momentos românticos mais belos do cinema. No fim, ela aceita o presente. O tempo da cena parece encarnar o próprio sentimento do amor.

Sob o olhar impressionado do pequeno Sasha, um prédio é destruído ao som de uma música em tom maior - o sentimento positivo da cena surpreende e nos coloca dentro do fascínio infantil do personagem. Em outro momento, a rígida professora de violino opõe às divagações musicais de Sasha o frio ritmo do metrônomo. Quando o mesmo toca para seu amigo Sergei, na rua, é a gota d’água que cai numa poça que marca o ritmo. Na primeira cena, está o ritmo matemático, a frieza da disciplina. Na segunda, o lirismo extravasa, o símbolo cria poesia – a gota d´água que cai na poça marca o tempo da vida. É o uso de elementos assim simples, de beleza própria e singela, que marcam o filme e ampliam seu efeito. O Rolo Compressor e O Violinista é um filme honesto, que denota em seus planos o desejo de comunicar a essência da beleza e do bem – a inteligência encontra-se a serviço da arte, e não em prol do reconhecimento. A delicadeza da estratégia formal reflete a sensibilidade dos personagens principais, unidos por um verdadeiro pacto poético, fraterno, tocante. Bom começo é pouco – Tarkovski teve uma estréia de gênio.

NAVE CINEMA! VÃO!

Abraços para todos!

Uma pausa

2006-07-25T18:55:00.000-03:00

OLÁ POVO!

O blog está de férias! Dedicação total para os nossos Projetos de Conclusão de Curso.

Em breve novos textos sobre Cinema e Amor ( temas inesgotáveis do nosso cotidiano). Continuem nos visitando e lendo os textos antigos.

Zeca e Chiquinho ( pessoas temperamentais)

Abraços
Ele e Ela

Boas Novas!

2006-07-17T11:15:00.000-03:00

O Documentário "O CORDEL ESQUECIDO NUM PAÍS SEM MEMÓRIA" (Direção: Marcelo Rabelo; Edição: Iris de Oliveira) na XXXIII Jornada Internacional de Cinema da Bahia.

XXXIII Jornada Internacional de Cinema da Bahia divulga filmes e vídeos selecionados para a Fase de Concurso - 37 filmes e 54 vídeos foram selecionados. Mais de 350 produções do Brasil e de países como Argentina, Espanha, Chile, Moçambique, Venezuela, Portugal e Cuba se inscreveram para o festival, o segundo mais antigo do país. Os filmes e vídeos concorrem nas categorias ficção, documentário, animação ou experimental. O diretor da Jornada ressalta que devido à alta qualidade dos trabalhos inscritos muita coisa boa ficou de fora, mas “o importante é que o público terá um panorama do que de melhor vem se fazendo em termos de cinema na América Latina”.

CONFIRA A LISTA DOS SELECIONADOS NO SITE DA JORNADA

Da série - Passionais

2006-07-11T16:05:00.000-03:00

Solveig Dommartin (Marion) em Asas do Desejo. O poema mais bonito da História do Cinema .

Escaletas...

Cena1
Finalmente saíram. Ela chegou com um sim. Ele, com um talvez. Conversas amenas, propósitos obscuros. E assim, de uma forma subtendida, aconteceu. Sem falarem muito, continuou. E continuou. E continuou. Ela o colocou dentro dos filmes, ele não quis sair. Falaram uma palavra juntos, e juntos estranharam que tantas coisas já estivessem, aparentemente, juntas. Pareceu coisa marcada, necessária. Do destino, enfim. E hora nenhuma foi estranho, como era de se imaginar. Ele esperou que isso acontecesse, e nada. De repente estavam em casa. Rápido demais. E dormiram numa cama de "talvezes", com a cabeça nos "e ses..." e, lá no fundo, escondido entre risos e lembranças, um "tomara".

Cena 2
Você me gritando, aqui na rua, porquê ficou com meu caderno. Aquele beijo apressado, meio engraçado, que a gente deu. E depois você correndo pra casa com um jeito de criança que roubou um pedaço de bolo. Os dois, cada um em sua cama, um plano de cima, olhando pro teto, olhar perdido...

Cena 3
Ela acordou com sono. Foi tirando a roupa bem devagar e espalhando um rastro de preguiça pela casa. Tomou banho, saiu com frio, se enrolou na toalha e foi até a varanda. O sol bateu no rosto. Ela o viu. Camisa vermelha. Seu. Ele olhava para o celular impaciente. Ela quis gritar seu nome, desistiu, balançou a mão, ele não viu. Ela ficou assim, de longe olhando, enrolada na toalha, tomando sol. Ele não pegou o ônibus. Caminhou e sumiu entre os prédios. Ela tentou ligar, os créditos do celular (dele e dela) tinham acabado.

Feliz Aniversário Davi!

Meu Moleque Maravilhoso! Canceriano mais lindo terra!
Pra comemorar...

Dia 15 de Julho

OS MIZERAVÃO E REWRIS BLUES BAND
Local: Dubliner Irish Pub
Horário: 22:00
Preço: R$ 10,00

Dia 19 Agosto

FESTA PLOC em SALVADOR!!
Luiz Caldas, Alexandre Peixe, Faustão, Banda Ploc (Dominó, Trem da alegria, Inimigos do rei, Rosana, Silvinho Blau Blau)
Local: Circo Bolshoi

Caros leitores, desculpem os transtornos "amorosos" , em breve mais textos sobre Cinema .

Abraços!

Ela

Escrever sobre o que se ama - Parte 1 : CINEMA DOCUMENTÁRIO

2006-07-06T17:52:00.000-03:00

Eu (Ela) descobri o Cinema Documentário através das aulas de Francisco Serafim ( acho que atualmente ele leciona na UFBA). Serafim é um professor muito generoso e suas aulas são libertadoras. Os filmes e os textos que ele utiliza são incríveis e me fizeram perceber o Cinema de uma forma mais bonita, mais sincera.

Resenha do texto: “Antropologia e Cinema” de "Marc-Henri Piault

O interesse das Ciências Sociais, principalmente da Antropologia, na experimentação audiovisual não é ocasional. No entanto, a opção pela utilização da nova forma no método de pesquisa não se dá de forma tão simples. A lógica das novas linguagens se desenvolve e muitas vezes perdemos o domínio.

A complexidade do campo de exploração constituído pelo audiovisual proporciona um outro tipo de comunicação e abre possibilidades de visão sobre o objeto observado. No entanto, em muitos casos, essas possibilidades se “enquadram” às necessidades das sociedades que as experimentam.

Nanook of the North

A Antropologia nascida de um questionamento sobre sociedades diferentes utiliza o cinema rapidamente. Acredita-se na maior validade do registro pelas imagens animadas e posteriormente com som sincronizado. O sujeito agora fala, se manifesta, é visto , tem voz . Por mais que o processo seja mediado (editado) o objeto está ali. “Torna-se cada vez mais difícil impedir a expressão do outro”. Objeto-sujeito relativiza o observador. A Antropologia, disciplina da observação desenvolvida no fim do século XIX, nasce junto com o cinema. O médico Félix-Louis Regnault, junto com seu assistente Jules-Étienne Marey, filmaram uma mulher Ouolof enquanto esta produzia potes de cerâmica. As imagens fazem parte de uma exposição sobre a África Ocidental. Meados do século XIX, começo do cinema etnográfico. Entretanto, a antropologia não acompanha o desenvolvimento do cinema no que diz respeito ao seu uso, encarando o registro cinematográfico como um instrumento secundário.

O Cinema se apropria com mais eficiência dos domínios da Antropologia circulando intensamente nos mundos diferentes (que o texto trata como exóticos), alimentando e formando a fantasia do mundo ocidental. Os métodos da Antropologia contribuem nas filmagens das terras distantes e enriquecem a exploração.

Antropólogos mais rigorosos privilegiam o texto escrito à mise-en-scène; cineastas classificam o filme etnográfico como enfadonho e nada atraente. A postura, tanto dos cineastas quanto dos antropólogos tem fundamento, no entanto, são extremamente relativas às necessidades de cada um e não às possibilidades da obra.

Outra importante e já conhecida questão levantada pelo texto é a que diz respeito à postura do observador diante da situação observada: “Referências ideológicas e intenções culturais interferem no processo de observação”, logo, a questão que surge: Para ser um bom pesquisador é necessário se despir de bagagem cultural ou mesmo não possuir ideologia? Certamente que não, a questão é saber usar este conhecimento para que ele não vire a base para posturas preconceituosas e colonialistas.

A falta de “tato” par parte de alguns realizadores do cinema etnográfico em relação aos instrumentos e possibilidades do cinema, resultam numa obra mal feita, mal resolvida e mal “representada”. No entanto, esta “forma de representar”, como é exposto pelo autor , acaba algumas vezes por ser absorvida pelo próprio cinema de ficção. Resultado : Paradoxo da representação que possibilita a quebra da diegése mas não a quebra do sentido e da verossimilhança, pelo contrário, reforça a dimensão de realidade. O Cinema de Godard observa e absorve o Cinema de Rouch.

Os primeiros registro durante o trabalho de campo foram realizados por Regnault e Azulay na França no fim do século XIX e por Haddon no Estreito de Torres em 1898 ambos munidos das tecnologias Edson e Lumière. Em 1901 e 1912 Baldwuin Spencer filma os Aranda na Austrália Central e em seguida, Rudolf Poch filma em Nova Guiné e África do Sul. Surgem as dificuldades e imprevistos em relação aos equipamentos, surgem também as soluções. O cinema é caro e os antropólogos acadêmicos ligados à escrita ganham mais um forte argumento para ir contra a colaboração do cinema na pesquisa etnográfica.

“ Desta época que viu nascer o cinema restou um conjunto de realizações que, por não terem sido feitas por antropólogos, constituem uma contribuição essencial, a título de documento para o conhecimento das sociedades de então”.

O Cinema nasce documentário.

Lumière filma a rotina de trabalhadores de uma fábrica, Edson registra as danças de Samoa, os Pathé inventam o noticiário e Meliès o mágico, vai explorar a Lua ( que apesar de distante não é um local fictício). Em 1912 Gaston filma documentários romanceados no Pacífico. Em 1914 Edward Curtis fotografa índios americanos e seu filme In the Land of the Head Hunters reconstitui cenas de hábitos que fizeram parte do passado de um povo. Este período termina com o início da primeira Guerra Mundial quando é retirado do cinema o simples estatuto de divertimento passando a ser instrumento de outros interesses. Surgem Vertov e Flaherty e com eles antropologia visual. Franz Boas filma em 16 mm.

1936 e 1938 Gregory Bateson e Margaret Mead integram verdadeiramente o cinema no processo de pesquisa. Organizam um importante e grandioso trabalho de registro durante o tempo que passaram em Bali e Nova Guiné (mesmo durante o período tenebroso da 2º Guerra). Em 1946 a retomada dos trabalhos com a missão Ogooué-Congo é organizada por André Leroi-Gourhan. Neste mesmo período Rouch inicia seus trabalhos e descontente com seus primeiros experimentos (buscando fugir das convencionalidades do discurso cinematográfico) tenta realizar um cinema “puro”, livre daquilo que “é estranho ao diálogo entre o observador e o observado”, um discurso mais verdadeiro e mais subjetivo. Seus primeiros trabalhos: Lês Magieiens de Wanzerbé Circoncision e Iniciation à la dance de possession na África.

Iniciation à la dance de possession

Em 1950 aparecem os primeiros gravadores portáteis. Em 1960 Rouch e Morin realizam Chronique d´un été. Nos Estados Unidos , Leacock realiza Primary. O Cinema-Direto, o “Cinema-Leve”, proporciona uma revolução que atinge todo o cinema: fazer, sentir, postura do realizador, resultado.

Com o aperfeiçoamento da técnica, é necessário repensar e refletir sobre o processo do “representar” tanto no Documentário quanto na Ficção.

O exótico e o distante das culturas “além mar”, dividem espaço com trabalhos sobre sociedades urbanas, sobre nós mesmos. Mais dos que se atrelar apenas às questões técnicas que viabilizam a obra, é necessário acima de tudo, aperfeiçoar o olhar, acompanhado as mudanças da sociedade e compreendendo que também fazemos parte dessas mudanças. Quando produzimos documentários não só estamos registrando fatos, estamos expondo nossas reflexões sobre a realidade.

Man of Aran

A forma da relação que se estabelece entre o observador e o observado, é certamente, exteriorizada no resultado da pesquisa. Saber ouvir e saber observar são exercícios difíceis para quem não utiliza no próprio dia-a-dia os sentidos. O respeito e a curiosidade sincera pela cultura do próximo é a base para o estabelecimento da COMUNICAÇÃO ente os seres.

P.S.: E que Deus me ajude nesse TCC maluco que eu inventei de fazer!

P.S2.: Estamos loucos ( Eu e Ele) com a filmografia de Tarkovski ( Angel, nós te amamos!)

P.s4. : Davi, Feliz Niver antecipado! Você é especial pra mim! Grande homem, lindo, nobre e inteligente que atura minhas maluquices, que me ensina tanta coisa, que corrige meus textos!!Toda sorte do mundo pra você e que as experiências ruins do seu passado se covertam em energia positiva para nosso futuro. E assim será ( não é promessa, é ordem).

P.S3.: Agradecemos pelas visitas! Apareçam!

Um Filme Falado

2006-07-05T15:44:00.003-03:00

Um Filme Falado, Manoel de Oliveira, Portugal, 2003

Sinpose: Rosa Maria, uma jovem professora de História, embarca com a filha em um cruzeiro. O navio sai de Lisboa e atravessa o mar Mediterrâneo com destino a Bombaim, na Índia, onde seu marido a espera. Durante a travessia, ela visita pela primeira vez Marselha, as ruínas de Pompéia, Ceuta, Atenas, as pirâmides do Egito e Istambul – lugares que representam culturas que marcaram a civilização ocidental. Algumas pessoas lhe chamam a atenção: uma empresária francesa de renome, uma famosa ex-modelo italiana, uma atriz e professora grega e sobretudo o comandante do navio, um americano de origem polonesa. Mas uma estranha ameaça perturba o cruzeiro e a vida dos passageiros quando o navio atravessa o Golfo Pérsico.

Nada ouvi nem nada vi neste trabalho do Manoel de Oliveira. Metáfora entregue de maneira pouco sutil, beirando a ingenuidade. Conversas no sense e figuras importantes fazendo papel de figuras importantes. A trama do terrorismo enfiada de qualquer forma provoca choque diegético, absurdo narrativo e não a reflexão.

Do discurso da globalização pouco se extrai. O simbolismo do descobrimento é mal representado. No início, o interessante passeio pela história das civilizações se perde na monotonia provocada pela falta da ação. Coisas precisam acontecer em filmes mesmo quando os mesmo nos oferecem o prazer da contemplação. Os raros momentos interessantes prendem nosso olhar por instantes. O fato é que apesar de serem utilizadas de maneira equivocada, as maravilhas do mundo conservam suas belezas. A canção, interpretada pela atriz, agrega o mesmo sentido. Proposta experimental? Ousada? O trabalho da fotografia e montagem apresentam falhas estranhas que sabotam a própria narrativa.

Ao contrário do que disse minha ilustre sogra, não tenho objetivo de destruir com meu olhar crítico ferrenho os produtos culturais. Talvez meu erro (nosso, porque Davi viu o filme e compartilha de minhas idéias) tenha sido o de entender no ato o que Um Filme Falado quis dizer. Pouco mistério que resulta numa experiência nada interessante.

No entanto, como diria o sábio Andrei, a obra de arte se consagra quando permite ao expectador criar múltiplos olhares e interpretações. Talvez eu não tenha entendido o filme... Alguém me explica?

outra visão:

E o primeiro vídeo experimental a gente nunca esquece...

2006-06-28T18:18:00.000-03:00

Dando continuidade a série "que-legal-agora-posso-colocar-meu-vídeo-no-youtube".

"Poesia Urbana"
Duração 7´20". Direção: Iris de Oliveira e Edson Júnior. Produção: Susana Ramalho e Valnei Nunes. Com Valnei e Soraia. 2003. Salvador. Mini-dv.
Sinopse- Resultado da intenção de explorar as particularidades (tempo, cores, ações, emoções, ritmo, fluxo) de um local feito de asfalto e gente (Avenida Paralela, Salvador, Bahia), típico das grandes cidades. “POESIA URBANA”, é uma tentativa de expor significados para o cotidiano dessa avenida, compreendida por nós como um poderoso cenário urbano.

para Beto (lindo e loiro em barcelona), Paty (minha preta, lutadora de karatê), Edson (menino lindo de meu deus), Paulo e Jimmy (cancerianos especiais), Davi (homem-dengo que faz o melhor macarrão do planeta) e pra você, caríssimo leitor.

ENTRANDO NA LUZ
Resenha do livro : Uma introdução ao Filme Underground de Sheldon Renan.

O convite: Descobrir em profundidade "subterrânea" novos campos de expressão artística guiados pelo olhar sobre temas (subjetivo) e processos de realização (objetivo). Nomes importantes nessa jornada: Stan Brakhage, Robert Breer, Ken Jacobs, Gregory Markopoulos.

A idéia do "Filme Subterrâneo" contempla possibilidades de realização e vai além do conceito de gênero. Curiosamente, a proposta se afasta do grande público mesmo sendo resultado da expressão individual, livre de pressões e moldes, correspondendo ao desejo secreto do coletivo. Nonsense muito perto do sentido real e sincero. Compreender um filme subterrâneo é tão simples como não compreender. É uma questão de adaptação mental que foge dos relativismos culturais, etários, sexuais e temporais. Crianças entendem que luzes dançam. A possibilidade da emoção diante da obra é fato, o problema é que, com o passar dos anos, o homem vem perdendo a capacidade de se emocionar, cria moldes e olhares "sub-culturais", educados por uma estética comum, vazia, comercial e opressora, idealizada para prender e não para libertar o olhar.

A limitação existe: processo de realização, público, lugar de exibição. O cinema underground não encontra espaço em salas comerciais, sua existência é condicionada aos veículos alternativos e as obras alcançam e criam outras realidades ( a internet por exemplo). A técnica (8 e 16 mm) possibilita a realização de propostas infinitas de expressão. Segundo Sheldon Renan, a expressão "Filme Subterrâneo" apareceu inicialmente no discurso do crítico Many Farber sobre os filmes de aventura "B" feitos nos anos 30 e 40. Em 59, a referência é feita aos filmes de arte pessoal. Renan comenta também sobre as dimensões físicas das obras, afirmando que as mesmas possuem "largura previsível e duração imprevisível". Coloca o suporte Super-8 e 16 mm como os mais usuais, cita os trabalhos de Stan Brakhage (Songs), Robert Branaman e Ken Jacobs como possibilidades que quebram as barreiras existentes entre o caseiro e a obra de arte. Arte desvinculada da nobreza do suporte especial. A obra é a experiência, o conteúdo.

A família , os amigos, o sexo, o corpo, a própria casa são "personagens" constantes nesses filmes. Um universo estético e eticamente dominado. O documentário é poético. Não há limite para trabalhar com as com as “coisas do mundo". Tudo é passível de observação e contemplação. Puríssimo voyeur. Fenômenos ópticos são explorados ao máximo, bem como a psicodelia não racional e "científica" das imagens mentais.

O Filme Subterrâneo é fruto da liberdade visual, do desejo de experimentar os limites do suporte cinematográfico, questionando seus dogmas e ao mesmo tempo reafirmando sua capacidade e poder. Absorve e se apropria de outras manifestações artísticas como a pintura , a dança e a poesia. Entrelaça-se inevitavelmente com a lógica da narrativa clássica: A idéia de começo , meio e fim presente na obra mais abstrata. Eterna busca pelo sentido visual. O Filme subterrâneo amplia a definição de Cinema. Atualmente, o cinema comercial absorve muito dessa "liberdade" não só por esgotamento de suas fórmulas mas por reconhecimento desse tipo de olhar.

Mundo inquieto, perfeito para inovações do pensamento e da arte. É nesse contexto que surge o filme de Avant-garde. O expressionismo alemão em 1920 (talvez a vanguarda que mais exprima o caráter subterrâneo, inquieto e nebuloso do momento), carrega esse espírito nas obras de Robert Weine , Fritz Lang e Murnau. Nomes como Viking Eggeling, Hames Ritcher e Walter Ruttmann também aparecem como pioneiros. Destaque para o trabalho de Ruttman, a série Opus (1921- 1925), uma manipulação animada de formas geométricas e "Berlin the Symphony of a great City" (1927), uma produção comercial bem sucedida que se relacionou com o público, abrindo-lhe perspectivas de compreensão sobre Avant-garde.

Na França temos René Clair, Alberto Cavalcant, Luis Buñuel, Lèger, Man Ray e Marcel Duchamp realizando obras com grande impacto visual e influenciados pelo surrealismo. Segundo Renan “o mais famoso de todos os filmes da Avant- garde foi, em verdade uma violenta reação contra o formalismo artístico demasiado aparente nos fimes de avant- garde". Em "Un Chien Andalou" (1928) dirigido por Buñuel, o feitiço vira contra o feiticeiro e o avant- garde a quem Buñuel objetiva enfrentar, aclama-o como uma obra -prima. Na Rússia os já conhecidos Vertov e Eisenstein definem a vanguarda russa.

Apontando causas para o fim da Avant-garde na Europa, Sheldon revela a dispersão dos cineastas forçados pela realidade da depressão a seguirem por outros caminhos (mais politicamente engajados).

Poucos foram os filmes realizados durante o período da depressão. Na América os trabalhos de Lewis Jacobs , Oskar Fischinger, Mary Elen Bute e Douglas Crockwell ganham destaque. Outros dois nomes importantes surgem na Inglaterra nesse período : Norma Maclaren e len Lye.

O 2º avant- garde do cinema começa logo ao fim da depressão.As produções são impulsionadas pela realidade do 16 mm. O trabalho que estabeleceu o estilo dominante marcando o retorno foi "Meshes of de afternoon" (1943) de Maya Deren e Alexander Hammid que mais adiante realizam interessantes trabalhos relacionados com dança.

"Quando o segundo avant-garde desapareceu, um grupo de pessoas inteiramente novo estava começando a fazer filmes, viviam em Paris , Nova York, Connecticut, Wichita, Denver e São Francisco. Não havia qualquer combinação em seu surgimento, entre eles Robert Brier, Jonas Mekas, Christopher Maclaine e Stan Brakhage. Filmes-retratos, mementos, ensaios visuais, documentários personalistas". Neste momento o cinema também é nouvelle-vague, Bergman , Fellini, Antonioni e Kurosawa.

"Cinema Ampliado" como um espírito de pesquisa e sobre as relações comercias existentes no "fazer cinematográfico". A obra atende às necessidades econômicas, políticas, visuais e culturais da sua época, reafirmando a importância de sua existência, seu "establishment" . A construção do establishment do filme subterrâneo obviamente foi fruto dos esforços dos pioneiros.

A arte eletrônica trazendo para dentro do "cinema" seus elemento mutantes, ultra-luminosos e virtuais. A TV traz o tempo real e outras possibilidades. Exploram-se conceitos de "imagem- tempo", “imagem-movimento". Filmes menos pessoais e mais performáticos. Apesar das inevitáveis e infinitas transformações: Luz!

Redondo

2006-06-21T00:29:00.000-03:00

Aqui no blog, todos nos conhecem pelo que escrevemos sobre cinema. Poucos conhecem o que produzimos em audiovisual. Agora, com o YouTube ficou fácil mudar isso. Este aí embaixo é Redondo, vídeo que eu (Ele) fiz, juntamente com toda a equipe (Luana Mellado, Ian Fraser, Ronei Jorge e Carine Bomfim). É um trabalho de faculdade, não existe nele a figura do diretor, embora eu tenha dirigido parte dele.

Na época (cerca de 2 anos atrás), eu o editei. Agora, Iris (Ela) reeditou o material, corrigindo algumas coisas e acrescentando outras - dando um "speed", como ela gosta de dizer. A interferência dela foi substancial e muito bem vinda, pois reforçou a idéias que já estavam contidas no vídeo, além de dar a ele uma finalização profissional. Este vídeo é fruto de uma idéia original de Ronei Jorge (que estrela o vídeo), roteirizada por Davi Lopes (eu mesmo) e Ian Fraser Lima. Espero que gostem. Com vocês, Redondo:

Quer baixar "Redondo" e não sabe como? Me pergunte que eu te passo o arquivo. Um abraço!

REFLEXÕES SOBRE CINEMA E MONTAGEM

2006-06-18T00:54:00.000-03:00

Eisenstein, o doido mor.

“Teseu precisou de um fio para sair do labirinto do Minotauro. Sem planejamento, mapa ou fio leva-se uma surra e a edição se transforma numa lambança de imagens e sons reunidos para efeito momentâneo. Mas esse efeito não terá ressonância duradoura no filme”.
Walter Murch

A MONTAGEM POR ELA :

Edição é trabalho de doido! Passamos mais de 12 horas por dia sentados na frente do computador montando e remontando um quebra-cabeças que já existe em nossas mentes. O ar-condicionado sempre no 17, a cadeira que nunca é confortável, a câimbra, o olho que não pisca e eu, que não sei usar tecla de atalho, fico com o dedo doendo de tanto clicar no mouse da maçã.

Não sei o que é mais terrível: editar um trabalho pessoal onde você persegue a perfeição, mesmo sabendo que nunca irá achá-la – mesmo assim você insiste e, inconscientemente, grava todos os time-codes do material bruto que dá mais ou menos umas 15 fitas de 60 minutos – ou, se você edita coisa para os outros, um material cheio de potencial que se finaliza pobremente com um festival de fusões e imagens em slow motion.

No entanto, nada é pior (ou melhor, do ponto de vista dos amantes do cafezinho-cigarrinho-xixizinho-conversinha) do que o "TEMPO DO RENDER" também conhecido como writing video. Nessa hora não tem jeito, temos que esperar, enrolar o cliente (naqueles casos em que você não tem paciência para explicar os processos digitais da masterização e por quê porra você parou de trabalhar). Vamos dar uma volta. Tem casos mais críticos onde a pessoa fica acompanhando os porcentos, a barrinha azul que caminha lentamente, irritante...

Tem os casos em que a máquina "dá pau" e você perde tudo, tem a tragédia do "não salvar" – nesse caso, nem Jesus salva, só mesmo "maçã + S".

EU AMO EDITAR!

Trabalhar com Final Cut (programa de edição de vídeo) é uma delícia! A configuração do ambiente de trabalho é super simples: num espaço, temos as indicações dos arquivos das imagens e sons que foram capturados para dentro do computador (bin), em outro temos a Time-Line, cuja tradução ao pé-da-letra seria "linha do tempo". Os arquivos de imagem e som são "arrastados" para a Time-line, que é composta por Layers (linhas) para imagem e Tracks (para os canais de áudio). Ambos podem ser multiplicados, permitindo a sobreposição de imagens e sons. O vídeo (coloco aqui informações muito simples sobre o processo técnico, sem muitos detalhes) é realmente montado (fisicamente) na Time-Line, e nela também são colocados os efeitos de fusão (ou simplesmente o "corte-seco") que unem diretamente um plano a outro, uma imagem a outra. A "imagem" formada pela união dos planos na Time-line é uma espécie de imagem do "todo" do vídeo. É possível ver o seu tamanho, duração, se ele foi muito "picotado" ou se é composto por planos-seqüência. O "ícone" que surge traz a idéia de proporção e relatividade. O Editor enxerga em uma única imagem o vídeo pronto, do começo ao fim, manipulado (não-linearmente) em sua linha do tempo.

Em uma das aulas de direção com o Professor Geraldo Sarno (sim, o diretor de “Viramundo”), foi exposta uma análise sobre a montagem do filme "O Encouraçado Potenkim" de Einsestein”. Além da grande força que a obra possui pelo seu caráter revolucionário, é impossível tecer comentários sobre o filme sem tocar na questão da montagem. A mágica da multiplicação do tempo realizada por Eisenstein durante a famosa seqüência da escadaria de Odessa, que potencializa toda a dramaticidade de uma cena que , logicamente falando, se resolveria em mais ou menos uns cinco minutos. Eisenstein prolonga não só a cena (soldados marchando contra o povo, passando por cima e derrubando tudo que está no caminho), como também prolonga a emoção do espectador, parece não ter fim todo aquele caos e angústia. Os soldados são gigantes - suas armas de fogo, enquadradas de forma bem particular, adquirem aparência de lanças mortais a escada é infinita. Toda essa sensação é causada pelo específico do cinema que transforma luz em tempo.

Retornando a observação sobre a aula, de repente na lousa surge um desenho aparentemente confuso, uma espécie de gráfico povoado com indicações, setas, palavras. Era o "desenho" do Encouraçado Potenkim. Sua (complexa) estrutura dividida em atos e blocos, a reprodução era feita no caderno com a ajuda milimétrica de uma régua. A Imagem "da imagem" de Potenkim era muito parecida com o desenho da Time-line. Composição e tempo.

Além das reflexões sobre os efeitos causados pela montagem durante a contemplação do filme, uma outra surge em torno da paradoxal relação (principalmente no cinema) entre a obra pronta, harmoniosa, convincente em suas elipses, e o processo confuso e fragmentado da criação. A sensação que se tem (talvez a mais real) é a de que, ainda no processo do roteiro, ou mesmo na elaboração da idéia (imagem), o filme deve partir de uma síntese de várias "coisas" que estão dentro e fora do espaço direto e visual. Um exercício do olhar cultural sobre as coisas do mundo. A forma de montar se apresenta, pra mim, como uma lógica que obviamente também passa por esse olhar cultural. Tenho como exemplo a estranheza fascinante dos filmes do expressionismo alemão, os tempos "dramaticamente" perfeitos do cinema oriental, a inteligência da montagem dialética, as metalinguagens do “cine-poesia", o desejo do real do neo-realismo italiano e ainda o plano sequência realizado por algum membro de alguma tribo isolada sem contato com as formas de expressão da cultura audiovisual ocidental contemporânea.

Retomando a reflexão sobre a montagem, cada parte do Todo (resultado da união de várias partes que se combinam e que já foram pré- concebidas como unidade) carrega o próprio Todo, essas partes são como células autônomas e, no caso do cinema, imagens, planos, seqüências super resolvidas "semioticamente".

Deleuze (viuxe!), em seus textos sobre montagem, apresenta suas "tendências", reforçando os argumentos anteriores sobre a lógica dos olhares culturais: a montagem orgânica (escola americana), a dialética (escola soviética), quantitativa (escola francesa do pré-guerra) e intensiva (escola alemã). Os filmes usados como exemplo nas aulas foram decisivos para uma compreensão sobre os tipos de montagem, mesmo como exemplos isolados (é ainda mais esclarecedor ver vários filmes do mesmo diretor, perceber seu ritmo).

Foram exibidos Nosferatu (Murnau), a Grande ilusão (Renoir) e O Encouraçado Potemkim (Eisenstein). Para ilustrar a montagem orgânica, utilizo os filmes pioneiros de Griffth (Intolerância e Nascimento de uma Nação). Segundo Deleuze, Griffth concebeu a composição das imagens-movimento (termo usado por Deleuze para tratar da "parte do todo" cinematográfico) como um organismo que tem seu ritmo variado pela convergência das partes que o formam, pelo paralelismo com que são conduzidos em certos momentos e pelas oposições. "Uma poderosa representação orgânica que impele o conjunto das partes". É possível perceber nos filmes de Renoir não só um domínio sobre o fazer cinematográfico, mas uma real manipulação da narrativa. A Grande Ilusão e Um dia no Campo são obras complicadas que possuem um fluxo narrativo todo particular, em que os eventos isolados parecem se resolver sem a ajuda da próxima imagem, há o diálogo, mas a parte não se perde em função do todo, há um equilíbrio na tensão dramática do filme. Em casos como Nosferatu, essa busca pelo sublime parece detonar "mini bombas" a cada sequência que segue (a trilha atual ajuda muito nessa sensação). Por fim, a montagem dialética está presente nos filmes da vanguarda russa, que soam como obras de arte arquitetadas a partir de lógicas extremamente racionais, e que provocam um choque mental. É um cinema que arranca o espectador de sua cadeira passiva, colocando-o em estado de real interação com o filme. O cinema põe movimento na imagem e na vida.

Existem coisas feitas com o tempo e pelo tempo que só são possíveis através do Cinema. O Cinema inquieto, picotado ou, aquele que utiliza o virtuosismo do plano seqüência, que trabalha com o que não está em quadro, que põe movimento na imagem, que recria tempo.

A MONTAGEM POR ELE:

O FINAL CUT É MEEEEU!

Cinemontagem

Umas semanas atrás, no set de Bartolomeu, uma pessoa, preocupada com meus cortes rápidos, perguntou se eu filmava pensando na montagem. Na hora não pude responder – o set de filmagem não é o lugar ideal para discutir teoria do cinema. Mas, se eu tivesse dado a devida atenção à pergunta, teria respondido que sim, claro, de que outra forma poderia ser? Como eu posso dirigir um filme sem pensar na montagem? Como a pessoa não conhecia o roteiro técnico, não percebia que eu estava dando uma boa margem de segurança nos cortes. Não sabia que, ali mesmo no set de filmagem, eu e Ernesto (éramos uma dupla de diretores) estávamos montando o corte final. Na verdade, o filme já havia sido montado muito tempo antes, quando nós decupamos o roteiro, em um processo longo e exaustivo de construção mental de um curta que, salvo engano, se encontra ainda na geladeira do Gerlab (FTC), esperando ser enviado para o Labocine, no Rio.

Cinema é montagem. Um quadro será sempre um quadro – um conjunto de elementos dispostos em uma tela, mas não no tempo. Seu tempo é o da duração de um olhar, da vontade do espectador. Um livro, da mesma forma, pode ser lido em dias, meses ou mesmo anos, a depender da disposição do leitor. Um filme de duas horas terá sempre duas horas. Isso é cinema. Montagem é a criação de um bloco de tempo que nos abstrai de todos os outros. No cinema, o tempo real está fora da diegese. Mas o cinema não é só montagem – isto é, em uma definição pessoal: as escolhas do diretor, de disposição e duração dos planos, com o objetivo de criar significação.

Valoriza-se muito o desempenho dos atores, seu gestual, a dramaticidade e a veracidade com que encarnam seus personagens. No entanto, embora o ator seja fundamental para o cinema, o cinema não é, a priori, fundamental para o ator. O último encontrará, no teatro, terreno apropriado para a ampla realização de suas habilidades. No cinema, muitas vezes o ator é reduzido a um executor de movimentos, numa tarefa mecânica e sem graça que só revelará sua pertinência com o filme pronto. O teatro, no entanto, é a casa do ator – o aplauso do público é imediato, toda entonação, todo gesto, todo movimento do ator é construído sob o olhar atento do público, e visa mobiliza-los por uma conexão íntima com o público. No cinema, o olho-clínico da montagem picota o trabalho do ator. No exagero formal, encontramos uma síntese curta e grossa em David Mamet - segundo ele, as “imagens não infletidas” cuidam de significar enredo e drama na montagem, sendo preferível se requisitar ao ator a não-atuação. Para Mamet, o ator deve somente executar movimentos e dar suas falas, sem adicionar qualquer tom dramático ao personagem. A intensidade será toda trabalhada a partir da montagem. No entanto, saudável contradição: nos filmes de David Mamet, podemos encontrar algumas atuações maravilhosas (a exemplo de Philip Seymour Hoffman, como um romântico escritor interiorano de State and Main – não confundir com Capote).

Em seu livro A Linguagem Secreta do Cinema, Jean Claude Carriére fala sobre montagem:

"Um homem, num quarto fechado, se aproxima de uma janela e olha para fora. Outra imagem, outra tomada, sucede a primeira. Aparece a rua, onde vemos dois personagens – a mulher do homem e o amante dela, por exemplo. Para nós, atualmente, a simples justaposição dessas duas imagens, naquela ordem, e até na ordem inversa (começando na rua), nos revela, claramente, sem que precisemos raciocinar, que o homem viu, pela janela, a mulher e o amante na rua. Nós sabemos; nós o vimos no ato de ver. Interpretamos, corretamente, e sem esforço, essas imagens justapostas, essa linguagem."

Neste exemplo, quem narrou a história? Quem nos disse que o homem olhava, pela janela, sua mulher com o amante? Certamente não foi o trabalho de ator (a câmera não filma pensamentos, é a montagem quem os cria). Também não foi a palavra – ausente neste caso. A música pode, certamente, dar o tom de intriga que caracteriza o ato ilícito. Mas convenhamos: música também é montagem. É a montagem que nos diz: “este homem está olhando estes dois na rua”. Ao ator, pede-se apenas não constranger o efeito final com expressões descabidas. Ainda que este não colabore, é a montagem que narra – é preciso ver para crer. A função das palavras é acessória. Ao texto, cabe cumprir seu papel sem causar maiores constrangimentos. Jean Claude Carrière:

"Não surgiu uma linguagem autenticamente nova até que os cineastas começassem a cortar o filme em cenas, até o nascimento da montagem, da edição. Foi aí, na relação invisível de uma cena com a outra, que o cinema realmente gerou uma nova linguagem. No ardor de sua implementação, essa técnica aparentemente simples criou um vocabulário e uma gramática de incrível variedade. Nenhuma mídia ostenta um processo como esse."

Ainda que o realizador deseje dar maior vulto à atuação, seu filme será uma montagem, e ele precisará realizar um sem número de escolhas para valorizar o trabalho dos atores. Se acreditar que a intensidade deste trabalho garantirá por si só o seu efeito, confiando na “mística” do set, perderá o controle do filme - conseqüência das escolhas que não fez. Já o diretor que tem consciência da importância da montagem trabalhará dotando as imagens das características mais adequadas a seu projeto estético. Um bom diretor é na verdade um bom montador.

Saudações cinematográficas.

Versão 2 em 1

2006-06-16T03:07:00.000-03:00

Ele diz não:

Uma Mulher Contra Hitler (Sophie Scholl - Die letzten Tage, Dir. Marc Rothemund, 2005, Alemanha)

Sinopse: Na Alemanha nazista de 1943, Sophie e Hans Scholl são irmãos e membros do grupo de resistência antinazista Rosa Branca. Quando eles resolvem distribuir panfletos na universidade, acabam presos pela GESTAPO.

Crítica:

Para falar de Uma Mulher Contra Hitler, não se pode esquecer que este é um filme sobre o nazismo, feito por alemães. O nazismo não foi um movimento isolado, mas que envolveu toda a população alemã autóctone. Seus símbolos, ideologia e, especialmente, o esforço de guerra foram amplamente apoiados pela população. Não era de se esperar algo diferente - a propaganda nazista foi eficiente em esconder suas degenerações do populacho, que comprou o "produto de marketing" nazista como um valor positivo. Uma análise crítica do filme é necessária, para que não sejamos injustos com seu relevante aspecto político.

Basicamente em ambientes fechados, o diretor constrói um filme de interiores, buscando o embate psicológico entre personagens que encarnam diferentes faces da Alemanha nazista de 1943. Tal objetivo se esboça no embate verbal entre o inquisidor Robert Mohr e a jovem idealista Sophie Scholl.

O texto, no entanto, é pobre, panfletário, todo o tempo nos remetendo à estrutura macropolítica, sem envolver de forma eficiente os personagens, em sua esfera emocional. O resultado são diálogos frios, pautados no discurso histórico. Sophie Scholl, com ares de Joana Dar’c, parece ter não só conhecimento total da estrutura política em que estava, como também do futuro relativamente distante - faltavam dois anos para a derrocada alemã.

Contribui para o enfraquecimento deste núcleo dramático a atuação de Gerald Alexander Held, o comissário Mohr, que compõe de forma insossa o batido personagem do "homem torturado pela consciência", com direito a momentos de explosão que beiram o ridículo. Já a personagem Sophie Scholl é tratada com reverência religiosa, no que pese a boa atuação da atriz Julia Jentsch, que consegue, apesar de tudo, dar à personagem uma dignidade impactante.

Em nenhum momento, os irmãos esmorecem ou têm dúvidas quanto a seus idéias e métodos. No entanto, esta determinação febril e irracional acaba criando personagens, de forma semelhante ao que acontece no brasileiro Olga. Não por acaso, o filme brasileiro é dirigido por um diretor de novelas e séries de TV (Jayme Monjardim), o mesmo acontecendo com este Marc Rothemund. Por isso, talvez, a preferência de ambos pelo melodrama e, em especial, pelo uso indiscriminado de closes e planos próximos. Este uso, exibindo com detalhismo as contidas expressões da protagonista, lhe confere um ar espiritual, em especial quando ela assiste aos ataques aéreos, quando a luz das explosões em seu rosto parecem algo de divino.

Ao contrário de Amém, filme sobre nazismo do diretor grego Costa-Gravas, quando momentos de montagem acelerada dão corpo a cenas de ação importantes para a história, ajudando a montar o panorama global dos incidentes, neste Uma Mulher... o tom de intriga pontua alguns momentos de forma bastante gratuita, em nada contribuindo para a parte essencial da trama.

O povo alemão, ali representado pelo pequeno grupo de idealistas e, em especial, pelo casal de irmãos, está eximido da tragédia nazista. O nazismo é representado ora por figuras impotentes e, portanto, menos culpadas (o comissário Robert Mohr, a carcereira do último presídio), ora por tipos caricatos, representados com tal nível de afetação que só podem ser considerados loucos, incapazes de observar o panorama social que está à sua volta (o clone de Hitler que serve de carcereiro para Sophie, o juiz histérico que os condena).

Os irmãos idealistas são panfletos vivos, sem qualquer traço de fraqueza humana. Mesmo com todos os problemas já apontados, seus discursos contém uma força intrínseca, que se potencializa no choque com a realidade. A afirmação da liberdade possui um valor absoluto, insofismável, que sobrevive com dignidade ao massacre imposto pelo regime narrativo. Subliminarmente, no entanto, existe um outro discurso, mais preocupante: segundo o filme, o extermínio de judeus e doentes mentais, o número esmagador de baixas de soldados, a derrota iminente eram assuntos colocados para debaixo do tapete na Alemanha nazista. Os alemães "de verdade" estariam dormindo o sono da inocência. Não é surpresa que o filme tenha feito sucesso esmagador em seu país de origem. Além de absolver a população Alemã que permitiu a ascensão do Partido Nazista, aos próprios nazistas é oferecida a anistia da ignorância - um perigoso revisionismo histórico, escondido num melodrama pífio e aparentemente inofensivo.

Ela diz quase sim:

Uma mulher contra Hitler – Cinema contra Hitler e a favor da Alemanha

Crítica:

Munique, Alemanha, 1943. Baseado em fatos reais, o filme acompanha os últimos momentos da jovem universitária Sophie Scholl (Julia Jentsch), única mulher do grupo de resistência anti-nazista Rosa Branca, que torna-se prisioneira da Gestapo ( polícia alemã) por distribuir, junto com seu irmão Hans Scholl (Fabian Hinrichs), panfletos contra o regime de Hitler.

O filme do diretor alemão Marc Rothemund contribui para a formação de uma cinematografia preocupada em tratar a temática do nazismo através de uma abordagem histórica de fatos e personagens, a exemplo de filmes como A Lista de Schindler (1993, Spielberg), O Pianista (2002,Roman Polanski), Amém (2001, Costa Gavras) , Moloch (1999, Aleksander Sokúrov), e, recentemente, A Queda – As últimas horas de Hitler (2004,Oliver Hirschbiegel), além de grande número de documentários como Shoa (1985,Claude Lanzmann) e Eu Fui a Secretária de Hitler (2001, André Heller e Othmar Schmiderer) (este último, assim como A Queda – As últimas horas de Hitler e Moloch se apresentam como propostas que “humanizam” a figura do Terceiro Reich). Uma cinematografia que ajuda a pôr luz no sombrio episódio do nazismo que até os dias de hoje comove e convoca sentimentos em todo o mundo.

Nesta película, Hitler e seu regime Nacional Socialista continuam a ser combatidos como monstros nocivos para a humanidade. No entanto, diferente das propostas que trazem a figura do povo alemão diretamente relacionadas a esta postura, Uma Mulher contra Hitler traz a tona uma realidade que mostra a resistência e o inconformismo de uma parcela da população dentro do próprio país durante o regime. A resistência é representada no filme pelo grupo Rosa Branca, cujo núcleo era formado por universitários de 21 a 25 anos de idade, entre estes os irmãos Hans e Sophie Scholl, Alexander Schmorell, Willi Graf e Christoph Probst. A atividade do grupo consistia em distribuir pelos correios panfletos de conteúdo anti-nazi para várias cidades. A atuação da Rosa Branca se assemelha com a de grupos terroristas. A resistência dentro de sua própria sociedade, transforma os jovens militantes em personagens incoerentes e avessos, questionados dentro do filme sobre sua sanidade e que se lançam contra a realidade aparentemente irredutível como kamikazes guiados pelo sentimento de indignação.

Os elementos dos gêneros de drama, ação e suspense estão configurados de forma ineficientes na história, e não colocam o espectador na talvez desejada posição de cárcere e perseguido. O resgate do episódio de resistência por si só já é de grande relevância; a luta de jovens pelos seus ideais a favor da humanidade e pelo fim da guerra já garante ao filme a empatia com público. No entanto, é fato que o discurso político oferecido pelo filme se limita a reproduzir um texto já conhecido contra o ideal nazista, que revela as atrocidades cometidas pelo regime e seu caráter racista. A novidade (talvez não tão novidade assim) é que o discurso parte de uma parcela do povo alemão. Apresentando essa abordagem original, o filme vem conseguindo uma trajetória satisfatória principalmente na Alemanha.

A contida interpretação de Julia Jentsch consegue dar vida à determinação e coragem de Sophie. Na posição de cárcere indo para uma possível morte, sustenta uma lucidez que a faz segurar as emoções em situações de maior pressão e tortura psicológica. A trajetória da personagem, no entanto, é prejudicada por momentos desnecessários, como a contemplação dos ataques aéreos pela janela da prisão, que acabam por parecer tentativas forçadas de se alcançar poesia. O trabalho de contenção emocional empreendido pela atriz alcança seu ápice na cena do julgamento - apesar da exaltação, ainda mantém o caráter apresentado durante todo filme. No entanto, a histérica e caricata atuação do juiz (personagem de Else Gebel), diante de uma platéia de militares, coloca o filme no nada sutil e já esgotado universo maniqueísta.

Um filme de guerra sem armas. A ação do filme concentra-se certamente em seus primeiros momentos. A sequência em que são distribuídos os panfletos anti-nazistas dentro da faculdade tem como trilha sonora uma música típica de filmes de ação, que transporta o espectador para a emoção do momento. É interessante perceber como essa simples ação, através do poder potencializador do cinema, transforma-se quase num ato de guerra.

Ao contrário de outros filmes que acompanham momentos de prisioneiros, não há a degradação física da personagem principal , e sim emocional. Um efeito que se torna ainda mais complicado, se compararmos com propostas cinematográficas atuais, que se utilizam do caráter sensacional das imagens de guerra para conseguir o efeito da emoção. O terror do filme é psicológico, e a ameaça está sentada em frente a Sophie , representada por Robert Mohr através da fraca atuação de Gerald Alexander Held, que submete Sophia (e o público) a longas horas de interrogatório e ainda pela figura de Hitler, convertido num signo sinistro representado por sósias fardados como tal. Planos próximos nos garantem certa intimidade com a personagem. No entanto, a abertura para a o sofrimento é limitada bem como um real envolvimento com a personagem de Sophie (o que acontece ao final do julgamento quando o diretor nos oferece imagens da real Sophie Scholl e dos outros jovens da Rosa Branca). Estamos na cela com Sophie, mas não dentro de seus pensamentos.

A direção de arte atua de forma discreta, e limita-se a recriar de maneira competente o clima e o cenário da Alemanha de 43. A fotografia é equilibrada e a câmera próxima, móvel, acompanha as ações proporcionando um ritmo interessante que infelizmente não é visto nos diálogos. . O uso de primeiros planos denuncia também a tentativa de concentrar atenção para os acontecimentos relativos à condição da personagem, prisioneira capturada.

O filme se comporta como um recorte que focaliza a atenção para o decisivo momento na vida de Sophie. Fracamente amparado pelo contexto histórico, não consegue tratar do fato com os recursos dramáticos e cinematográficos necessários, no entanto, apresenta virtudes por tratar do complicado tema do nazismo a partir de uma ótica mais original que a de outros filmes. O filme não se comporta como uma obra pretensiosa, e parece se contentar com a importante exposição da personagem de Sophie Scholl, o que já é um mérito. Reafirma-se também a luta individual contra sistemas opressivos, uma interessante abordagem para os nossos tempos. Aos curiosos sobre o nazismo, Uma mulher... oferece um episódio digno de ser representado, que apresenta um quase ingênuo (mas nobre) discurso político. O filme, além de consagrar a figura de Sophia Scholl, situando-a no universo das lutas políticas como uma quase Joana D’arc (a relação com o filme de Dreyer também é possível), problematiza ainda a luta pela liberdade do pensamento, talvez a batalha mais difícil de nossa sociedade.

Agora sim, Salve Santo Antônio!!

2006-06-13T09:47:00.001-03:00

Da série posts perdidos...

Para eles, acordar junto virou delicioso costume. No começo, como de praxe, era ainda mais fabuloso a conjugação do verbo descobrir. Por serem bons, ganharam um divino presente e então numa manhã dessas....

Ele (acordando e fungando):
Mô!!! Que é aquilo alí no teto??

Ela (tirando as almas da boca):
Onde Davi?

Ele (agora assustado):
Alí ó, que coisa estranha...

Ela (já sabendo, ou fingindo):
É cinema menino! Você colocou um lençol escuro pra tapar a janela e sobrou um pedacinho por onde passa luz.

Ele (criança feliz):
Uau Mô, nosso quarto virou uma câmara escura!!

Ela (contagiada e também criança feliz)
Que massa né!!

Passa um caminhão (palmas!!!)

Passa um homenzinho de camisa amarela (palmas!!!)

Ele e Ela:
te amo

E então, ficaram os dois com cara de abestalhados olhando para o teto (quase o dia inteiro), vendo as imagens das pessoas e carros que passavam. Felizes como se estivessem descobrindo o cinema naquele instante.

CONFIRA: Lista dos Premiados do 11º Festival de Cinema Universitário

IMPERDÍVEL:
TEATRO: O Sapato do Meu Tio

Humor, poesia, inteligência, técnica e sensibilidade. E o teatro prossegue como um templo misterioso que, vez ou outra, nos oferece esses presentes.
Com: Alexandre Casali e Lúcio Tranchesi
Escrita por: Alexandre Casali e Lúcio Tranchesi
Direção: João Lima
Local: Sala do Coro do Teatro Castro Alves
Horário: 20 horas
Ingresso (inteira): R$ 15,00
Até 25 de Junho

Em tempos: Coça o saco BRASIL!!! e Felicidades para TODOS os amantes (tempos de paz)

2006-06-10T11:59:00.000-03:00

Gosto de Sangue (Blood Simple, Irmãos Coen, EUA, 1984)

Sinopse (IMDB): O dono de um bar no Texas está certo de que sua esposa o trai, e contrata um detetive particular para espioná-la. Este é só o começo de uma história complexa e cheia de reviravoltas. O primeiro filme dos irmãos Cohen.

Uma voz arrastada de caipira acompanha a paisagem tipicamente texana. O marrom desértico, a vegetação levada pelo vento, as construções isoladas no meio do nada - naquelas rochas secas, naquela paisagem infinita, naquele sol causticante está a dureza do verdadeiro espírito americano. "O mundo está cheio de reclamões. E o fato é que nada é garantido. Não me importa se você é o Papa, ou se é o presidente dos Estados Unidos da América; alguma coisa sempre dá errado.", diz a voz de Loren Visser, o asqueiroso detetive particular que vai ser peça importante da narrativa. A voz over é uma piada sutil. O universo árido de Gosto de Sangue não comporta conclusões, dele não brota um conhecimento do mundo. Como larvas, todos se movem horizontalmente na mesma lama. Não há espaço para a redenção no mundo dos homens.

O corpo sendo arrastado, o motor do carro, a porta que bate, o caminhão que chega, as respirações, os sons conscientemente orquestrados esculpem um tempo que flui ao prazer da cena. O ritmo diletante demonstra a consciência que os realizadores têm do material cinematográfico. Objeto e modo de fazer encontram-se integrados. A direção dos planos prescinde da simulação de espontaneidade. A suspenção da descrença, tão cara ao cinema, é, se não relevada, ao menos encarada com irreverência. Em certa medida, os Coen não estão preocupados em provocar uma identificação com os protagonistas que, bem sucedida, deslocaria o olhar para uma ligação com os seus dilemas em si. O cálculo, a sincronia, o toque preciso estão ali para servir não só à progressão da história, mas também a um efeito de comunicação da natureza própria do cinema.

Esta arte autocomunicante é a tônica dos irmãos Coen. Ainda que dentro de sua filmografia seja possível identificar diversos fios de relação, eles não se limitam a uma visão de mundo que deseja ser projetada e corroborada na tela. O tema é o próprio cinema. Seus filmes são como um grande inventário, em que figura todo um conhecimento assimilado da história do cinema, notadamente o norte-americano de gênero. Essa qualidade referencial, assumida e explicitada, está longe de ser um sinal de falta de inventividade - é a matéria sobre a qual se constrói uma filmografia com bases próprias. A diferença é que, ao contrário dos cineastas "prudentes", os Coen não escondem os ombros sobre os quais se apóiam.

A ligação com o noir está basicamente na história de intriga amorosa envolvendo detetive, mas este é só o ponto de partida. Como crianças brincando de montar, os Coen pervertem a fórmula ao pôr as vestes de herói num personagem fraco e apaixonado. Quase parodicamente, Ray (John Getz) tem o jeito másculo e reservado dos protagonistas do gênero, mas suas atitudes passionais em nada o asssemlham aos detetives durões de Humpfrey Bogart. Não se trata, portando, de uma homenagem na forma da recriação. Os irmãos Coen potencializam aqueles elementos que se encontravam dispersos nas obras do gênero, em um processo que prioriza o que mais lhes convém, residindo aí seu caráter autoral. Em Gosto de Sangue, enquanto o núcleo amoroso é tratado com frieza e desinteresse quase problemáticos, um tipo pitoresco como o detetive metido a cowboy Loren Visser (interpretado por M. Emmet Walsh) ganha tempo de tela e desenvolvimento consideráveis. As cenas de amor, distanciadas pelas elipses, estão em flagrante constraste com as elaboradas cenas de violência e morte, quando nada é suprimido, em um fetiche mórbido que não esconde o desejo de levar o espectador à mesma condição miserável do personagem. O crime é filmado de perto - sua materialidade podre tem cheiro, tato e peso.

Impressiona ver tanta segurança em uma estréia. Não se trata apenas de um trabalho profissionalmente bem executado - estão contidos ali todos os elementos que consagraram a dupla em trabalho posteriores. Em filmes como Fargo e Miller's Crossing, o que se vê é um refinamento do que já estava presente em Gosto de Sangue, tanto em termos temáticos (seres humanos "normais" envolvidos de forma banal em tramas sangrentas) quanto formais (o ritmo contruído no uso da banda sonora, a violência retardada, as cenas-bolhas temporais dentro do filme). Depois daí, a carreira dos Coen foi um proveitoso caminho para dentro, quando eles retrabalharam os próprios elementos que compunham seu universo fílmico.

"essa aí veio do fundo do baú pra vocês" - Davi.

Breves impressões sobre o Festival

2006-06-06T11:11:00.000-03:00

O charmosinho Hotel Paysandu – Flamengo - O Rio de Janeiro continua...

Estive no Rio nos dias 3 e 4 de junho a convite do XI Festival de Cinema Universitário para participar de uma mesa de debates com realizadores da mostra Competitiva de Vídeos. Como havia colocado no post anterior, tivemos um trabalho selecionado ("Gabriel") e outros dois na Mostra Informativa. O Festival segue até o dia 11 mas, a "Peoa" aqui, teve que voltar antes.

"Gabriel", em sua primeira exibição, teve uma recepção razoável, encaixado num bloco de outros trabalhos interessantes e inquietantes. Confesso que não esperava a seleção do vídeo, no entanto, pude perceber que alguns trabalhos dialogavam com ele por conta de intenções poéticas e estéticas experimentais semelhantes. As críticas foram extremamente construtivas e apontaram para a questão da montagem, algo que poderá ser revisto futuramente. O tempo foi curto e não deu pra assistir muita coisa. Tive boas e péssimas surpresas (o que é normal numa mostra tão grande e diversificada como esta) mas, o que me marcou mesmo, foi o discurso do poeta parnasiano em sua torre de marfim que muito infeliz em sua colocação, disparou opiniões sobre a função do cinema e da arte. O realizador em questão apresentou um trabalho muito interessante e delicado, bons planos, estrutura narrativa original, um trabalho bonito que agradou e emocionou o público. Sim, "Jonas e a Baleia", realização de Felipe Bragança é um dos melhores vídeos que assisti, no entanto, o diretor se auto-sabotou ao revelar (talvez numa fala não tão bem pensada) alguns valores e preocupações estéticas. Felipe Bragança ainda criticou de maneira irônica, agressiva e autoritária o trabalho (e não me venha dizer que "faz parte", porque desse discurso eu também já estou cheia!) "Uzerê" de Diego Lisboa, realizador aqui de Salvador. Mais que uma discussão ficção X "documentário", senti uma coisa muito ruim e frustrante durante o debate. Que ótimo que realizadores como Bragança trilhem com seriedade elaborados e competentes trabalhos de ficção (graças a Jah mesmo!) mas, dizer que a única função da realização de novos audiovisuais é (e só é) contribuir para a evolução da linguagem do cinema e que não precisamos (não devemos) nos preocupar com questões ligadas à valores culturais e problemas sociais, foi a maior merda que eu já ouvi de um estudante de cinema em todos os tempos. Colocar com SINCERIDADE um "vídeo" no mundo, já traz grande contribuição para o audiovisual. Depois do corte final (talvez até antes) não temos mais controle sobre a obra. A função que ela desempenha depende do olhar de cada espectador. Objetivo, Subjetivo. Cada um luta com armas que tem.

A seguir, comentários sobre os trabalhos favoritos. Quem estiver no Rio e puder conferir o Festival, recomendo não perder esses vídeos:

1- OUR MAN IN NIRVANA ( NOSSO HOMEM NO NIRVANA)
35mm, 2005, cor/color, Animação/Animation, 11 min, Alemanha/Germany
Direção, Roteiro, Animação e Montagem/Direction, Script, Animation & Editing: Jan Koester. Som/Sound: Daniel Gilde, Andi Drost. Escola/School: Hochschule für Film und Fersehen “Konrad Wolf” Potsdam-Babelsberg.
sinopse: John, famoso guitarrista de rock, morre no palco e acorda no Nirvana. Num limbo com estranhas criaturas e ocorrências, ele toca sua guitarra e atrai uma mulher. Mas o Nirvana é apenas para aqueles que durante suas vidas conseguiram construir uma casa, ter um filho e plantar uma árvore. Achando que prefere ficar no Nirvana por causa da mulher, John faz o máximo para arrancar de sua memória os eventos certos…

comentário: Um dos melhores trabalhos em animação que eu já vi. Técnica fabulosa, resultado de cor surreal. Psicodelia. Roteiro que oferece generosamente a história. Imperdível para os amantes do rock e da vida.

2- UZERÊ
2005 , cor, 14 min 30 seg
Direção: Diego Lisboa . Escola: Rádio/TV - Faculdade Jorge Amado.
sinopse: Um grupo de crianças e jovens de bairros periféricos invadem as ruas da cidade de Salvador, como um enxame de abelhas, em busca de doce. São os êres atrás de suas oferendas.

comentário: Interessante exercício de observação e montagem. Diego consegue realizar um trabalho que incomoda e encanta ao mesmo tempo. Uma homenagem à nossas crianças, aos nosso êres. realidade incompreendida. O trabalho tem força.

3- YI-RU-KE-NEUN GYE-SOK-HAL-SU UP-SU-YO NOTHING'S GONNA STOP US NOW
35mm, 2004, cor/color, Experimental, 22 min, Coréia do Sul/South Korea
Direção e Roteiro/Direction & Script: Seongho Yoon. Fotografia/Cinematography: Sangjoon Kwon. Som/Sound: Taeho Kim, Yejin Cho. Montagem/Editing: Kwangyu Moon, Yoojung Noh. Elenco/Cast: Hoon Jang, Hyukwon Park, Seong-a Hong, Seonjin Jang. Escola/School: Korean National University of Arts
sinopse: O filme narra uma estória de motivação pessoal sobre amor e arte, usando citações como ‘Jung-Hoon, que vai a Busan, ainda tem sentimentos para ninguém além de Jun-Ah’, ‘Gi-Hyun Gwak, trabalhador de colarinho branco, balança a bandeira Americana, mas a Embaixada dos EUA não faz nada a respeito’, ‘A Cinemateca está fechada mas a fé de Sora e HanBat apenas começou’. Abençoai aqueles de luto, pois eles serão confortados.

comentário: um trabalho necessário para explodir a cabeça. proposta experimental que encoraja outras realizações. Liberdade para extrapolar.

4- HIMMELFILM: HOW WERE THE SKIES LIKE WHEN YOU WERE YOUNG?
(COMO ERAM OS CÉUS QUANDO VOCÊ ERA JOVEM?)
35mm, 2004, cor/color, Documentário/Documentary, 15 min, Alemanha/Germany
Direção e Roteiro/Direction & Script: Jiska Rickels, Sanne Kurz. Escola/School: Hochschule für Fernsehen und Film München
sinopse:"Como eram os céus quando você era jovem?"

comentário: Fortalece minha crença na beleza do real. documentário + poesia.

5- ARIKO’S 30 PIRATES (OS 30 PIRATAS DE MARIKO)
DV, 2004, Cor/color, Ficção/Fiction, 24 min, Japão/Japan
Direção e Produção/Direction & Production: Mariko Tetsuya. Escola/School: Hosei University.
sinopse: Na sociedade atual, onde câmeras digitais são o padrão, ficou extremamente difícil continuar a usar formatos em 8mm. Eu pretendi dar grande significado ao filme 8mm em si, em oposição às imagens.

comentário: Um dos trabalhos mais sinceros e originais da Mostra. Meu querido Cinema Marginal.

6- DESORDEM
2006 , cor, 2 min
Direção: Cristiane Fariah . Elenco: Eber Machado e Sérgio Freitas . Escola: Design Gráfico - UEMG
sinopse: O que ocorre quando você escolhe um livro "perigoso" para ler? Saiba assistindo a esse curta que usa de stop motion para mostrar como as palavras tem poder! Cuidado com o que você lê...

comentário: A bem humorada animação dá simpaticíssima mineira Cristiane Lima. Um momento raro de humor no Festival.

link do festival http://www.fbcu.com.br/
Bem, espero que o pessoal que está acompanhando o Festival comente no blog e traga novidades sobre o que está acontecendo até o dia 11. Certamente excelentes trabalhos serão exibidos até lá.

Heleninha(esposa do meu amigo-de-fé-irmão-camarada Flávio Vigata, vocal da Radaroots)e eu (Ela) depois da exibição, indo para o buteco atrás do CCBB.

EXTRAS:
imperdível
Arte de Cuba - Exposição reúne as mais significativas obras das artes plásticas cubanas do século XX até hoje. Um amplo panorama do movimento modernista cubano, seguido dos representantes das gerações dos anos 60, 70 e 80 e uma rigorosa seleção de obras de artistas cubanos contemporâneos, internacionalmente reconhecidos, formarão o total da mostra.
onde: Centro Cultural Banco do Brasil - RJ
quando: 15/05/06 a 16/07/06

beijos para todos e especialmente para o pessoal da organização do evento.

Cinema e Tecnologia

2006-05-29T12:45:00.000-03:00

Chronos meu velho, libere duas horas!!

Estamos sem tempo para ir ao Cinema. Acompanhamos com desespero a entrada e saída de filmes nas salas. Abrimos o jornal, nos programamos, separamos dinheiro, calculamos tudo e... nada! Gostaríamos de escrever mais (e com mais calma) sobre coisas que assistimos. O exercício da crítica, análise e comentário de filmes proporciona diálogos interessantes com outros amigos espalhados pela net (essa atividade "blogueira" acaba substituindo (infelizmente) as boas conversas de bar) e com as próprias obras, transformando o espaço da web num infinito Cine-Clube. Bem, enquanto a rotina não dá uma folga, publicaremos algumas reflexões pessoais sobre cinema e cultura, alguns contos, crônicas e, claro, declarações de amor.
Abraços para Todos!

Que lindo!!! Em 1896 Méliès já fazia miséria...

Afirmar que o encontro da Tecnologia com o Cinema é algo contemporâneo, atual, deste século, é um equívoco que nega a própria invenção do Cinema. Este já nasce arte, indústria, técnica e tem sua origem no desejo do homem de modificar, reproduzir e reinventar a maneira de ver o mundo através da mistura da magia com a superação do uso da técnica. Invenção após invenção o Cinema cultiva o mistério das cavernas de sombras, das traquitanas que causavam a ilusão de ótica, das misturas químicas, dos fenômenos físicos. A evolução do fazer e pensar Cinema, caminhando na mesma velocidade da evolução de sua linguagem e estética. O limite da reprodução da realidade é ultrapassado. Não há limite. A realidade "do Cinema" encontra, no uso dos efeitos especiais, elementos que reafirmam este território como um mundo paralelo e poderoso, com seus próprios códigos de verossimilhança: homens podem voar, bichos podem falar, desastres absurdos, gigantes nas ruas, acidentes fantásticos, fenômenos da natureza acontecendo com a naturalidade "da natureza". A magia se materializa no cinema fantástico.

O Cinema nasce mudo (?), preto e branco, pouca profundidade de campo, movimentos humanos acelerados, cortes bruscos - não há composição, não há linguagem consolidada. A primeira demanda é a da imagem em movimento. Com o passar dos tempos, o Cinema ganha cor, som, dimensão. A ilusão é quase perfeita. O novos elementos provocam polêmica e a discussão sobre a "perda da essência" é uma constante que acompanha o audiovisual em todos os momentos. Do uso do som até propostas atuais de Cinemas Interativos (que redirecionam a questão da narrativa), o Cinema se aventura por outras invenções. Temos na obra do gênio Méliès os primórdios deste desejo. A feliz coincidência deste cineasta ter sido mágico, usar cenários móveis e técnicas de "trucagem" em seus filmes confirma a união. Cinema é efeito especial.

Imagem batida e eternamente inspiradora

Recriação do passado e reprodução de desastres. O paradoxo do uso do efeito especial: ele não pode ser visto nem percebido. Sua função é a de contribuir para a recriação de uma diegése particular e verossímil. Ser imperceptível é a razão da sua existência. Movimentos de câmera devem simular os movimentos do olho humano, água deve ser água, fogo deve ser fogo, neve, tufões, templos antigos, florestas. Tudo como nossa mente sabe que foi (mesmo sem nunca ter visto).

Na projeção do futuro, o espaço high-tech se confude com a imaginação humana e com a própria "natureza" das máquinas. O futuro, o espaço e as guerras estelares são frutos da tecnologia. O laser verde, a virtualidade, a robótica encontram no Cinema de ficção científica o território para a projeção de seu próprio futuro. Quase nada nos espanta. Há um retorno ao poder da narrativa e uma constante metalinguagem: Blade Runner, Matrix, A ilha, O Cubo, Inteligência Artificial, etc.

O uso das novas tecnologia se faz presente na forma de produção de todos aqueles que trabalham com o audiovisual - do videomaker-vanguardista que possui uma ilha Final Cut em casa até cineastas tradicionais que odeiam o uso de fusões. As novas tecnologias estão aí para somar, agilizar a edição, corrigir erros, restaurar filmes antigos e fazer parte da história como elemento estético. Os suportes digitais expandem as possibilidades do experimentalismo, "democratizam" a produção, influenciam na concepção do espaço-tempo-real, na maneira de pensar e narrar. Os jogos, a interatividade e o Cinema de animação reinventam o Cinema contemporâneo que, apesar de oferecer propostas cada vez mais ousadas, nunca perde as referências do Cinema Clássico e se apresenta como produto do inevitável processo de desenvolvimento dos elementos da linguagem.

Resgatado das cinzas por Ela e originalmente publicado em : O Tempo do render
Davi, Monife!!!

EXIBIÇÃO DE VÍDEOS NO 11º FESTIVAL BRASILEIRO DE CINEMA UNIVERSITÁRIO

2006-05-22T20:18:00.000-03:00

O Evento acontece no Centro Cultural do Banco do Brasil localizado na Av. Primeiro de Março, 66 - Centro do Rio de Janeiro e No Centro Cultural dos Correios, localizado do lado do CCBB

3 Trabalhos dentro da Programação

O Cordel Esquecido Num País sem Memória
Duração 15". Direção: Marcelo Rabelo. Assistentes de Direção: Iris de Oliveira e Valnei Nunes
Sinopse -
Em meio a turbulência provocada pelos avanços da tecnologia que aceleram os processos de comunicação e cultura, refletindo diretamente no nosso modo de vida e na forma de entender o mundo, a cultura popular mantém seu lugar de extrema importância na esfera das percepções. Traduzindo os pensamentos e anseios humanos, através de suas diversas manifestações, a cultura popular, original e dinâmica, comporta-se não apenas como um território da memória, ela representa dentro de uma sociedade a própria sociedade, um organismo vivo, com suas necessidades de regeneração, de metamorfose e de preservação. O Documentário faz um recorte sobre a cultura da Literatura de Cordel em Salvador e sobre a importância da poesia na vida do homem.
QUARTA, 31 DE MAIO
CCBB - Sala de Vídeo
horário : 19:30
Mostra Informativa de Vídeos. Programa HISTÓRIA E MEMÓRIA.

Cantos da Matinha
Duração 15". Direção Marcelo Rabelo e Iris de Oliveira. 2004. Salvador. Mini-dv
Sinopse - Matinha dos Pretos é uma comunidade da zona rural do município de Feira de Santana, Bahia. Couleirinho da Bahia, antigo sambador e conhecedor das tradições, nascido e criado ali, vê-se preocupado com a perda de suas raízes e resolve em 1989 reunir sua esposa, Dona Chica, filhos, parentes e vizinhos em busca da preservação de sua cultura. Unindo trabalho e música, organizam o grupo cultural Quixabeira da Matinha dos Pretos, passando assim a valorizar a memória dos antigos mestres e se constituindo numa referência para os mais jovens, que a partir da relação com a música passaram a se sentir mais respeitados.
SÁBADO, 10 DE JUNHO
CCBB - Sala de Vídeo
horário : 14:30.
Mostra Informativa de Vídeos. Programa POLÍTICA E RESISTÊNCIA POPULAR

Gabriel
Duração 15min. Direção. Marcelo Rabelo, Iris de Oliveira, Valnei Nunes. Com Gabriel. 2005. Salvador. Mini-dv
Sinopse - Gabriel, 84 anos, antigo curador, pescador de sonhos, catador de garrafas de plástico, com vida misteriosa para os padrões sociais, habita a trinta anos o interior da Igreja de Santo Antônio de Velasquez, localizada à beira mar no Jaburú, Ilha de Itaparica/Bahia. Por vontade própria, escolheu esse espaço sagrado e familiar para, sozinho, viver. Nascido em São Paulo e criado por uma índia, todo o seu tempo é dedicado a este local, construído no século XVII, hoje em ruínas e que e em outros momentos serviu a uma legião de fiéis.
DOMINGO, 04 de Junho
CCBB sala de Cinema (com DEBATES)
horário: 19h00
TERÇA, 06 de junho
CC dos Correios
horário: 16h00
MOSTRA COMPETITIVA DE VÍDEOS 2006. PROGRAMA 1

Divulgar é preciso!!!
beijos para todos

Fim da Primeira Parte

2006-05-20T10:31:00.000-03:00

Marca do filme criada por Mayara Diniz

No dia 19 de Maio de 2549 (ano Budista), finalizaram-se as filmagens do curta "Bartolomeu" - Uma realização do 7º semestre do curso de Cinema e Vídeo da Faculdade de Tecnologia e Ciências. Filmamos os créditos e as latas foram mandadas para o "Distante Reino do Laboratório de Revelação da Película" (Labocine). Nós, equipe, ficamos aqui em Salvador esperando o resultado dos dias de filmagem. Nos será enviado o telecine-off line para a realização da edição off-line e construção da trilha sonora. Certamente, durante este processo muitas pessoas adoecerão. É certo que teremos problemas com o som direto, já que o isolamento do estúdio em que trabalhamos era "audivelmente" ineficiente - "Vamos ter que dublar, vamos ter que dublar" - disse Ele (Davi), com uma voz estranha, meio sorumbático, "demente" mesmo. E eu (Ela) arregalava uma butuca de olhos já pensando na trabalheira que isso vai dar. Apesar de trabalhar um tempo com edição, nunca tive a felicidade de montar película (estou começando a descobrir os prazeres disso com a leitura de "Num piscar de olhos: a edição de filmes sob a ótica de um mestre", do Walter Murch) e estarei aproveitando essa oportunidade para grudar em Ive (a montadora do projeto) e absorver o máximo do processo.

Passamos por momentos difíceis, mas com a consciência de que todos os imprevistos e dificuldades fazem (e farão) parte da realidade da produção audiovisual em terra Brazilis. O maior empecilho foi certamente a suspensão de um turno de filmagem por conta da falta de bateria da câmera Aaton - tivemos que mobilizar toda a equipe para mais um dia de trabalho e obviamente reativar as energias. As gravações do 4º dia foram tranqüilas, Davi (Ele) e Ernesto se mostraram competentes, dirigindo com maestria "Lacraias" e "Formigas" (os insetos participam de algumas cenas do curta). Infelizmente, a câmera do making of não estava reservada e eu não pude registrar os momentos finais da produção.

Deixamos aqui o agradecimento à toda equipe que batalhou pelo projeto e aos atores (Márcio Liolly, Gesner Braga, Fernando Neves e Dody Só), extremamente profissionais e parceiros nesta empreitada.

Com "Bartolomeu" finalizado, nosso objetivo é levar o filme a festivais de curtas pelo país, passar o material para DVD, juntar com o registro do making of, ouvir as críticas e certamente partir para novas produções.

Início da Parte Dois...

OUTROS CINEMAS

INFORMAÇÕES:http://www.goethe.de/bahia/
DATA: 23 A 27 DE MAIO DE 2006
LOCAL: TEATRO DO GOETHE-INSTITUT SALVADOR-BAHIA (ICBA)

Gabriel

2006-05-16T14:23:00.001-03:00

Gabriel na Mostra Competitiva de Vídeos do 11º FESTIVAL BRASILEIRO DE CINEMA UNIVERSITÁRIO
http://www.fbcu.com.br/

Gabriel
Direção e Edição: Marcelo Rabelo e Iris de Oliveira
Fotografia : Valnei Nunes

Sinopse
Gabriel, 84 anos, antigo curador, pescador de sonhos, catador de garrafas de plástico, com vida misteriosa para os padrões sociais, habita há trinta anos o interior da Igreja de Santo Antônio de Velasquez, localizada à beira mar no Jaburú, Ilha de Itaparica/Bahia. Por vontade própria, escolheu esse espaço sagrado e familiar para, sozinho, viver. Nascido em São Paulo e criado por uma índia, todo o seu tempo é dedicado a este local, construído no século XVII, hoje em ruínas e que e em outros momentos serviu a uma legião de fiéis.

O vídeo se apresenta como uma proposta experimental, um ensaio sobre a solidão que se distancia da idéia de ficção (lugar, personagens e ações reais) e do formato documentário ( não contempla diretamente informações de valor histórico e antropológico e ainda se utiliza de uma montagem que interfere na realidade dos fatos, apresentando influências estéticas do experimentalismo e da vídeoarte nas imagens e sons).

Após a escolha do tema, método de abordagem e do processo de identificação do personagem, bem como o evolvimento com sua história e vida, tratamos de "cercar" nosso personagem por todos os lados. A pesquisa inicial focava a Igreja de Santo Antônio, sua história e seu significado. Reunimos um material básico com algumas informações sobre datas, arquitetura e reproduções de fotografias da época em que a igreja se apresentava em estado razoável. Em seguida, fizemos algumas visitas ao local a fim de estabelecer contato com moradores da ilha, famílas e comunidades situadas nos arredores da igreja. Essa parte da pesquisa foi muito proveitosa não só pela relação com as pessoas ( em especial a família de dona Minuca, no Porto Sobrado, que nos acolheu em sua casa) mas também por nos ajudar a construir parte importante da trilha do vídeo, os cantos, benditos e orações entoadas na época em que igreja estava em atividade. Depois da pesquisa, resolvemos direcionar nosso olhar para as condições da natureza (horário de maré , lua, ventos) e para Gabriel (antes apresentado para nós através dos comentários da comunidade algumas vezes cheios de preconceitos, outras de admiração).

Apesar do pouco tempo em contato direto com Gabriel (± 4 dias), conseguimos levantar em 7 horas de gravação material suficiente para montagem do vídeo. Uma longa entrevista e ainda muitos momento de observação (inicialmente sem o uso da câmera) contribuíram para entender melhor aquela realidade. O resultado foi um grande encontro entre nossas intenções poéticas e estéticas com aquele mundo de Gabriel, perfeito em sua simplicidade.

Apesar da grandeza do material bruto, a escolha da produção das cenas e fotos já estava decidida desde o começo do trabalho. O que fizemos foi um trabalho real de seleção, optando por planos e sequências harmoniosos em termos de enquadramento, tempo, luz e ritmo. Uma composição que guardasse em sua essência a beleza das imagens reais mais o grafismo e estética das abstrações.

Texto de Iris de Oliveira e Marcelo Rabelo

"Eu trabalho perdendo o controle. Eu trabalho com Improviso. Saudações a quem tem coragem "

A Experiência Cinema

2006-05-11T16:18:00.000-03:00

Bartolomeu - as filmagens

Sinopse: Bartolomeu é uma criatura estranha - depois de admitido no escritório, simplesmente pára de trabalhar. A situação estapafúrdia se aprofunda, na medida em que ele caminha para a paralisia completa, e o Chefe tentará de todas as formas contornar esta situação. O roteiro é uma adaptação livre do conto "Bartleby, o escriturário", de Herman Melville. Ambos configuram-se como obras que se encaixam no universo do realismo fantástico. Uma produção em 16mm do 7º semestre de 2006, do curso de Cinema e Vídeo da FTC. Duração prevista: entre 10min e 15min.

1 - Davi (Ele - diretor) revisando o roteiro técnico, 2 - equipe em ação, 3 - Ernesto (diretor), junto com Ricardo (platô) e Bia, 4 - dupla dinâmica corujando a câmera.

No dia 6 de maio de 2006 iniciaram-se as filmagens de Bartolomeu - curta produzido pela turma do 7º semestre do curso de Cinema e Vídeo da Faculdade e Tecnologia e Ciências, em Salvador- Ba. O projeto faz parte da disciplina Oficina de Produção, ministrada pelo professor Danilo Barata.

Bartolomeu é uma adaptação livre do conto "Bartleby, o escriturário", de Herman Melville. ambos configuram-se como obras que se encaixam no universo do Realismo Fantástico. O roteiro foi escrito por Ronei Jorge e Davi Lopes Ramos (Ele), que também divide a direção com Ernesto Molinero.

Os primeiros dias de filmagem (ainda temos o dia 13 de maio) foram intensos e cansativos. O trabalho começava às 8 da manhã e ultrapassava as 23hs. Choveu torrencialmente em Salvador e, apesar de trabalharmos em área coberta dentro do estúdio, o clima dificultou a locomoção e causou ainda a expectativa de queda de energia - o que felizmente não ocorreu. Muitos atrasos e alguns imprevistos marcaram essa produção. O magnífico absurdo do cinema proporcionou situações como 2 horas de preparação de um plano para 40 segundos de película rodada. A equipe, com algumas exceções, trabalhou unida e, apesar do sofrimento físico e mental, conseguiu realizar o objetivo: o cronograma foi cumprido. Um dos momentos mais lindos do processo foi certamente o plano da grua (ver na foto) que, contrariando a ordem natural do caos, realizou-se sem muitas complicações. Acredito que nem todo o espaço da web poderia comportar o relato da experiência de filmar em 16mm. Muita coisa se consolidou com essa vivência e, mesmo que algum imprevisto negativo (e no negativo) ocorra até o filme chegar aos nossos olhos, nada pode tirar isso da gente. Naqueles 2 dias de filmagem, morremos para o mundo e nascemos em outro. Agora que retornamos, o coração e a cabeça continuam em ritmo acelerado. Sonhamos acordados com o que aconteceu. Dia 13 tem mais...

1 - Claquete!, 2 - Equipe, 3 - Super Cid "Gilmar da TV Colosso" (gaffer), 4 - Eu (Ela) no making of momento espelho

A linda equipe da arte: 1 - Bia maqueia Fernando Neves, 2 - Luana mete a mão na massa, 3 - Hellen e Bia, 4 - Luana em momento de reflexão (uma moeda pelos seus pensamentos...)

Jimmy (nosso câmera e sósia de Johnny Depp) e nossa continuísta, a Adorável Júlia

1- Arte na maquiagem, 2 - Gladys (a super produtora) conversando com o ator Fernando Neves, 3 - Gladys, uma pessoa múltipla, 4 - PP dos atores.

Momento grua - a união faz CINEMA!

No meio do caminho, tinha uma pedra...

2006-05-09T22:39:00.000-03:00

Este blog nasceu de uma afinidade muito grande entre duas pessoas que amam o cinema e um ao outro mutuamente - Eu (Davi), Ela (Iris). É com muito prazer que recebemos visitas, elogios, críticas, concordâncias e discordâncias, pois isso nos mostra o quanto no site é visitado e faz parte do dia a dia de alguns poucos, mas valiosos, leitores.

Acontece que, no dia de hoje, uma ação imprevisível nos deixou perplexos: alguém simplesmente acessou minha (Davi) conta no blogspot e apagou não só este blog, como o que eu tinha antes deste, o Crônica do Concreto, onde eu tinha, além de críticas, muitas crônicas, poesias e desabafos em geral. Mas aí você me pergunta: como você sabe que foi uma pessoa, e não um erro do sistema? Ao que eu respondo: foram apagados apenas os meus blogs mais recentes, tendo os mais velhos permanecido intactos. E, se eu conheço um pouquinho de sistemas como o do blogspot, eles só apagam coisas que não estão sendo atualizadas. Este blog tinha no máximo uma semana sem atualização, ou menos.

Diante de uma atitude tão estúpida, faltam reações. Honestamente, não consegui ter raiva. Não senti nada. Depois, veio a percepção da pequenez de tal ato. Para alguns, a simples existência pode ser um ato de guerra. Mas fico feliz, porquê temos agora não só a chance, mas a obrigação de recomeçar do zero, e com certeza muito melhor que antes. O tiro saiu pela culatra. Abraços a quem merece abraços.

Nóis balança mais não cai!

2006-05-09T20:27:00.000-03:00